Historia 2025 PDF

TEMA 0. ARQUEOLOGÍA DE LOS MEDIOS 1. CONSIDERACIONES INICIALES: Debemos considerar que estudiar la historia de la comunicación en general no es lo mismo que analizar la historia de los Medios de Comunicación. Aunque en parte tengan una evolución parecida incluyendo las diferentes técnicas utilizadas a lo largo del tiempo en el contexto y cultura del momento. Lo que cambia es que a la comunicación le afecta el conocimiento y en lo que a los Medios de Comunicación se refiere debemos tener a la SOCIEDAD DE MASAS en el punto de mira desde que nace porque la comunicación va dirigida a ellos. 1.1. ¿LA HISTORIA COMO RELATO O COMO PROBLEMA? 2. PERIODOS EN LA HISTORIA DE LOS MEDIOS: La historia de los medios se quedó con aquello que estaba tecnificado y afectaba a la sociedad de masas, es por ello que a día de hoy se nos hace difícil identificar medios previos al siglo XX. En 1800 cambiamos nuestra forma de estar en sociedad gracias a las mediaciones pasamos de una cultura de cuerpo (establecida desde la edad media) a una cultura de mente (emergente y oficial por formal e institucional). Podemos denominar: Cultura Oficial→Cultura de Masas. Cultura Carnavalesca→ Cultura Popular. 3. DOS DISTINTOS ENFOQUES EN LA ARQUEOLOGÍA DE LOS MEDIOS. ENFOQUE CLÁSICO (Énfasis emisor, ENFOQUE GENÉTICO-CULTURAL mensaje y medio) (Énfasis receptor) Precursores y antecedentes de la invención Pieza o eslabón en la genealogía de del cinematógrafo. mediaciones instrumentales. Artefacto tecnológico No busca “raíces” sino que explora Medio de comunicación potencialidades. De fósil a célula madre. Objetos de estudio alienados Objetos de estudios independientes pero interdependientes EXPLORANDO UN UNIVERSO AUDIOVISUAL POCO CONOCIDO: La linterna mágica como patrimonio científico, técnico y educativo. 1. EL CASO DE LA LINTERNA MÁGICA: - Es un Medio Audiovisual pleno (s. XVII-XIX). - En la historia de la comunicación los estudios sobre linterna mágica son insuficientes. - Amplitud cronológica y la controvertida interpretación que la adscribe al término 'precine'. 2. ECOLOGÍA DE LOS MEDIOS: McLuhan es la primera persona que empieza a estudiar la ecología de los medios: artefactos/dispositivos (metáfora con los seres vivos), los medios interactúan los unos con los otros. La ecología de los medios es un concepto que describe cómo los diferentes medios de comunicación interactúan entre sí y con la sociedad. Se basa en la idea de que los medios de comunicación no existen de forma aislada, sino que se influyen y transforman mutuamente. La ecología en este contexto hace referencia al estudio de cómo estos medios y tecnologías cambian y evolucionan, tanto de manera individual como en conjunto. El ciclo de vida de los medios es una parte importante dentro de la ecología de los medios. Este concepto describe las etapas por las que pasa un medio o tecnología a lo largo del tiempo. Generalmente, se divide en las siguientes fases: 1. Emergencia: Es el momento en que nace una nueva forma de medio o tecnología. En esta fase, el medio es experimentado y explorado por un grupo pequeño de personas. Es un período de prueba y desarrollo. 2. Consolidación: El medio se establece en la sociedad, y su uso se normaliza. En esta fase, ya no hay un crecimiento acelerado, pero el medio sigue siendo relevante y usado por una gran parte de la población. 3. Institucionalización: proceso mediante el cual un medio se convierte en una parte integrada y organizada de la sociedad, con reglas, estructuras y prácticas definidas que permiten su funcionamiento continuo y su influencia en la cultura. 4. Decadencia: El medio comienza a perder popularidad debido a la aparición de nuevas tecnologías o medios que lo superan. A menudo, los usuarios cambian a otras opciones más innovadoras o eficientes. 3. LA EMERGENCIA DEL DISPOITIVO ÓPTICO (s. XVII-XVIII): 3.1. INVENCIÓN DE LA LINTERNA MÁGICA: o Fabricación artesanal y su carácter de prototipo. o 1659, Huygens dibujó una linterna mágica y 10 figuras macabras. o Apenas conservados ejemplares construidos por pioneros como Kircher, Sturm o Zahn. 3.2. PRIMERAS PROYECCIONES ITINERANTES: En el siglo XVIII ser testigo directo de la magia de la linterna mágica era cada vez más sencillo debido a que las proyecciones eran ambulantes por varias ciudades de Europa. 3.3. OFICIO DE LINTERNISTA: o Actuaciones callejeras, en tabernas, en sus propios hogares e incluso los hogares de las familias más pudientes. o Representados con una linterna, acompañados por un tití que hacía acrobacias, un organillo o en compañía de su familia. o Constructor de las máquinas era considerado mago o alquimista al aplicar la geometría descriptiva o la óptica instrumental de forma recreativa. 3.4. ESPECTADOR ENTRE LA MAGIA Y LA CIENCIA: o Espectadores en su mayoría analfabetos. o Convive ‘magia/ciencia’ con naturalidad. 3.5. LAS PRIMERAS IMÁGENES: o Apenas se conservan (s. XVII y XVIII) oPintadas en vidrio y con imperfecciones con acuarela u óleo. o Representaban: fábulas, cuentos infantiles, temas alegóricos, cómicos o de actualidad. 3.6. AMBIENTACIÓN MUSICAL: Presencia de algún instrumento musical: organillo, caja de música, guitarra o tambor para atraer al público antes del comienzo del espectáculo y dar un acompañamiento musical durante la función. Resumen/definición Linterna Mágica: fue un medio audiovisual basado en la reproducción de imágenes y uso sincrónico de sonidos, que tuvo y tiene una gran trascendencia cultural. Su invención se remonta a finales del siglo XVII (1659) atribuida al holandés Huygens. Funcionaba proyectando imágenes pintadas en vidrio a través de una lente. La luz provenía de una vela o aceite que iluminaba las imágenes, las cuales se deslizaban en un marco transparente. Estas imágenes proyectadas podían ser fijas o movidas manualmente, creando la ilusión de movimiento. Hacía presencia desde funciones callejeras hasta ambientes más exclusivos como salones, bailes. Por otra parte, estas representaciones tenían un acompañamiento musical. Definición Mundonuevo: espectáculo óptico ambulante que surgió en el siglo XVIII, consistente en una caja dotada de varias lentes que permitían proyectar imágenes o escenas visuales. Este dispositivo se instalaba en plazas y espacios públicos, ofreciendo una experiencia visual acompañada de música, lo que añadía una dimensión sensorial al espectáculo. Definición Cosmorama: fue un espectáculo burgués popular en el siglo XIX, que ofrecía una experiencia visual única. Consistía en una habitación especialmente diseñada con un doble muro, en la que se insertaban una serie de lentes a la altura de los ojos del espectador. A través de estas lentes, los asistentes podían observar una sucesión de paisajes y vistas panorámicas, simulando viajes a lugares distantes. Este dispositivo proporcionaba una experiencia inmersiva y educativa, permitiendo a las personas explorar lugares exóticos sin salir de la habitación. 4. CONSOLIDACIÓN DE LA LINTERNA MÁGICA (18000-1840): FANTASMAGORÍA. 4.1. DEFINICIÓN Y CARACTERÍSTICAS DE LA FANTASMAGORÍA: Fantasmagoría fue un arte de representación con ilusiones ópticas, creada por Robertson a finales del siglo XVIII. A este también se le atribuye el tambor de los muertos, una placa que nos ayuda a entender cómo el espectáculo fantasmagórico logró sorprender tanto. Podría definirse como un tipo de teatro de terror que, entre otras técnicas, usaba una o más linternas mágicas. o Las escenas evocaban la atmósfera misteriosa de las novelas góticas que hicieron furor en las postrimerías del s. XVIII. o Universo temático: demonios y diablos, criaturas híbridas y monstruosas o figuras de la mitología como la cabeza de Medusa. o Muerte: representada mediante esqueletos, sepulcros o cementerios. 4.2. MAQUINARIA UTILIZADA: Fantoscopio: Factor clave del dinamismo visual de la fantasmagoría. Estaba situado detrás de la pantalla montado sobre ruedas, lo que permitía modificar tamaño imágenes sin que el público lo percibiera. Utilizado como sistema de obturación e intercambio de placas. 4.3. AMBIENTACIÓN MUSICAL: Robertson: uso sistemático de la armónica de Franklin y el tam-tam chino. 4.4. OFICIO DEL LINTERNISTA EN LAS FANTASMAGORÍA: Linternista como maestro de ceremonias: Función narrativa relevante: comentarios claves para entender el relato visual o para expresar juicios de valor o reflexiones. Ej: Etienne Gaspar Robertson reconocido como un maestro de la fantasmagoría: tres décadas en ciudades como París, Berlín, Lisboa o Madrid. 4.5. ESPECTADOR ANTE LA INCIPIENTE CULTURA DE MASAS: Transición entre los espectáculos Edad Media (informales y donde el mundo se representaba en continuo cambio) y emergente cultura urbana de masas (guiados por la curiosidad ilustrada). 5. LA INSTITUCIONALIZACIÓN DE LA LINTERNA MÁGICA COMO MEDIO DE COMUNICACIÓN: Se institucionalizó como un medio de comunicación recreativo y formativo en todos los ámbitos sociales. “Hay pocos instrumentos de naturaleza científica calculados para entretener e instruir mejor que la linterna óptica. Puede decirse que mientras otros instrumentos, como el microscopio o el telescopio, no atraen sino al ojo educado, los efectos de la linterna son de tal naturaleza que se pueden apreciar y entender por un gran número de personas al mismo tiempo”. (Parker, 1890, p. 19). 