Historia Tipografía Segunda Mitad Siglo XX PDF

Psicodelia • El cartel psicodélico fue la respuesta visual a un naciente espíritu de demanda y protesta social acaecido en EE.UU. en la década de los 60. • Esta década se caracterizó por una serie de acontecimientos políticos y bélicos que ponían a ese país en un terreno de inestabilidad constant...

Psicodelia • El cartel psicodélico fue la respuesta visual a un naciente espíritu de demanda y protesta social acaecido en EE.UU. en la década de los 60. • Esta década se caracterizó por una serie de acontecimientos políticos y bélicos que ponían a ese país en un terreno de inestabilidad constante, siendo el hecho más relevante el que tenía que ver con las protestas públicas contra la guerra de Vietnam, sumado a los movimientos que luchaban a favor de la liberación de la mujer, movimientos de los derechos civiles generando un nuevo clima que tenía como meta el replanteamiento y búsqueda de nuevos estilos de vida. • Los carteles reflejaban estas demandas y puntos de vista en pro de estos alegatos que obtuvo su primer impulso mediante la subcultura Hippie centrada en San Francisco, California. • La gente relacionó los mensajes de estos carteles que hablaban de insurrección contra el orden establecido, uniéndolos con la música rock y las drogas, dando como resultado los carteles psicodélicos. Victor Moscoso La psicodelia, el Op Art y el Pop Art situaron a las artes visuales firmemente sobre el mapa. Era el inicio de una nueva época, la de la mentalidad de progreso, y las imágenes ilustradas ayudaron a definir su apariencia. La música. Empieza a ser un campo de trabajo fundamental para los ilustradores • Estética impactante y atractiva • Formas inspiradas en el Art Nouveau • Difícil legibilidad • Efectos de vibracion optica • Marcados contrastes de blanco y negro • Colores intensos y electricos Milton Glaser. Push Pin Studios • El Push Pin Studios fue uno de los estudios de diseño y publicidad más influyentes durante 30 años a partir de mediados de 1950, tanto por la cantidad y como por la eficacia de los trabajos, cuyo primer presidente fue el maestro del diseño: Milton Glaser. • Fue fundado en 1954 por Milton Glaser, Seymour Chwast, Edward Sorel y Reynold Ruffins. • En el diseño gráfico el estilo que dominaba esos años era el racionalismo de la Escuela Suiza, Push Pin marcará un estilo ecléctico y excéntrico y de notable originalidad. • En esa época las agencias americanas, en su mayoría, trabajaban con fotografías para realizar las campañas publicitarias. Push Pin se destacó por su tenacidad en utilizar ilustraciones. • Sus integrantes fueron muy acertados al editar la revista Push Pin Graphic, que generó muchas suscripciones y aficionados a la misma, haciendo sus trabajos más populares todavía. Herb Lubalin • (NYC, 1918-1981), diseñador gráfico, tipógrafo y diseñador de tipografía, revolucionó la publicidad y el diseño editorial estadounidenses en la segunda mitad del siglo XX. • Tipografías como Avant Garde Gothic o Serif Gothic, la creación de la International Typeface Corporation (ITC) o la revista U&lc (Upper and lower case), son algunos de sus hitos más conocidos. • Lubalin usaba la tipografía no sólo como un medio mecánico para fijar palabras en una página sino como una forma creativa de expresar una idea para obtener una respuesta emocional del espectador. Esta forma de utilizar las letras fue decisiva para cambiar las actitudes y los enfoques de los diseñadores hacia la tipografía. • Rechaza la filosofía funcionalista de los europeos en favor de un estilo ecléctico y exuberante. Su manipulación del tipo reflejaba un deseo de romper con la tradición y explotar las posibilidades tipográficas de los nuevos sistemas de fotocomposición. Avant Garde • Tipografía basada en el logo que Herb Lubalin diseñó para la revista Avant Garde Magazine en 1967, y que sería rediseñada en 1970 por el genial tipógrafo junto con Tom Carnase, añadiéndole los caracteres de caja baja. • Se trata de una tipografía geométrica, formada a base de círculos y líneas rectas y que fue inspirada en la Futura de Paul Renner y en el movimiento alemán de la Bauhaus de los años 20. • Posee una altura de la “x” bastante considerable, dándole una apariencia sólida, fuerte y moderna. • Lubalin diseñó para este tipo un extenso juego de ligaduras, muchas de ellas únicas, que la ayudaron a elevarse hasta la cima de las tipografías de los años 70. • Avant Garde es, en cierto modo, una reevaluación de Futura en una línea de un tipo de palo capaz de soportar la composición apretada y cuyas peculiares ligaduras parecen carecer de sentido al margen de la revista creada