5.1. ENTRE LA INSTRUCCIÓN Y EL ENTRETENIMIENTO: Los temas populares (leyendas o fábulas), relatos históricos, obras clásicas, divulgación recreativa de la ciencia. En 1850 se dan las proyecciones microfotografias (Dancer), que eran tiras que representaban desde grandes viajes, mitología, siendo estas los antecedentes del cómic. ▪ Cuadros disolventes (encadena escenas transición visual) ▪ Cromatoscopio (caleidoscopio hipnótico) 5.2. OFICIO DEL LINTERNISTA COMO DIRECTOR DE ESCENA: o Evolucionó de proyeccionista a director de escena. o Orquestar aspectos del montaje de la obra audiovisual o Coordinar los recursos visuales y dramáticos, y a todos los participantes. o Capaz de crear una estética propia y ponerla al servicio de los nuevos medios audiovisuales. o Muchos pioneros del nuevo medio cinematográfico hubieran sido originalmente fotógrafos y linternistas. o Británicos como Georges Albert Smith o Charles Goodwin Norton o el español Antonino Sagarmínaga. 5.3. ARTEFACTOS Y PLACAS CADA VEZ MÁS TECNIFICADOS Y ESTANDARIZADOS: o Equipos más sofisticados. o Contenidos estructuras formales de representación estables. o Fabricante o linternista: organización producción, distribución y exhibición. o Producción de placas en cadena (masas). o Efectos dinámicos: formato cinemático como la 'rueda de la vida', el coreutoscopio o el cicloidotropo. (sinceramente creo que estas mierdas no existen, pero bue) o Las técnicas industriales de estampación (calcomanía y fotografía) segundo plano la tradicional técnica pictórica, demasiado artesanal para cubrir la masiva demanda (masas). 5.4. AMBIENTACIÓN MUSICAL CON PIEZAS ORIGINALES: La música se revitalizó con los ‘modelos naturales’ o series de vistas que ilustraban himnos o canciones; numerosas piezas musicales cuyas letras contenían referencias explícitas a aquellos espectáculos. Además del acompañamiento musical habitual. También en las domésticas: p.j. Francia, lucífono de Lapierre que fusionaba la linterna mágica y el gramófono. 5.5. MERCADO ALTAMENTE COMPETITIVO: No existen datos exhaustivos acerca de las empresas europeas dedicadas a la fabricación de linterna mágica. o John Barnes (Gran Bretaña, tres últimas décadas del s. XIX): 112 fabricantes o comerciantes. o En Francia, Laurent Mannoni cita más de 20 empresas y destaca: Louis Aubert, los hermanos Lapierre o Jules Duboscq. o Ernst Hrabalek (Alemania): Ernst Plank, Georg Carette o Johann Falk. 5.6. ADAPTADA A TODOS LOS PÚBLICOS: Industria productos y servicios dos sectores: o Doméstico: aficionado e infantil. o Profesional: orientado instituciones (universidades o sociedades) y espectáculos públicos (plazas o cafés). 6. LA DECADENCIA DE LA LINTERNA MÁGICA COMO MEDIO DE COMUNICACIÓN (1880-1900): Con la llegada de nuevos medios como la fotografía, la cronofotografía y la cinematografía, la linterna mágica comenzó a declinar como medio de comunicación. En los salones de la época, donde antes se reunían los espectadores para disfrutar de la proyección de imágenes en la linterna, ahora se podía hojear revistas ilustradas, ver tarjetas postales o disfrutar de la lectura en voz alta de novelas familiares, acompañadas de ilustraciones grabadas o fotográficas. Estos nuevos medios ofrecían representaciones más detalladas, realistas y dinámicas del mundo visible, capturando la atención de un público que comenzaba a experimentar una nueva forma de interacción con la imagen. Para el linternista, el impacto de estos avances fue un desafío. La linterna mágica, aunque aún apreciada en algunos círculos, ya no podía competir con la precisión de la fotografía ni con el movimiento que ofrecía el cine incipiente. TEMA 1. LA COMUNICACIÓN 1. ¿QUÉ ES LA COMUNICACIÓN? Comunicar es la acción consciente de intercambiar información entre dos o más participantes con el fin de transmitir o recibir información u opiniones distintas. El significado más antiguo de esta palabra puede resumirse como: ‘la transmisión de ideas, informaciones y actitudes de una persona hacia otra”. La comunicación implica no sólo hablar o transmitir datos sino también comprender y ser comprendido. Analiza los diversos elementos de la comunicación, incluido el remitente, el receptor, el mensaje y el contexto, así como cómo pueden surgir malentendidos. Además, aborda la importancia de la escucha activa y la empatía en una comunicación eficaz. 2. MODELO DE LASSWELL El modelo de comunicación de Harold Lasswell es uno de los primeros enfoques formales en el estudio de la comunicación. Este se centra en cinco preguntas clave que describen los elementos principales de cualquier acto de comunicación: ¿Quién? (El emisor o comunicador): Hace referencia a la persona o entidad que envía el mensaje. ¿Dice qué? (El contenido del mensaje): El mensaje que se está transmitiendo. ¿A través de qué canal? (El medio o canal): El medio utilizado para enviar el mensaje (televisión, radio, internet, etc.). ¿A quién? (El receptor o audiencia): La persona o grupo que recibe el mensaje. ¿Con qué efecto? (El impacto o resultado): El resultado o efecto que tiene el mensaje en la audiencia. Además, es muy utilizado en estudios de comunicación masiva, publicidad y propaganda, ya que pone énfasis en el impacto del mensaje y cómo afecta al receptor, algo que era clave en el contexto de la comunicación de masas. Desventajas: Este modelo es lineal, ya que supone que la comunicación fluye en una dirección desde el emisor hasta el receptor. 3. LOS EFECTOS DE LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN EN LA CULTURA. “INDUSTRIA CULTURAL” Y SOCIEDAD DE CONSUMO: Elementos destacados del Modelo de Laswell con respecto a los medios de comunicación de masas. 3.1. ¿CUÁL ES LA FINALIDAD DE LA COMUNICACIÓN? La comunicación pretende producir un efecto sobre el receptor o la audiencia. De aquí se deduce la intencionalidad manipuladora del emisor. 3.2. PREPOTENCIA DEL EMISOR El proceso comunicativo es asimétrico, pues el poder está en el polo emisor; el emisor tiene el control, transmite un estímulo que es recibido pasivamente por los espectadores de forma masiva y reacciona al mismo tiempo de forma homogénea. 3.3. IMPOTENCIA DEL RECEPTOR La imagen que se tiene en el modelo de Lasswel del receptor de la comunicación de masas es la de una sociedad homogénea e indiferenciada de individuos aislados psicológicamente y pasivos, que no tienen capacidad de dar una respuesta autónoma ante los mensajes de los mass-media (borregos). Cultura Snack de Carlos A. Scolari Está formada por piezas breves: clips, tuits, memes, tráilers, webisodios, teasers, sneak peaks, cápsulas informativas, tiktok... incluso el spoiler puede ser considerado una micro- especie textual que circula y se reproduce de manera viral por las redes. (esto me parece una gilipollez, pero bue) Test Turing: busca distinguir entre un ser humano y un ordenador a partir de sus respuestas a preguntas abiertas, está considerado el hito por excelencia de la capacidad de comunicación de las máquinas. Teaser: Significa señuelo en publicidad – Su objetivo principal es despertar la curiosidad del consumidor. No se muestra ni el producto que se publicita ni la marca de la que se trata, aunque si se utiliza alguna característica propia de ella. Por ejemplo, puede aparecer la tipografía que suele utilizar la marca, sus colores o el estilo. No es necesario que se aprecie el elenco ni el argumento, sólo proyecta algunas escenas, de forma enigmática, misteriosa, para captar la atención del espectador. Su duración no llega al minuto y medio, habitualmente son secuencias agrupadas que oscilan entre los 50 o 60 segundos. Snack peek (en la diapo viene así, pero yo creo que se refiere a sneak peek): Avance. Es un vistazo de la obra, puede contener una o varias secuencias sin alterarlas, tal y como salen transmitidas. No se utilizan ni efectos, ni musicalización, es una prueba de la serie en tiempo real. Objetivo: mostrar el producto tal y como es. 4. ¿CÓMO SE GENERA LA OPINIÓN PÚBLICA? Al ser la vista el sentido que proporciona una experiencia más directa de las cosas, la televisión genera la sensación de que lo que en ella se ve es la realidad, y por esto contribuye poderosamente a formar la opinión pública. Factores Clave en la Generación de Opinión Pública: - Medios de comunicación: Controlan y filtran la información, seleccionando qué temas son prioritarios y cómo se presentan. - Líderes de opinión: Individuos o instituciones influyentes que interpretan y difunden los mensajes de los medios. - Entorno social: Las interacciones sociales influyen en la expresión o el silencio de las opiniones personales. - Contexto cultural y político: Los marcos ideológicos (pero que no se quiere meter en ideologías eh) y las narrativas influyen en la forma en que los individuos interpretan los mensajes y forman sus opiniones. En resumen, la opinión pública se forma a través de la interacción entre los medios, las élites, los líderes de opinión, y las dinámicas sociales, con la influencia constante de factores culturales y políticos. 5. HISTORIA DE LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN: 5.1. CRONOLOGÍA DE LA HISTORIA DE LA COMUNICACIÓN: - Primeras formas de comunicación Los ancestros primitivos probablemente se comunicaron mediante gestos, posiblemente mediante lenguaje de señas, durante miles de años antes de la llegada del lenguaje hablado. Se estima que la comunicación oral surgió entre 200.000 y 100.000 a. C. cuando los primeros humanos reconocieron la necesidad de métodos de comunicación más eficaces. La transición de la comunicación gestual a la oral permitió la transmisión de tradiciones y conocimientos a través de la tradición oral. 50.000 a. C. Creación de las primeras pinturas rupestres en cuevas prehistóricas. o Desarrollo de la escritura Alrededor del 3000-500 a. C., la escritura comenzó en Sumeria con símbolos que representaban objetos reales; esto marcó un avance significativo en la comunicación humana. Los jeroglíficos egipcios desarrollaron aún más los sistemas de escritura y crearon estratificaciones sociales basadas en la alfabetización. 1050 a. C. Creación del primer alfabeto, por los fenicios. 900 a. C. Creación del primer servicio de correo postal en China, con fines burocráticos. 305 d. C. Invención del método de reproducción de símbolos, a través de planchas de madera, por los chinos. o Larevolucióndelaimprenta La invención de la imprenta de Gutenberg en el siglo XVI tuvo profundos impactos sociales, incluidos avances en la preservación del conocimiento y el auge del periodismo. o Fotografía y Cine El siglo XIX vio surgir la fotografía como una importante herramienta de comunicación que mejoró la difusión de información a través de la representación visual. 1814. Invención del primer proceso fotográfico, por el francés Niepce. La invención del cinematógrafo por los hermanos Lumière en 1895 marcó el comienzo del cine como medio de comunicación de masas. - Innovaciones en telecomunicaciones o Telégrafo y teléfono El telégrafo (1830-1840), que utilizaba el código Morse, revolucionó las comunicaciones a larga distancia al permitir la mensajería instantánea. Antonio Meucci inventó el teléfono en 1854; Fue comercializado y patentado en 1876 por Alexander Graham Bell, permitiendo la transmisión de voz sin necesidad de código Morse. o Radiodifusión: En 1906, Reginald Fessenden realizó la primera transmisión de sonido por radio; Marconi logró posteriormente transmisiones transatlánticas (1909). o Era de la televisión: La primera transmisión televisiva de John Logie Baird se produjo en 1925; La televisión se convirtió rápidamente en una fuente dominante de noticias y entretenimiento. - Auge de las computadoras e Internet o Evolución de la computadora La introducción de las primeras computadoras como el Programa 101 (1965), Microsoft (1975) y Apple (1976) allanó el camino para la informática personal. o Nacimiento de Internet: Desarrollado a partir de proyectos militares desde los años 60, el acceso a Internet se generalizó en 1983, marcando una nueva era caracterizada por un rápido intercambio de información. 6. LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN EN OCCIDENTE: La globalización surge en el siglo XV. La globalización comprende la interrelación e interdependencia cada vez mayor entre las sociedades del planeta "Maccionis”. Se refiere a todos los procesos por medio de los cuales los pueblos del mundo son incorporados a una única sociedad mundial, la “sociedad global”. La globalización confluye aspectos económicos, sociales y en especial en el tratamiento de los conceptos sociológicos como cultura, estratificación y grupo. 6.1. ¿QUÉ SON CULTURAS VISUALES O ALFABETIZADAS? La comunicación visual es protagonista hoy en día, por lo que incentivar Y desarrollar en los ciudadanos la lectura e interpretación de imágenes, así como la generación de discursos visuales, es fundamental para la convivencia y la buena relación con el entorno. La importancia de las imágenes y los medios visuales en la cultura contemporánea está cambiando, lo que significa estar alfabetizado en el siglo XXI. La cultura visual es un conjunto de habilidades que permiten a un individuo encontrar, interpretar, evaluar, usar y crear imágenes y medios visuales de manera efectiva. Las habilidades de alfabetización visual capacitan para comprender y analizar los componentes contextuales, culturales, éticos, estéticos, intelectuales y técnicos involucrados en la producción y el uso de materiales visuales. Aparece el visual thinking o pensamiento visual, asociado a una técnica creativa que consiste en la creación de mapas visuales que resumen contenidos concretos o ideas clave sobre cualquier tema. 6.2. SOCIEDADES ANTERIORES A LA TELEVISIÓN: Al ser la vista el sentido que proporciona una experiencia más directa de las cosas, la televisión genera la sensación de que lo que en ella se ve es la realidad, y por esto contribuye poderosamente a formar la opinión pública. La televisión es un instrumento de comunicación, información y entretenimiento. Transmite y fija unos valores culturales, sociales, cívicos, éticos con una intervención directa del Estado. Se caracteriza por la inmediatez, la instantaneidad y multiplicación del mensaje televisivo. Llega a millones de personas. La televisión ha favorecido el consumismo a través de la publicidad. También puede ser una herramienta de aprendizaje. 6.3. ¿QUÉ SON LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN? Son instrumentos utilizados en la sociedad que sirven para informar, entretener y comunicar de manera masiva. Los medios de comunicación cumplen la función social relativa al intercambio de información, conocimientos y reflexiones sobre la vida y el acontecer humano, más allá de su entorno próximo e inmediato. 6.4. ARA PACIS AUGUSTAE Monumento votado por el senado romano en el año 13 a.C. Es un altar de sacrificios dedicado a la política de paz impulsada por Augusto, después de volver de las guerras con Hispania y la Galia. Es una descarada obra propagandística personal, publicidad política. Augusto se presentaba a sí mismo como garante y promotor de la paz, lo que al mismo tiempo otorgaba legitimidad a su figura. 6.5. ANTIGÜEDAD: ACTA DIURNA 131-130 a.C. Del latín «Actas Diarias» la información se tallaba sobre placas de piedra o metal. Se anunciaba en lugares públicos como el foro, los mercados o los baños termales. Incluían: - Información oficial. - De entretenimiento, como nacimientos notables, matrimonios y muertes, combates... - Tenía una columna de chismes. A partir del S.I a.C. se empezaron a realizar en papel. 7. INVENCIÓN DEL PAPEL CHINO 105.d.C Cai Lun, un eunuco imperial de la dinastía Han Oriental, creó un nuevo tipo de papel similar al actual. Fue encargado por el emperador He, para encontrar un material de escritura más económico que la seda, bambú y madera, que eran muy costosos. Cai Lun elaboró el papel utilizando una mezcla de almidón, arroz y zumo de totora, que se trataba para hacerlo impermeable, satinado y resistente al moho y los parásitos. Este nuevo papel se convirtió en un recurso fundamental para la transmisión y conservación de la información. de papel. 7.1. KAIYUAN ZA BAO O NOTICIAS DE LA CORTE Publicación del gobierno Imperial chino (713-734). Noticiero diario de políticas y domésticas eran recopiladas por los editores y los escritores las transcribían para enviarlas a las provincias. Estaban escritas a mano en seda. 7.2. LOS JUGLARES Y LOS VAGANES En la Europa medieval, la gran parte de la población era analfabeta. La comunicación se realizaba mediante la palabra y la imagen. La escritura y lectura era un privilegio para la clase alta, clero y señores feudales. Los juglares transmiten información mediante los cantares de gestas. Aparece la figura del vagán, era un hombre que vagaba por las universidades, por la corte y ferias. Difunde tanto noticias intranscendentes como herejías urbanas, lee panfletos y ofrece un cuadro de cómo se vive en otras ciudades. Los sectores sociales como el clero, monarcas, nobleza y comerciantes quieren conocer que pasa fuera de sus fronteras: las noticias de las cortes, informes de guerra, hasta el desarrollo políticos de las demás ciudades, así nacen los primeros servicios de correo. 8. LA REVOLUCIÓN DE LA IMPRENTA LA IMPRENTA. En 1450 d.C. Johann Gutenberg inventa la imprenta en Europa. La práctica de la impresión se difundió por toda Europa gracias a la diáspora (dispersión de grupos de personas que abandonan su lugar de origen) de los impresores alemanes. Hacia 1.500 estas imprentas produjeron alrededor de 27.000 ediciones, lo que significa - suponiendo una tirada media de 500 ejemplares por edición- que circulaban -en una Europa de unos 100 millones de habitantes- 13 millones de libros. Sin embargo, la imprenta no era un agente independiente, y que la revolución de la imprenta no dependía únicamente de la tecnología. Para expandirse necesitaba condiciones sociales y culturales propicias. Por ejemplo: la penetración en Rusia y en el mundo cristiano ortodoxo incluidas Serbia, Rumania y Bulgaria modernas fue lenta, porque se usaba habitualmente el alfabeto cirílico y la alfabetización se reducía prácticamente al clero. En el mundo musulmán la resistencia fue muy fuerte. La primera imprenta turca no fue instalada hasta el siglo XVIII. TEMA 2. LA PRENSA 1. ORÍGENES DE LA PRENSA: 1605: Johann Carolus publica el primer periódico “Relation aller Fürmmen und gedenckwürdigen” en Estrasburgo (Alemania). S.XVII se fundaron los periódicos llamados GACETAS: - La Gazette de France (1631) - La Gaceta de Madrid (1661). BOE Se publican periódicos en Alemania, Suiza, Austria, Bélgica, Londres y París. Estados Unidos: en 1690 se publicó ‘solo un ejemplar’ con varias páginas del primer periódico: “Publick Occurrences Both Foreign and Domestick”. 13 años después en 1704 aparece El Boston News-Letter fundado por John Campbell y Bartholomew Green. Fue el primer periódico estadounidense de tirada continua en las colonias británicas de América del Norte. Se imprimió durante 72 años. 2. LA PRENSA EN ESPAÑA. 2.1. PARTES DE UN PERIÓDICO: - El número de páginas es múltiplo de 8. Maquetación con paginas pares. (Es la capacidad de las planchas de impresión) - PORTADA, 1a página que contiene la cabecera (nombre), titulares y fotos que llamen la atención. - CONTRAPORTADA, última página. Es menos seria. También aparecen columnas de autores conocidos. - EDITORIALES (opinión del periódico sobre temas de actualidad). - SECCIONES, agrupaciones de noticias del mismo carácter: internacional, nacional, local, deportes, cultura, economía, etc. Tienen más páginas los temas que más interesan a los lectores. 