por Lubalin Los tipos digitales • • Hoy en día, cuando hablamos de una fuente pensamos principalmente en una cosa: el tipo de caracteres (o letra) que podemos escoger en nuestro ordenador. Pero, hace menos de cien años, la palabra fuente se asociaba a algo claramente distinto: un duro bloque de metal con la representación en relieve de una letra, un número o un símbolo. La transformación se debió, como siempre ha pasado a lo largo de la historia de la tipografía, a las innovaciones y las nuevas tecnologías Avances técnicos Linotipia • Inventada en 1881 por un alemán que emigró a los Estados Unidos, Ottmar Mergenthaler, la linotipia (contracción de «línea de tipos», es decir, línea de caracteres) revolucionó el mundo de la impresión y se extendió en muy pocos años. • Fue la primera máquina que hacía una composición tipográfica automática: se trataba de una especie de máquina de escribir conectada a una fundición en miniatura. • El linotipista tecleaba el texto con un teclado. Al presionar una tecla, se liberaba la matriz del caracter correspondiente y esta «caía» sobre una línea de texto. Una vez que se completaba la línea, esta se transportaba automática a otra zona de la máquina donde se vertía metal fundido en las matrices. Así se formaba una línea completa. Por último, se entintaban las líneas y se usaban para imprimir los caracteres sobre el papel. • https://www.pixartprinting.es/blog/cinco-maquinas-cambiadomundo-impresion/ Fotocomposición • A mediados del siglo XX, el proceso de composición «en caliente» de la linotipia se empieza a sustituir por la composición «en frío». • Esto supuso otra revolución: nace la fotocomposición. Se acabaron las líneas de caracteres fundidas en el momento. • La composición de la página se realiza en una máquina y a través de una imagen impresa sobre una película. Fotocomposición • En los años cincuenta la aparición de la fotocomposición crea la necesidad de disponer de fuentes que ofreciesen un resultado más claro en las nuevas máquinas para componer las páginas, como la Lumitype. • La Univers —creada entre 1954 y 1957 por el célebre diseñador suizo Adrian Frutiger— fue una de as primeras fuentes creadas específicamente para la fotocomposición que tuvo éxito comercial. • El diseño tipográfico en los años 60/70 se configura en torno a la experimentación que la fotocomposición proporciona y que permite que los tipos se compriman, se superpongan unos a otros y se fuercen hasta el límite de la legibilidad creando de esta manera un claro estilo contemporáneo, y la creación de empresas que canalizan la fuerte creación de nuevos tipos. • La Corporación Tipográfica Internacional. Fundada por Lubalin, Aaron Burns y Edward Rondthaler con el objetivo de rediseñar tipos clásicos para fotocomposición, crear otros nuevos que tuvieran en cuenta las formidables posibilidades del nuevo medio y dignificar la profesión de diseñador de tipos y la creación de un soporte legal para apoyar su trabajo creativo está en el origen de la creación de la ITC. También para comercializar nuevos diseños de tipos y versiones de alfabetos clásicos para fotocomposición. Digiset: Rudolf Hell • Con esta máquina para la composición inventada en 1966 por el ingeniero alemán Rudolf Hell se abandona del todo el soporte físico para la creación de un carácter. • La Digiset es el primer sistema propiamente dicho totalmente digital de composición: los caracteres se reproducían mediante un tubo catódico (parecido al de un televisor) que permitía la distribución de la luz en determinados puntos, que hoy llamaríamos píxeles. Ahora, los caracteres ya no son bloques de metal, sino archivos de mapa de bits (bitmap) • El inventor de la Digiset también es el creador de la primera fuente digital: Digi Grotesk (1968). Este carácter sin gracias estaba disponible en 7 pesos y, como todas las primeras fuentes, se presentaba en formato bitmap. • En la práctica, el formato bitmap memorizaba las posiciones exactas de los distintos píxeles que conformaban el carácter. Fuentes en mapa de bits • La primera generación de tecnología dio como resultado fuentes de mapa de bits, comparables a superponer una hoja de papel cuadriculado sobre una letra dibuiada y colorear los cuadros (píxeles) que caían dentro del contorno de esa letra. • Las fuentes de mapa de bits tenían la ventaja de que son más rápidas y fáciles de usar en código de computadora y se pueden editar cuidadosamente para mejorar la calidad y la legibilidad. • Tenían la desventaja de requerir una fuente separada para cada tamaño y resolución, por lo que ocupaban una cantidad relativamente grande de memoria Fuentes vectoriales • Las fuentes de