2.2. GÉNEROS PERIODÍSTICOS Son formas de expresión escritas que difieren según las necesidades u objetivos de quien los utiliza. Se definen en función del papel que juega el narrador o emisor del mensaje en relación a la realidad observada. - De información: transmiten información de manera objetiva, sin incluir opiniones o valoraciones. Noticia: expone los hechos objetivamente. Reportaje: describe o narra un acontecimiento más profundamente, aunque no sea de actualidad. - De opinión: analizan e interpretan cuestiones de actualidad. Tienen carácter subjetivo, es decir, incluyen juicios y valoraciones. Editorial: expresa la postura del periódico sobre un tema importante. No está firmada. Artículo de Opinión: opinión subjetiva de persona cualificada sobre un tema de actualidad. Hay “columnistas” fijos en los periódicos que escriben estos artículos. Cartas al director: opinión de lectores. Viñetas: dibujos que, en tono de humor, reflejan una visión sobre temas de actualidad. Tribuna libre: páginas a disposición de expertos para que escriban sobre un asunto. - Interpretativos: mezclan la información con la opinión. Crónica: narra la información desde un punto de vista personal. Incluye impresiones subjetivas: viajes, partidos,... Entrevista: declaraciones de un personaje: De “perfil”. Profundiza en la persona. De “obra”. Sobre el trabajo u opiniones del personaje. Critica: opinión personal sobre espectáculos, obras de arte, libros, etc. 2.3. ¿CÓMO CONTAR UNA NOTICIA? NO HAY UN MODELO FIJO, PERO HAY QUE TENER EN CUENTA. 1. Titular: corto, atractivo y refleja de qué se va a hablar. Puede acompañarse de antetítulo o subtítulo. 2. Entradilla (1er párrafo). Es lo más importante de la información de forma breve. 3. Responde a la regla de las 5 W: Qué, Cuándo, Dónde, Quién, Por qué. 4. Cuerpo de la noticia: Desarrolla los elementos de la entradilla. Sigue la técnica de la "pirámide invertida": expone los datos de mayor a menor relevancia. 5. Imagen. Pie de Foto. 2.4. TIPOS DE PRENSA 1. Según su contenido: - General: trata de todo tipo de noticias (Jaén, Mundo…) - Temáticas: especializada en un tipo de importación (marca) 2. Por su periodicidad: - Diarios: (periódicos) - Revistas: semanal, quincenal, mensual, bimensual, semestral, anual. 3. Por su difusión: - Local: linares información, La voz de Linares - Provincial: La Gaceta de Salamanca. - Regional ideal: noticias de Granada y Provincia. - Nacional: ABC. - Continental: The European - Mundial: The Wall Street Journal 4. Según su tratamiento: - Sensacionalista (o amarillista): trata sucesos, escándalos con poca profundidad. - De prestigio: Intenta el rigor. 5. Por su formato: - Tabloide: modelo de casi todos los periódicos en España. - Sábana: de gran tamaño, por eso no se usa. - Formatos espaciales: como el ABC. 6. Por edición: - Matutino: sale por la mañana. - Vespertino: sale por la tarde. 2.5. VENTAJAS DE LA PRENSA - PERMANENCIA de la noticia gracias al soporte. (La radio o la TV es fugaz). - PROFUNDIZACIÓN, ya que puede tratar los asuntos de manera más amplia. - Por tanto, permite más REFLEXIÓN. - LIBERTAD DE HORARIO: se lee cuando se quiere o puede. - MÁS NOTICIAS: un periódico multiplica por 8 el número de noticias de un telediario. Tiene una dimensión histórica por la Documentación de Medios escritos que aporta un uso más directo: - Historiografía en general. - Historia del periodismo. - Investigación en Humanidades. - Investigaciones culturales. Posibles aplicaciones de los medios de comunicación audiovisual: cine, tv y documentalismo en general centrado en aspectos históricos y culturales. 2.6. HEMEROTECAS DIGITALES ¿Dónde se conserva la prensa? En Hemerotecas Digitales. - Contienen la producción de cada publicación periódica. - Acceso a la colección completa o en ocasiones limitada a: ▪ Redactores del medio (trabajadores). ▪ Suscriptores. - Sistema de búsqueda por campos: ▪ En general: opciones limitadas, a veces sin formulario de búsqueda avanzada. ▪ Página de resultados: opciones muy limitadas. - En conjunto: utilidad limitada para los usuarios. 2.7. ARCHIVOS CON DIMENSIÓN AUDIOVISUAL Atendiendo a la dimensión del patrimonio audiovisual, se pueden considerar también estos importantísimos repositorios o portales: Internet Archive: Portal internacional con registros históricos audiovisuales. (pues mira que arturito el sabio dice que se ha caído y está en juicios) Europeana: Repositorio europeo de carácter principalmente museístico. EUScreen: Repositorio europeo centrado en el patrimonio audiovisual histórico. SISTEMAS DE PRESS-CLIPPING: ALERTAS: Consiste en la recuperación, selección y resumen de la totalidad de noticias que aparecen en medios de comunicación. GOOGLE SCHOLAR: Buscador académico. Se encuentran únicamente sitios vinculados con la academia y la investigación. TEMA 3. EL CINE 1. LOS PRECURSORES DEL CINEMATÓGRAFO 1895. Los hermanos Lumière proyectaron públicamente la Salida de los obreros de una fábrica francesa en París. 1896. Guillermo Marconi obtuvo la primera patente del mundo sobre la radio. 1896. Alexander Steppánovich Popov con un sistema complejo de recepción-emisión de mensajes telegráficos entre dos edificios de la Universidad de San Petesburgo situados a una distancia de 250m. 1901. Thomas A. Edison presentó The Trick Ciclist. 1909. Invención del Kinemacolor. 1927. Primera película con sonido. 1928. Se realizaron las primeras retransmisiones comerciales de televisión. 1953. Invención del Cinemascope. Utilizar una lente especial que comprime la imagen lateralmente ampliando el campo visual, mientras que al proyectarla vuelve a sus proporciones normales. 1979. Revolución en los efectos especiales. 1979. Filmación 3D. Emergencia (1895- Consolidación Institucionalización Convergencia CINE 1915) Modo de (1915-1930) (1930-1980) Modo internet (1990) Representación Modo de de Representación Modo de Primitivo Representación Moderno Representación Institucional Posmoderno Emergencia Consolidación Institucionalización Convergencia RADIO (1870-1920) (1915-1930) (1930-1980) internet (1990) Emergencia Consolidación Institucionalización Convergencia TELEVISIÓN Tecnología/Aparato (1945-1950) (1950-1980) internet (1990) (1926) 2. MODOS DE REPRESENTACIÓN SEGÚN NOËL BURCH A. 1MRP: MODO DE REPRESENTACIÓN PRIMITIVO (1894-1920) - Cine de atracciones: predomina el espectáculo sobre la narración. - NO hay continuidad en el montaje: yuxtaposición y NO unión de planos. - Personajes distantes, carentes de elementos básicos (voz, rostro, falta de profundidad psicológica). - Narración por cuadros: pequeños bloques narrativos. - Autarquía del encuadre: La acción está limitada a aquello que vemos. - NO hay fuera de campo. - Acción centrípeta: todo lo que ocurre está en el centro de la imagen. - Frontalidad: La cámara está en el centro. Se coloca como si fuera un espectador de teatro. - La escena se coloca como un escenario. - Se utiliza un plano general frontal y horizontal. - Se utiliza el plano como unidad jerárquica. - Ausencia de jerarquías en la planificación. - Ausencia de montaje. - Ausencia de la figura clásica de personaje. - Ausencia de la clausura del relato, las películas NO tienen final. - Hermanos Lumiére vs George Méliès. - A principios del siglo XX, el cine ya era una industria. - Comienza la industrialización del cine con Edison en EEUU y Charles Pathé en Francia. - En Inglaterra aparece la llamada Escuela de Brighton, formada por los fotógrafos Smith o Williamson. - Edwin Porter en 1903 inaugura el cine del Oeste con la cinta Asalto y robo de un tren. - El género del Oeste continuó después por T.H. Ince, que utiliza el montaje simultáneo. - La guerra de las patentes (1897-1906). - Los productores independientes fueron los estudios de Hollywood. HERMANOS AUGUSTE Y LOUIS LUMIÈRE Presentaron su primera película el 28 de diciembre de 1895 en París. Se proyectaron al público 10 películas muy cortas en el Salón Indio localizado en los bajos del Gran Café de París. Entre ellas se encontraban: Llegada del tren a la estación de La Ciotat (28/12/95), Salida de los obreros de la fábrica (28/09), El regador regado (28/09), THOMAS ALBA EDISON Se le conoce, entre otras cosas, como el creador del primer aparato que permitía ver imágenes en movimiento: el kinetoscopio. Edison está considerado por algunos como el “inventor” del cine. El Kinetoscopio, patentado por Edison en 1891, tenía unos 15 metros de película en un bucle interminable que el espectador -individual- tenía que ver a través de una pantalla de aumento. The Trick Cyclist (1901) Filmoteca de CyL (mutoscopio) Las salas de Kinetoscopio, que funcionaban con una moneda de cinco centavos, surgieron en Nueva York a finales de la década y mostraban películas de unos veinte segundos: bailes, payasos, recreaciones de sucesos históricos, números de magia, musicales… GEORGE MÉLIÈS Nació en París en 1861 y murió en la misma ciudad en 1938. Es uno de los primeros genios del cine y el creador del cine fantástico y ciencia ficción. Sus películas estaban llenas de trucos, manuales o fotográficos, que serán incorporados al lenguaje cinematográfico. Cuando los Lumière realizaban sus primeras películas, Méliès era una persona conocida en París que trabajaba un teatro de variedades bastante famoso llamado teatro Houdini, estaba dedicado al ilusionismo. PELÍCULAS DE UNA BOBINA En 1896 el ilusionista francés Georges Méliès demostró que el cine no sólo servía para grabar la realidad, sino que también podía recrearla o falsearla. Con estas imaginativas premisas, hizo una serie de películas que exploraban el potencial narrativo del nuevo medio, dando inicio al cine de una sola bobina. Como Affaire Dreyfus (El caso Dreyfus, 1899) y filmó en 20 escenas Cendrillas (Cenicienta, 1900), Viaje a la luna (1902) o las Alucinaciones del barón de Münchhausen (1911). Méliès descubrió que deteniendo la cámara en mitad de una toma y recolocando entonces los elementos de la escena antes de continuar podía, por ejemplo, hacer desaparecer objetos. Del mismo modo, retrocediendo la película unos cuantos centímetros y comenzando la siguiente toma encima de lo ya filmado, lograba superposiciones, exposiciones dobles y disoluciones -fundidos a negro, fundidos encadenados, como elemento de transición entre distintas escenas. Creó la ilusión de objetos que se movían solos, personas que se transforman en otras o en seres de fantasía. Escamoteo de una dama (1896) (primera película con efectos especiales), El hombre de la cabeza de goma (1902), viaje a la luna (1902) ALICE GUY (1873-1968) El hada de las coles (1896), Falling Leaves (1912). SEGUNDO DE CHOMÓN Teruel 1871- París 1929 Fue uno de los primeros maestros de los efectos visuales en el cine y un pionero de la animación. Frecuentemente comparado con Méliès. Entre 1905 y 1909 Chomón dirigió numerosas películas de trucajes para la productora francesa Pathé Films. Desarrolló al máximo la técnica de stop-motion, combinándola con los trucos que ya existían, como la doble exposición del negativo, o los escamoteos. Las aportaciones de Chomón al desarrollo temprano de la animación stop-motion son numerosas: animación realizada en arcilla (El escultor moderno, 1908) animación de muñecos (El teatro eléctrico de Bob, 1909) animación con siluetas (Sombras chinescas, 1908), etc. Su película más recordada es El hotel eléctrico, de 1908, donde utiliza por primera vez la pixiliación. 3. CINE DE LOS ORÍGENES EN EUROPA Fin de la I Guerra Mundial. - La producción cinematográfica decae de forma drástica en el Reino Unido, Italia y los países nórdicos. - Hubo un aumento de los costes de producción y una gran incapacidad comercial para competir en un mercado mundial creciente. Sin embargo, en Alemania, en la recién creada Unión Soviética y en Francia, las películas alcanzaron una nueva significación artística, marcando el inicio de un periodo que sería muy influyente en el desarrollo del medio. 4. EXPRESIONISMO ALEMÁN Fue un movimiento cultural nacido en Alemania a principios del s.XX. Comenzó en 1893 con el cuadro el Grito de Edvard Munch. Es un movimiento contrario al Impresionismo, con su obra quisieron transmitir la desesperación, angustia, miedo o locura. Manifiestan una preocupación por el lado más lúgubre de la condición humana. La subjetividad manda. Se gestó en una época muy difícil para Alemania: la 1º Guerra Mundial dejó al país en un estado deplorable y de inestabilidad permanente. Crisis social por la incertidumbre, por las pérdidas en el frente y los problemas económicos. Canalizaron el pesimismo en todas las “Artes”. En Alemania, el estilo expresionista sorprende por sus productos ambientados en escenarios irreales o futuristas. El gobierno alemán apostó por una producción propia y creó una compañía de producción cinematográfica estatal. Ofrecía servicios públicos de información y de propaganda durante la 1º Guerra Mundial con la intención de educar a los ciudadanos alemanes, lo que refleja el carácter autoritario de la Alemania Imperial. En 1917 crearon Universeum Film A.G. (UFA) Realizaron las primeras producciones: películas históricas y comedias. Los productos imitaron la filmografía de Suecia y Dinamarca que eran producciones cuidadas, prestigiosas e inspiradas en leyendas antiguas. Le dieron una oportunidad a un grupo de cineastas expresionistas. En 1921 fue privatizada. Realizaron más de 600 películas al año con una cifra enorme de espectadores diarios (cerca de 1 millón). Sus películas se adaptaron muy bien a marcos extranjeros. Con su reputación internacional de empresa europea se convirtió en un competidor de Hollywood. ÉPOCA DORADA En la época de la república de Weimar el estudio produjo y exportó una cantidad ingente de material cinematográfico. Solo se conserva el 10% del material producido en esta factoría cinematográfica. Destacan directores como: Fritz Lang (Metrópolis, Doctor Mabuse), F.W. Murnau, Max Ophüls. BERGFILM O CINE DE ALPINISMO Junto con las películas de carácter experimental la UFA cultivó entre los años 20 y 30 un género cinematográfico especialmente alemán y popular. Esta en relación a las expediciones destinadas a llegar a cumbres nunca antes alcanzadas y a la popularización del alpinismo entre las clases populares. Está consagrado exclusivamente a la glorificación de la escalada, descenso por las montañas, esquí… ÉPOCA PROPAGANDA Expansión financiera a partir de los años 20. La UFA sufrió un duro golpe con el fracaso de taquilla de la película Metrópolis. A partir de 1927 comenzó a producir propaganda nazi presionado por Adolf Hitler. En 1930 el Partido Nacionalista Obrero Alemán uso las películas como propaganda, cuando el Partido estableció por primera vez un departamento cinematográfico. Todo esto supuso el hundimiento del cine alemán. Con el exilio de alemanes a América se produjo un cine de alta calidad en el que montadores, guionistas, cámaras, músicos, actores y directores cinematográficos se unieron a la producción estadounidense. LENI RIEFENSTAHL: EL TRIUNFO DE LA VOLUNTAD (1934) "El triunfo de la voluntad" es una película documental de propaganda nacionalsocialista que muestra el congreso del Partido Nacionalsocialista en Núremberg (1934), al que asistieron más de 700,000 personas. Encargada por Adolf Hitler y dirigida por Leni Riefenstahl, la película presenta desfiles, discursos de líderes del partido, incluido Hitler, y promueve su imagen como un mesías que devolvería a Alemania su grandeza. Utiliza técnicas cinematográficas innovadoras como cámaras en movimiento, teleobjetivos, fotografía aérea y música sincronizada. Es considerada por algunos críticos como una de las películas propagandísticas más impactantes y técnicamente avanzadas de la historia del cine. 5. FINALES DE LOS AÑOS 30 Se dejaron de hacer películas expresionistas. Los directores emigraron a EEUU huyendo del nacismo. El expresionismo alemán ha inspirado a muchos directores principalmente en la iluminación de las películas policiales y del género de terror. Un ejemplo de esto es Tim Burton que utiliza este tipo de estética en sus películas. 😉 EL GABINETE DEL DOCTOR GALIGARI 1920 Dirigida por Robert Wiene. Refleja un hecho policial en Hamburgo 1919. Querían reflejar las atrocidades del estado alemán durante la 1ºGM. Se utilizó una iluminación poco convencional, imágenes deformadas, con el uso de grandes contrastes de luces y sombras pintadas a manos que ofrecen un tono de irrealidad. DE FRIEDRICH WILHELM MORNAU, NOSFERATU (1922) Película de terror muda alemana. Producida por el estudio Prana Film. Es la primera adaptación de la historia de Drácula. Las sombras, luces y los altos contrastes acentúan el dramatismo de la narración. FRITZ LANG, METRÓPOLIS (1927) Lucha de obreros y los poderosos con historia a lo Romeo y Julieta. La película sobresale por su enorme potencial visual. Explora el territorio expresionista desde la arquitectura y el trabajo de luces y sombras. El director modeló la ciudad en base a un viaje a NY, dónde quedó impactado por sus edificios y contrastes. Es un referente para la ciencia ficción inspirando obras como Star Wars, Blade Runner o el Quinto elemento. 6. ESCUELA DE BRIGHTON (INGLATERRA) En Brighton un grupo de cineastas y fotógrafos ingleses que sentaron las bases para un lenguaje cinematográfico. Esto ocurrió a la par que Mèlie descubrieron y desarrollaron el montaje, es decir, la acción de unir dos fragmentos de cinta para lograr la continuidad o darle otro sentido a la película. Descubrieron nuevas formas narrativas. Fue la primera Escuela en rodar una misma situación desde distintos puntos de vista (tomas). Trasladaron los decorados con agilidad y dinamismo, lo que aportó a la obra un sentido expresivo del que carecía hasta entonces. Utiliza escenarios naturales (calles, playas, jardines), haciendo además que los personajes se movieran con total libertad, tanto a lo ancho como a lo profundo del campo visual. APORTACIONES - Primer Plano - Montaje como elemento narrativo (fragmentación de una escena en diferentes planos) - Sobreimpresión - Montaje paralelo - Invención del Kinemacolor - Movimientos de cámara que captura los diferentes puntos de vista - Travellings - Plano y contraplano - Persecuciones y asuntos realistas - Escenarios realistas - El Chroma Key ALGUNAS PELÍCULAS EarlyCinema:Primitivesand Pionners, Vol. 1-2-3, BFI Video, 2005 (80 películas cortas) Meliés,elmagodelcine(15 shorts), George Meliés, 1898- 1909 Elhombredelacámara,Dziga Vertov, 1929. Pelicula muda documental rusa LaMadre,VsevolodPudovkin, 1926. Lucha de una mujer contra el régimen zarista durante la Revolución rusa de 1905. Berlín,sinfoníadeunaciudad, Walter Ruttman, 1927. Película muda alemana B. MRC: MODO DE REPRESENTACIÓN CLÁSICO O INSTITUCIONAL 1910-1959 Son una serie de convenciones o normas estandarizadas que se adoptan para codificar el lenguaje cinematográfico. - Utilizan recursos fílmicos que dotan al mundo ficcional creado en la película de coherencia interna, causalidad lineal, realismo psicológico y continuidad espacio- temporal. - Heredero de la tradición literaria. - Aparece la voz en off del narrador. - Hay flashback. - Construcción elíptica. El narrador controla la temporalidad de la narración. - Aparece férreas posiciones morales: “el que la hace la paga”. - Racords, continuidad entre planos. - Planificación visual jerárquica. - Escena como unidad semántica, nada queda al azar. - Dirección de autores de forma teatral. Personajes muy bien definidos en su psicología, con motivaciones nítidas. - Composición del encuadre en función del lugar privilegiado del espectador. - Se plantea un conflicto