contorno (también denominadas fuentes vectorialês) utilizan curvas de Bézier, instrucciones de dibujo y fórmulas matemáticas para describir cada glifo, lo que hace que los contornos de los caracteres sean escalables a cualquier tamaño. • Las fuentes de contorno son más pequeñas en tamaño de memoria y más rápidas de procesar. • Los dibujos analógicos de letras se trazan con un ratón o un lápiz óptico para crear una representación de contorno (compuesta por curvas y líneas rectas). • Estos contornos digitalizados se convierten en una fuente que se instala en el sistema operativo de una computadora. Ordenadores personales A mediados de los años ochenta, Apple comercializa el Macintosh, un ordenador con ratón e interfaz gráfica. Los ordenadores están listos para su difusión entre los hogares y oficinas de todo el mundo. Se da un cambio histórico: ahora cada usuario dispone de posibilidades inimaginables hasta ese momento. Se puede componer una página de texto en una pantalla de visialización con el primer programa de autoedición, PageMaker, e imprimirla con una impresora láser desde casa. Tecnologías asociadas a la tipografía digital: • El lenguaje PostScript: Es un lenguaje que permitía al ordenador transformar la fuente vectorial en instrucciones que poder transmitir a las primeras impresoras láser que llegaron al mercado. Se puede vincular a cualquier sistema operativo y la calidad de la salida final fue determinada por la impresora. • Las fuentes TrueType Fonts (.ttf). Desarrolladas a finales de los años ochenta, combinaban en un único archivo la información necesaria para mostrar la fuente en pantalla y para imprimirla. • OpenType Font (.otf). A mediados de los años noventa Adobe y Microsoft anuncian la creación de las fuentes .otf, un carácter digital que por primera vez puede utilizarse tanto en Mac como en PC. Utiliza la codificación Unicode que permite 65 000 caracteres en una sola fuente que se adapta a todos los idiomas del mundo. Susan Kare • Creadora de los primeros iconos de Apple para Macintosh. Sin habilidades informáticas y sin experiencia previa en el diseño digital, su desarrollo iconográfico revolucionó el arte de los píxeles y la comunicación usuario computadora. • Un encuentro casual con un viejo amigo y empleado de Apple, Andy Hertzfel la llevó a que en 1982 aceptara un puesto en Apple como diseñadora de gráficos de pantalla y fuentes digitales. • La primera tarea de Kare fue desarrollar fuentes para Mac OS. En ese momento, las tipografías digitales eran monoespaciadas, lo que significa que tanto una estrecha «i» como una amplia «m» ocupaban el mismo espacio de mapa de bits, es decir, la misma cantidad de espacio horizontal, como en una máquina de escribir y Jobs quería algo mejor para sus ordenadores. • Kare diseñó para Mac la primera familia de fuentes digitales proporcionalmente espaciadas que permitía que el texto respirara de forma natural en la pantalla blanca del monitor como lo haría en las páginas de un libro. • Su trabajo comenzó con la fuente Chicago que se utilizó para la interfaz e identidad de marca: «Bienvenido a Macintosh». Posteriormente Chicago fue la fuente utilizada también en la pantalla en blanco y negro del primer iPod. • Diseñó los famosos iconos de Apple logrando que fueran amigables, simples, fáciles de entender para cualquier neófito en la materia. NEW WAVE • Totalmente contrario al estilo suizo, caracterizado por su diseño en retícula y organización de los elementos. La New Wave se liberaba de las normas y trabajaba los diseños libremente; donde tipografía, fotografía y resto de elementos se mezclaban sin jerarquías y un orden complejo. • Nacido en 1941 en el Valle de Salem (Alemania), Wolfgang Weingart es reconocido como el padre de la “New Wave” o “Tipografía Suiza Punk”. • En 1964, se trasladó a Basilea y se incorporó a la Escuela de Basilea, aunque no comenzó a dar clase hasta cuatro años más tarde, tras ser enseñado por Hofmann y Ruder. • Explora una tipografía heterodoxa y renovadora y un nuevo uso de la composición de página • Posteriormente se difunde por Estados Unidos a través de múltiples canales. Weingart dio una gira de conferencias sobre el tema a principios de la década de 1970, lo que aumentó el número de diseñadores gráficos estadounidenses que viajaron a la Escuela de Basilea para una formación de posgrado que trajeron de regreso a los Estados Unidos. Algunos de los estudiantes destacados de las clases de Weingart incluyen April Greiman , Dan Friedman y Willi Kunz. April Greiman • Diseñadora gráfica estadounidense, es ampliamente reconocida por ser pionera en el uso de la tecnología digital como un medio para