y los personajes luchan por resolverlo. - Fuerte clausura del relato = cierres redondos/obras cerradas. Se atan todos los cabos. - Composición en profundidad, centrada y con dinamismo interno. - Modelo industrial sobre: estudios, géneros, star-system. MODO DE REPRESENTACIÓN INSTITUCIONAL David Wark Griffith asumió que el montaje era el instrumento expresivo más importante con el que contaba el cine; que no servía sólo para ordenar secuencias y planos, sino también para emocionar al espectador. Aportó todo un hito en cuanto a técnica, ya que los planos dejaron de ser fijos para intercalarse entre sí. En los casi 400 filmes que realizó entre los años 1908 y 1914 cultivó todos los estilos y géneros, mostrando una especial inclinación hacia el melodrama histórico. Destacan entre ellos: El nacimiento de una nación (1914) Intolerancia (1915) 7. CINE RUSO Aportaciones: El montaje ruso realizado en las películas creadas durante 1920 Experimentaron con técnicas que intentaban comprobar cómo la forma en la que se mostraba un largometraje podía intervenir en el significado que éste transmitía Utilizaron el montaje como elemento narrativo (fragmentando una escena en diferentes planos) Eisenstein o Dziga Vertov son algunos de los nombres más importantes de cineastas soviéticos. Crear un modelo de narrativa audiovisual era algo necesario, especialmente en un periodo donde muchas grabaciones solo mostraban escenas como si de un teatro se tratase, con un escaso sentido del ritmo al intercalar diferentes planos A causa del contexto ruso, la mayoría de las obras estarán marcadas por un claro tinte propagandístico EFECTO KULESHOV El cineasta Lev Kuleshov demostró cómo la sucesión de planos influye en el espectador. Mediante el montaje, intercaló el rostro del actor Iván Mozzhujin con diferentes situaciones, y aunque su expresión no cambiaba, el público percibía emociones distintas según el contexto. Esto evidenció que el público colabora en la creación de significados a través de asociaciones mentales, una técnica revolucionaria que transformó los principios del cine y sería usada para difundir ideales. SERGUÉI MIJALOVICH EIZENSHTÉIN Serguéi Eisenstéin (1898-1948), nacido en Riga y fallecido en Moscú, fue un destacado director de cine y teatro soviético de origen judío. En sus inicios trabajó en decorados y pequeños espectáculos tras la Revolución Rusa. Es reconocido por su innovadora técnica de montaje, que influyó profundamente en el cine. Escribió dos libros clave sobre sus teorías: El sentido del cine (1942) y Hacia una teoría del montaje (1994). Para Eisenstéin, el montaje era el pilar del cine, ya que la sucesión y confrontación de imágenes generan las emociones principales en el espectador. Sus obras más icónicas son El acorazado Potemkin y October. EL ACORAZADO POTEMKIN (1925) El acorazado Potemkin recrea el motín de 1905, cuando la tripulación del acorazado se rebeló contra los oficiales zaristas. Representa un avance en el lenguaje visual cinematográfico, destacando el uso innovador de la cámara, como la inclinación para enfatizar y añadir nuevas sensaciones a la narrativa. La película refleja el espíritu de su época al emplearse como propaganda comunista, exaltando al hombre común y al oprimido que lucha por su liberación. 8. HOLLYWOOD Se consolida Hollywood como el centro de producción cinematográfico por su modelo a nivel industrial y como sistema de producción. Por sus géneros, por sus estudios, como generador de modelos narrativos… Narrativa trasparente: lo más importante es contar bien la historia, gracias a la continuidad de planos el relato está claro. En el montaje no se aprecian los cortes. 9. CINE CLÁSICO AMERICANO El cine americano apuesta más por el beneficio material que por la estética o la poesía visual: Hollywood ‘construye estrellas’, con un hábil sistema de publicidad, el Star System El STAR SYSTEM es un sistema de producción basado en la popularidad de los actores por medio del cual se incentiva el consumo y se consiguen más beneficios económicos. A través de la persuasión publicitaria los actores y las actrices se convierten en mitos, creando a su alrededor una atmósfera de leyenda atractiva para el público. Grandes estrellas de este periodo son: Lillian Gish, Gloria Swanson, John Barrymore, Lon Chaney, John Gilbert, Douglas Fairbanks, Mary Pickford, Mae West, Rodolfo Valentino, John Barrymore, Greta Garbo o Clara Bow. La década de los años 20 fue la ‘primera’ época dorada del llamado cine ‘mudo’ americano. Aparece el llamado slapstick o cine cómico: este género estaba basado en sketches en los que se muestra acciones exageradas de violencia física que no derivan en consecuencias reales de dolor. En las escenas se muestran lanzamientos de pasteles de nata, locas persecuciones, golpes con sartenes, bañistas, etc. Fue un invento de Mack Sennett que descubrió a Charles Chaplin ‘Charlot’, Harold Lloyd o Buster Keaton. De Charlotes "La quimera del oro" (1925) y de Buster Keaton "El maquinista de la General" (1926). De los grandes estudios salen grandes producciones, algunas de ellas muy espectaculares como las que hacía el director Cecil B. de Mille "Los diez mandamientos" (1923) o "Rey de Reyes" (1927). O bien de cineastas extranjeros que se establecieron en Hollywood, como Erich Von Stroheim, autor de "Avaricia" (1924). A partir de 1930 el periodo se caracterizó por el intento de regular los valores morales del cine a través de un código de censura interna, creado por la propia industria de Hollywood, el código Hays, bautizado así por dirigirlo el político y moralista Will Hays. La causa fue un escándalo: el caso Arbuckle. El código contaba con tres normas generales: mostrar un aspecto positivo de la ley, enseñar un aspecto negativo del crimen, de los pecados etc. y aleccionar sobre un modo de vida acorde con el decoro. Las producciones anteriores a la implantación del sistema Hays fueron retiradas o mutiladas, eliminando aquellas escenas no admitidas. Este tipo de instrumentos de control político moral persistieron hasta 1968 en Estados Unidos. 10. AMERICAN WAY OF LIFE La idea de una existencia feliz, victoriosa y en libertad define este modelo de vida estadounidense. El ideal implicaba consumir mucha comida, productos y actividades de ocio. Muestra una sociedad perfecta e igualitaria, vendida a través de películas y anuncios. Los afrodescendientes fueron excluidos de los derechos civiles durante la primera mitad del siglo XX y en los años 50 y 60 hubo grandes manifestaciones por la igualdad jurídica. 11. CINE CÓMICO BÚSTER KEATON Joseph Francis Keaton nació en 1895, en Pickway (Kansas), falleciendo en Hollywood en 1966. Fue actor, guionista, productor y director de cine cómico mudo. Hijo de dos cómicos ambulantes, Joseph y Myra Keaton, "Los dos Keaton”. Apareció en escena cuando sólo contaba un año de edad. Se caracterizó principalmente por su humor físico mientras mantenía un rostro inexpresivo en todo momento, por lo que le apodaban ’cara de piedra’. “El maquinista de La General” (1926), “El moderno Sherlock Holmes” (1924). CHARLES CHAPLIN Nació en Londres 1889 y murió en Corsier-sur-Vevey, Suiza, 1977 Procede de una familia muy pobre de comediantes. 1912 emigra a EEUU y crea Charlot. Ejerció como director, guionista, productor y actor en más de un centenar de películas que conforman su obra cinematográfica. Representa a un cine crítico con la sociedad de la época, pero siempre desde el punto de vista cómico. El inmigrante (1917), El Chico (1921), Luces de la ciudad (1931). Tiempos modernos (1936) La película es el reflejo de las condiciones desesperadas de las cuales era víctima un empleado de la clase obrera en la época de la Gran Depresión. El gran dictador (1940) Primera película sonora de Chaplin. La obra hace una crítica feroz y controvertida condenando el nazismo, el fascismo, el antisemitismo y todas las dictaduras en general. En el momento de su estreno, los Estados Unidos todavía no habían entrado en guerra con la Alemania nazi. Chaplin desempeña 2 personajes principales: el de un despiadado dictador nazi y el de un barbero judío perseguido. HAROLD LLOYD Harold Clayton Lloyd nació el 20 de abril de 1893 en Nebraska, Estados Unidos. Estudió en la Escuela de Arte Dramático de San Diego Desde su adolescencia actuó en pequeñas compañías de teatro a lo largo de todo el territorio norteamericano. Se le considera uno de los más grandes cómicos de la historia del séptimo arte. En sus interpretaciones solía utilizar gafas y un sombrero de paja. Sus personajes reflejaban las características psicológicas del ciudadano medio americano. El hombre mosca (1923) La película es una metáfora del ascenso social y vital que valora la ambición y el riesgo como factores clave para conseguir los fines propuestos. Algunas de las emociones que transmite esta película a los espectadores son tensión, suspense y humor. DOUGLAS FAIRBANKS (no es cómico pero es lo que hay) Representa el cine de acción y de aventuras en la época del cine mudo. Es célebre por sus habilidades acrobáticas y como espadachín. Estas habilidades constituyeron la principal atracción de sus películas. The Mark of Zorro (1920), Robin Hood (1922), El ladrón de Bagdad (1924). 12. TRANSICIÓN El cine sonoro es aquel que incorpora a las películas el sonido sincronizado. En 1893 el físico francés Démeny inventó la fotografía parlante. Fueron los primeros experimentos con el sonido en el cine. Charles Pathé combinó el fonógrafo y el cinematógrafo. En1902, León Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de películas que presentó en la exposición Universal de París. En1918 se patentó el sistema sonoro TriErgon, que permitía la grabación directa en el celuloide. En1923surgió el Phono film creado por el ingeniero Lee de Forthesquien resolvió los problemas de sonido y amplificación ya que se grababa en la misma película. 