el diseño y por haber contribuido al desarrollo del estilo New Wave en los Estados Unidos. • Alumna de Weingart, tras sus años en Suiza, regresó a Estados Unidos y en 1976 se estableció en Los Angeles, en el estudio multidisciplinar Made in Space. • Trabajó con el fotógrafo Jayme Odgers, ideó composiciones gráficas que encarnaban el estilo New Wave, un enfoque de diseño que se asocia fuertemente con la California de los ochenta. • Greiman inició su peculiar lenguaje híbrido que combinaba componentes analógicos y digitales con un estilo tipográfico expresivo. • Mediante la integración de la tipografía, el video y los medios digitales, April Greiman creó una gráfica que puede situarse la vanguardia de los ochenta, era una época donde los ordenadores empezaban a demostrar todo el futuro potencial para procesar imágenes y vectores, Greiman abrazó la tecnología sin miedo gracias a las enseñanzas de su padre en este campo. Esta corriente que rompía con las bases más académicas y establecidas para el diseño gráfico y la tipografía. Zuzanna Licko • Zuzana Licko nació en 1961 en Bratislava, Checoslovaquia y emigró con sus padres a los Estados Unidos en 1968. Pionera en adaptar y crear tipografías digitales. • Junto con su marido, Rudy VanderLans, Licko fundó la empresa de diseño Emigre Graphics en 1984. La empresa se hizo mundialmente famosa por su revista autoeditada y su tipo de fundición, que se inspiraron en gran medida en las nuevas posibilidades técnicas ofrecidas por la introducción de la computadora Macintosh. • Licko y VanderLans se convirtieron en los primeros en adoptar la nueva tecnología y usaron la computadora para experimentar y crear algunos de los primeros diseños tipográficos y diseños de páginas digitales que causaron gran consternación en el ámbito del diseño gráfico. • Como equipo, Emigre ha sido galardonado con numerosos premios. Zuzana Licko recibió un doctorado honoris causa de la Escuela de Diseño de Rhode Island (2005) y recibió el 2013 Typography Award de la Society of Typographic Aficionados. En 2011, MoMA New York adquirió cinco tipos de letra digitales de Emigre Type Library para su colección de diseño y arquitectura. https://referentas.si/Zuzana-Licko https://www.emigre.com/Fonts/Crackly Punk • El movimiento punk se originó en 1976 con el lanzamiento del primer disco de los Ramones y con la celebración en Londres del festival Club Punk Festival, que reuniría a grupos como The Sex Pistols, The Clash, The Dammned y The Buzzcocks. • El movimiento punk partía de una filosofía clara, basada en la rebelión, la trasgresión y la inconformidad, un golpe directo a lo establecido, a las normas y las convenciones sociales que resultó en un movimiento cuyas propuestas estéticas y vitales superaron a su valor musical. • Desde un punto de vista visual, el movimiento Punk partía de una base estudiada y preparada. • Los diseñadores punk proponían una democratización del arte: si cualquier persona podía tocar en un grupo punk, cualquier persona podía ser un diseñador de moda o artista visual. Jamie Reid • Jamie Reid, autor de la imagen de Sex Pistols, definido por Rick Poynor como “el único diseñador punk puro”. • La colaboración de Reid con el fundador de los Sex Pistols Malcolm McLaren, produjo un tándem que ha pasado a la historia de la cultura popular. • Irónicamente, el nacimiento de un grupo tan contestatario como Sex Pistols tendría su base en una estrategia bien pensada y diseñada. McLaren seria el manager y el ideólogo. Reid estaría a cargo del diseño grafico de la banda. La compañera de McLaren, Vivenne Westood, dueña de una tienda de ropa en Londres se encargaría de la ropa y la estética del grupo. • El estilo de Reid es heredero del dadaísmo, el constructivismo ruso de El Lissiztky y el futurismo de Marinetti. Se puede resumir en un collage, líneas geométricas, colores directos, toques de amateurismo, tipografías robadas de los periódicos conservadores británicos y una actitud irreverente acerca del diseño. • Las portadas se convirtieron en el emblema del movimiento, incluyendo todas sus características: el feísmo, el rechazo a lo establecido, la falta de talento, las fotografías fotocopiadas, la desorganización en la pagina, los colores brillantes, la estética urbana. ©Neville Brody ©Jamie Reid Neville Brody • Nacido el 23 de abril de 1957 en Southgate, Londres, Neville Brody estudió Arte en el Hornsey College of Art y Diseño Gráfico en el London College of Printing. El tema de su Tesis de primer año se basó en la comparación entre Dadaísmo y Pop Art. • La influencia del Punk en sus trabajos de los 80 fue inevitable. En esa década realizó proyectos para