1925 la compañía Wester Union apostó por el aparato y se empezó a comercializar. El cine sonoro introdujo grandes cambios en la técnica y expresión cinematográfica: la cámara perdió movilidad quedando relegada a la posición fija del cine primitivo y la imagen perdió su estética cediéndole importancia al diálogo. El 6 de octubre de 1927 el cine ¡comenzaba a hablar! con "El cantor de jazz", de Alan Crosland y se dejaba escuchar al actor Al Jolson cantando Desaparecieron los intertítulos, la música de piano que acompañaba las películas Los actores y actrices tuvieron que aprender a vocalizar correctamente La implantación del cine sonoro coincidió con el crack económico de 1929 que ocasionó una Gran Depresión en los EEUU. En este momento Hollywood se dedicó consolidar distintos géneros como la comedia, el musical o el cine negro, con el fin de exhibir productos escapistas Destacan directores como: Lubitsch: Ser o no ser (1942) Capra : Sucedió una noche (1934) Hawks: Scarface (1932) Cukor: Historias de Filadelfia (1940) Ford: La diligencia (1939) Josef von Sternberg: El ángel azul (1930) King Vidor: El pan nuestro de cada día (1934) En Europa. En Francia, Jean Renoir mostraba la vida cotidiana y laboral de los trabajadores, incluso utilizándolos como protagonistas de algunos de sus films, como por ejemplo en La regla del juego (1939). Otros cineastas se encuadraron en lo que se llama "realismo poético" fueron Jacques Feyder, Jean Vigo, Marcel Carné y René Clair. En 1927, la Warner lanzó la película El cantor de jazz, de Alan Crosland, la primera película sonora, protagonizada por el showman de origen ruso Al Jolson, que alcanzó un éxito inmediato e inesperado entre el público LAS PRIMERAS PELÍCULAS HABLADAS La transición del cine mudo al sonoro fue tan rápida que muchas películas distribuidas entre 1928 y 1929, que habían comenzado su proceso de producción como ‘mudas’, fueron sonorizadas después para adecuarse a una demanda apremiante. Los dueños de las salas se apresuraron también a convertirlas en salas aptas para el sonoro Adaptaron obras literarias e introdujeron, además de la voz de los actores, otro tipo de efectos sonoros como campanadas, entre chocar de espadas, etc APARECEN LAS PELÍCULAS DE GÉNERO La tendencia a evadirse de una realidad no demasiado halagüeña se acentuó en aquellos años. Se hicieron un ciclo de películas de TERROR CLÁSICO, entre las que se incluyen Drácula (1931),de Tod Browning El doctor Frankenstein (1931),de James Whale La momia(1932),de Karl Freund KING KONG (1933) Una película de AVENTURAS que cosechó un éxito rotundo de taquilla de Merian C.Cooper y Ernest B. Schoedsack. La película está inspirada en las historias literarias de aventuras sobre mundos perdidos y en especial en las novelas del El mundo perdido y La tierra olvidada. EL CINE EN COLOR 1935 En 1935, el cine en color llegó a las grandes salas con La feria de las vanidades de Rouben Mamoulian, alcanzando su plenitud artística con Lo que el viento se llevó (1939) de Victor Fleming. El cine de animación ganó popularidad, especialmente entre el público infantil, impulsado por Walt Disney, reconocido a nivel mundial. Surgieron directores con inquietudes estéticas innovadoras como Von Stroheim, Hitchcock y Orson Welles, este último con obras maestras como Ciudadano Kane (1941) y El cuarto mandamiento (1942). En Europa, los gobiernos totalitarios orientaron sus cinematografías hacia un cine propagandístico, a menudo fallido artísticamente. Durante la Segunda Guerra Mundial, el cine se utilizó como propaganda nacionalista, documental de guerra y producto escapista. EL TECHNICOLOR Fue el primer intento efectivo de la industria cinematográfica para dejar atrás el blanco y negro y reproducir en la pantalla los colores filmados de la realidad. Es un procedimiento tricromático (verde, rojo, azul), cuyo uso exigía una triple impresión fotográfica, incorporación de filtros cromáticos y unas cámaras de enormes dimensiones Sus primeros grandes exponentes son las superproducciones clásicas: Lo que el viento se llevó (1939) El Mago de Oz (1939) Cantando bajo la lluvia (1952) 13. EL CINE DE LA POSTGUERRA MUNDIAL Al finalizar la guerra, en una Italia devastada surge el cine neorrealista, con directores destacados como Vittorio de Sicca y Federico Fellini. En los Estados Unidos, el inicio de la Guerra Fría en 1947 trajo un tono pesimista y un período de conservadurismo político que impactó a Hollywood, con persecuciones a cineastas de izquierda como Chaplin y Welles, quienes optaron por el exilio. En los años 50, la competencia de la televisión obligó al cine a buscar alternativas, como la espectacularidad mediante pantallas más grandes, proyecciones en color y sonido estéreo. Desde 1955, el cine dejó de ser el eje de la cultura de masas, que se diversificó hacia la industria del ocio y las vacaciones. Los jóvenes emergieron como un público clave en la era del rock & roll. Aparecieron dos modelos de cine: las superproducciones con grandes estrellas y publicidad masiva, que crearon nuevos mitos como Marlon Brando, James Dean y Marilyn Monroe, y el cine de autor, con películas de bajo presupuesto y enfoque libre de los estereotipos de la industria. La década también destacó por grandes melodramas y la consolidación de géneros como el thriller, ejemplificado en Vértigo (1958) y La ventana indiscreta (1954) de Hitchcock. C. MRC: MODO DE REPRESENTACIÓN MODERNO: 1960-1989 - Desaparece la tradición literaria. - Desaparece la figura del narrador. - Representa la realidad a través de las experiencias psicológicas de los personajes e incluso del espectador. - El espectador se distancia de la obra. - El tratamiento del tiempo cinematográfico se puede dilatar. Crisis del modelo de representación espacio-tiempo continuos. - Planificación visual, no jerárquica El orden de las imágenes en el montaje y el tipo de planos difieren del orden clásico. (Cámara en mano, zooms). - Tiempos muertos: hay escenas donde no pasa nada, en contraposición al cine clásico. - Clausura débil: obra abierta donde no se atan todos los cabos. - Se implementan nuevas tecnologías. - Dirección e interpretación de actores de forma contenida y hierática, conocida como “actuación maniquí”. NUEVOS TIPOS DE CINE 1960 A principios de los años 60, surge en Francia la nouvelle vague, un cine moderno caracterizado por pocos recursos y fuertes innovaciones estéticas, como el film À bout de soufflé (1959) de Godard. Otros realizadores como Resnais, Truffaut, Chabrol, Malle, Anna Karina y Rohmer desarrollaron este estilo desde perspectivas personales. Paralelamente, aparece el cinéma vérité, liderado por Jean Rouch, que buscaba captar la realidad sin guion estructurado, aprovechando avances tecnológicos en equipos de filmación portátiles. En los 90, Lars von Trier impulsa el movimiento Dogma 95, inspirado en estas ideas. En Suecia, Ingmar Bergman destacó por un cine introspectivo centrado en las angustias existenciales, mientras en Italia, cineastas como Antonioni, Fellini, Pasolini y Bertolucci cultivaron un cine poético. Antonioni exploró el comportamiento humano (La aventura, 1960), y Fellini ofreció obras fantasiosas como Ocho y medio (1963) y Amarcord (1974). En Japón, directores como Ozu, Mizoguchi y Kurosawa (Los siete samuráis, 1954) redefinieron el tiempo y la planificación cinematográfica. En Gran Bretaña, el free cinema abordó temas sociales y críticas al puritanismo y clasismo, con cineastas como Lindsay Anderson y Tony Richardson. En la Alemania Federal, el nuevo cine alemán inspirado por el "mayo del 68" generó nombres como Fassbinder, Herzog y Wenders. En España, destacaron Luis Buñuel (en el exilio), Bardem, Berlanga, Martín Patino y Carlos Saura. En Estados Unidos, la generación de los 60 formada en televisión buscó un cine independiente y narrativamente innovador, destacando Cassavetes, Lumet y Nichols, mientras en Nueva York surgió el cine underground, anticomercial y de vanguardia. EL CINE EN LOS AÑOS 1970 Y 1980 A finales de los años 70, se recuperan las superproducciones con enfoque en calidad y rentabilidad, impulsadas por George Lucas (La guerra de las galaxias, 1977) y Steven Spielberg (Encuentros en la tercera fase, 1977). Paralelamente, directores como Ford Coppola, Scorsese, Brian De Palma, Tim Burton y David Lynch apuestan por un cine comercial pero con un estilo personal y creativo. En los años 80, la introducción del video y el aumento de canales televisivos llevaron a un consumo masivo de cine en casa, lo que obligó a las salas a buscar espectacularidad mediante películas con efectos especiales. Es también una época de grandes melodramas y la revitalización de la comedia, donde destaca Woody Allen. En España, la transición política permitió el auge de un cine sin censura, marcando la "movida madrileña". Pedro Almodóvar emerge como figura clave con sus películas posmodernas y de esperpento, un género también explorado por Berlanga. EL CINE DESDE 1990 Algunos países europeos implementaron leyes proteccionistas, como cuotas de pantalla, para contrarrestar la gran presencia comercial del cine estadounidense. Al llegar al centenario del cine, el proceso fotoquímico se combinó con tecnologías electrónicas, permitiendo el uso de ordenadores en la creación y manipulación de imágenes. En 1995, surge el DVD, ofreciendo una reproducción de alta calidad en imagen y sonido. El cine incorporó innovaciones como personajes cibernéticos y dinosaurios recreados en pantalla. Además, la realidad virtual se integró en el cine con películas como Matrix, El cortador de césped y Días extraños. 