sellos musicales independientes como Fetish Records y Stiff Records. Memorables son sus portadas para grupos como Depeche Mode, Cabaret Voltaire o Pere Ubu. • Es conocido internacionalmente por su diseño para la revista The Face, con el que superó la estructura de retícula y los principios tradicionales del diseño y la tipografía, como la concepción del diseño como una herramienta para la solución de problemas. También son influyentes sus trabajos para otras revistas como Arena o City Limits. • En 1991 fundó con Jon Wozencroft FUSE, una publicación sobre tipografía que definitivamente abrió nuevos senderos en el campo del diseño tipográfico, una de sus especialidades • En 1988 se publicó la monografía The Graphic Language of Neville Brody paralelamente a una exposición en el Victoria and Albert Museum de Londres sobre su obra, ambos de gran influencia en el terreno del diseño gráfico y de la tipografía en toda Europa. David Carson • Sin un entrenamiento de diseño formal, Carson tomó por asalto el mundo del diseño, volcando las convenciones y rompiendo las reglas tradicionales que ni siquiera sabía que existían. • El estilo de David Carson, es y sobre todo, fue, rompedor. Caracterizado por hacer mucho uso de tipografías utilizadas de las formas más inverosímiles • Ray Gun, una revista de música y estilo de vida alternativa. • Durante 3 años Carson tuvo absoluta libertad creativa en Ray Gun, en la que el estilo tipográfico “grunge” y, las soluciones de maquetación más locas y las imágenes de alto impacto eran las protagonistas. Después fundó su propio estudio de diseño gráfico, en la cosmopolita ciudad de Nueva York. Atrayendo una gran masa de clientes de todo EEUU, entre ellas, grandes corporaciones como Pepsi Cola, Ray Ban, Nike, Microsoft, entre otras muchas, se coronó como uno de los mejores diseñadores gráficos de todo el mundo. Web y tipografía • A mediados de los 90 se produce el desarrollo de otra tecnología revolucionaria, Internet, que tiene sus consecuencias para la tipografía. En 1996 el CSS, el lenguaje usado para definir el formato de las páginas web, incorpora por primera vez reglas relativas al estilo de las fuentes. En los mismos años, tanto Netscape como Internet Explorer empiezan a ofrecer compatibilidad con la integración de las fuentes web: formatos pensados específicamente para la web, más ligeros y cifrados para proteger el archivo de la fuente. • Con el desarrollo de los servicios digitales en los últimos veinte años, la tipografía web ha asumido un papel cada vez más relevante: un mismo contenido puede visualizarse de formas totalmente distintas en función de las herramientas que utilicemos. Fuentes variables • Cuatro de las empresas tecnológicas más influyentes —Google, Apple, Microsoft y Adobe— han desarrollado las fuentes variables: un nuevo formato de fuente capaz de contener, en un único archivo, todos los estilos de una familia de caracteres y miles de variaciones, que tarda mucho menos tiempo en cargarse en la web y que presenta distintas posibilidades para ofrecer experiencias gráficas cada vez más personalizadas. Stefan Sagmeister • Originario de Austria, Stefan Sagmeister es uno de los diseñadores gráficos más respetados del mundo. Es reconocido por su peculiar sentido el humor y perspectivas únicas sobre el arte, el diseño, la tipografía y la ilustración. Sus proyectos, merecedores de premios internacionales, van desde arte personal a branding o portadas de álbumes musicales, así como piezas complejas que escapan la categorización en una disciplina específica. • En 1999, Sagmeister iba a dar una conferencia en AIGA (Instituto Americano de Artes Gráficas) en Detroit. Para representar visualmente el dolor que parece acompañar los proyectos de diseño, su becario grabó la tipografía en su piel con un cuchillo. Esta audaz (y dolorosa) declaración capturó la atención de la comunidad artística por su oscuro sentido del humor, que tiende hacia el absurdo. • The Happy Film. Es una película documental sobre la felicidad que se estrenó en 2013. Es un estudio de las estrategias que psicólogos serios recomiendan para mejorar el bienestar, como la meditación, la terapia cognitiva y las drogas psicológicas. Sagmeister probó todas esas técnicas y experiencias, y las reportó en el filme, logrando visuales asombrosos y una narrativa fascinante. • Libro Made You Look. Es una compilación, publicada en 2009, de más de dos décadas de la obra de Sagmeister. Pero más que eso, es un libro-objeto. Viene dentro de una caja roja transparente removible, que cambia drásticamente el ánimo del perro de la portada. Incluye extractos del diario del artista escrito a mano.