14. CINE POSTMODERNO: FINALES DE LOS 80´HASTA LA ACTUALIDAD La posmodernidad, iniciada aproximadamente en los años 80, abarca un discurso multifacético que incluye dimensiones filosóficas, políticas, culturales y artísticas. Cuestiona las ideas de la Ilustración, rechazando la existencia de una razón universal y la posibilidad de un conocimiento total y objetivo. Sus características principales incluyen la apropiación de imágenes culturales preexistentes para exponer la artificialidad, falta de originalidad y carácter convencional de las representaciones dominantes, criticando las formas de representación y las ideologías hegemónicas. Resalta el poder de las imágenes y cómo estas moldean nuestra subjetividad y percepción del mundo. Los artistas posmodernos son teóricos y sofisticados, empleando enfoques como el marxismo, el feminismo, la semiótica, el psicoanálisis y la deconstrucción para desarrollar sus obras. RASGOS PROPIOS DE LOS FILMS POSMODERNOS Convenciones o normas estandarizadas que se adoptan para codificar el lenguaje cinematográfico: - Alteración de la estructura clásica temporal: flashbacks, simultaneidad de acciones, mezcla de formatos. Slumdog Millionaire (Dani Boyle). - Desaparición del interés por mostrar una realidad creible, forzando que sea evidente la naturaleza artificial del cine por medio de una escenografía artificiosa. Eduardo Manostijeras (Tim Burton). - Montaje rápido, barroco o agresivo con predominio de una estética de videoclip. Se aprecia en films como Ciudad de Dios (Fernando Meirelles. - Tendencia a la parodia. El cine, tanto como referente cultural como con su propio lenguaje, se convierte en protagonista. El cine posmoderno es “cine sobre el propio cine”. Malditos bastardos (Tarantino). - Naturalización a la hora de plasmar en pantalla escenas de violencia y sexuales. - Hibridación y mezcla de géneros. Aparece la ciencia ficción. Abierto hasta el amanecer (Robert Rodríguez). - Deconstrucción de los sistemas narrativos y de análisis de los esquemas sociales, así como de los convencionalismos y tradiciones culturales. - Proliferación de remakes, secuelas y adaptaciones de obras procedentes del cómic, la televisión o el videojuego. - Relativización moral, que lleva a convertir a los protagonistas a asesinos sin juicios de valor. Este cine está lleno de retratos de personajes esquizofrénicos y duales o de individuos espectrales en continua búsqueda de sí mismo. Es un rasgo común en los films de Quentin Tarantino. 15. TENDENCIAS CINEMATOGRÁFICAS DE LA DÉCADA DEL 2020 - 2010 El cine se caracterizó por la espectacularidad: pantallas, franquicias y selecciones más grandes. - Auge y caída del 3D. - Auge de los cortometrajes. Narrativas de entre 10 y 30 minutos que ofrecen la misma calidad y diversión que ver un largometraje. - Rebbots o secuelas de películas antiguas. - Nacimiento del streaming. (Netflix, Amazon, HBO). - Los directores usaron tecnología de consumidor para realizar obras maestras con micro presupuestos. - 2010 BOOOOOM de los comics en la gran pantalla. - Tema polémico de “resucitar” a estrellas fallecidas para que aparezcan en nuevas películas. - Historias lideradas por mujeres (Chapell Roan), personajes de contextos más diversos y mejores representaciones de la comunidad LGBTQ (Chapell Roan again). - Se contarán historias que hablarán a más gente y que darán voz a grupos antes marginados en la industria. 16. Mención especial Esto es una mención especial para esta gran mierda de tema que me ha producido dolor de cabeza, sentimientos negativos y me ha parecido la mayor mierda jamás hecha. Un gran saludo a chatgpt que gracias a dios me ha ayudado a resumir alguna sección infumable de esta puta mierda. Ojalá no volver a ver esta asignatura ni a su docente más en mi vida. TEMA 4. LA RADIO La radio ha sido considerada como el medio de comunicación más masivo e importante de todos e incluso, en la era de las nuevas tecnologías sigue ocupando su lugar de importancia. Es el medio de mayor alcance, ya que llega a todas clases sociales de manera gratuita y con mayor capacidad de cobertura. 1. HISTORIA DE LA RADIO A partir de la 2º mitad del siglo XX se comenzaron a realizar diferentes investigaciones alrededor de las ondas electromagnéticas, con el propósito de crear equipos capaces de captar y transmitir dichas ondas emitidas desde diferentes lugares. 1899 Guillermo Marconi consigue hacer una de las primeras transmisiones de radio en el canal de Bristol (Inglaterra) a Penarth, una localidad galesa a una distancia de 6km. Se patentó como Sistema de Telegrafía Inalámbrica. El 12 de diciembre de 1901 logró cruzar los 3.000km del Océano Atlántico. Las primeras emisiones públicas a nivel mundial se realizaron en 1912 como respuesta a la proliferación de señales radiales de los medios de transporte marítimo. Durante la 1ºGM (1914-1918) la radio se utilizó como un medio de comunicación e información, sobre todo con fines militares. Después de la guerra, las compañías que fabricaban los equipos comenzaron a venderlos comercialmente al público. En la década de los años 20´ comenzaron a transmitirse en radio conciertos, publicidad, discursos informativos e, incluso programas de narraciones e historias. Con el pasar de los años se ha demostrado que el sonido resulta ser un material innovador y sorprendente para la recreación de escenarios, por lo que el proceso experimental en la radio siguió su curso hasta 1932, cuando aparecen los primeros programadores de música, los discjockeys,y con ellos, los estribillos (los famosos jingles) para los anuncios cantados. “La radio afecta a la gente de una forma muy íntima, de tú a tú, y ofrece todo un mundo de comunicación silenciosa entre el escritor-locutor y el oyente” – Marshall McLuhan. ¿Te imaginas que McLuhan es el tío de Milagros? La radio es un medio de comunicación social basado en la palabra y el sonido: nació en 1899 cuando Marconi transmitió señales del telégrafo de un lado a otro del OA. En España la primera transmisión se hizo desde Radio Barcelona en 1925. El mensaje radiofónico se percibe exclusivamente por el oído. La recepción y la emisión son simultáneas. Los mensajes son inmediatos y tienen un carácter fugaz y efímero. Su función es informar, educar y entretener. 2. CARACTERÍSTICAS Inmediatez. Se refiere a la capacidad de transmitir los hechos en el mismo momento en el que ocurren. Actualidad. La radio es un medio de comunicación que actualiza constantemente su información gracias a la inmediatez y a la rapidez con la que presenta los hechos. Emotividad. El locutor y sus oyentes logran establecer una empatía a través del lenguaje oral y el manejo de la entonación. Se generan emociones y se puede transportar por medio de las descripciones y la voz, a diferentes lugares y situaciones. Ubicuidad. Permite a los locutores situarse en diversos sitios y transmitir sus mensajes. De igual manera, por ser un medio sonoro, sus oyentes pueden sintonizarla en muchos lugares. Fugacidad. El mensaje radial, al ser inmediato es efímero y no permanece. Multiplataformidad y posibilidad de escucha en los diferentes medios. 3. TIPOS DE PROGRAMAS - Informativos - Culturales - Deportivos - Religiosos - Dramáticos - Musicales - De variedad o magazín 4. TIPOS DE EMISORAS Emisoras comerciales: generan ganancias a partir de la venta de tiempos de programación, anuncios y patrocinio de programas. Emisoras religiosas: generan ingresos por donaciones y anuncios. Emisoras oficiales: pertenecen al Estado y obtienen dinero de presupuesto del gobierno. Emisoras culturales: suelen ser emisoras que apoyan la enseñanza y la difusión de la investigación científica y humanística. Suelen obtener dinero de universidades, organizaciones privadas o instituciones. 5. FORMAS DE HACER UN PROGRAMA DE RADIO Monólogo: solo hay un locutor, es el tipo de programa más corriente. Diálogo: intervienen dos o más locutores. Es más complejo que el monólogo, tiene un lenguaje más ágil. Drama: participan actores en vez de locutores. Se narra una historia completa. 6. CARACTERÍSTICAS DE UN PROGRAMA DE RADIO Inicia con una apertura que consiste en una música (siempre la misma) que llama la atención del oyente, también incluye el nombre del programa y el eslogan. Después hay una introducción del programa con el saludo de los conductores. A continuación viene el contenido, el programa se desarrolla de acuerdo al guion, en algunos programas hay cortinas musicales. Para terminar hay una despedida que es siempre la misma, en ella se invita a los oyentes para que sigan participando en los futuros programas. 7. ELABORAR UN GUION DE RADIO Los programas de radio suelen emitirse sobre la base de un texto previamente escrito, esto es porque el tiempo en la radio es muy estricto y se debe calcular bien y desarrollar el tema a tratar en el tiempo establecido. Se siguen los siguientes pasos: 1. Investigar sobre el tema. 2. Seleccionar el contenido: Elegir el tema central y tratar uno o dos aspectos del mismo. 3. Elaborar un esquema con una idea general de qué aspecto del tema se habla primero y cuál después. 4. Escribe el guion: El libreto radiofónico tiene dos partes, en una se pone lo que dice el locutor ante el micrófono y en la otra son las indicaciones técnicas (música y sonidos). TEMA 4.2. LA RADIO Y LA TV 1. LÍNEA TEMPORAL 1873- James Clerk Maxwell publica su teoría sobre las ondas electromagnéticas. 1888- Heinrich Hertz logra generar ondas de radio. 1893- Nikola Tesla realiza la primera demostración pública de radiocomunicación. 1894- Marconi se basa en las investigaciones de Tesla y empieza sus propios experimentos. Este científico italiano sería después considerado inventor de la radio. 1896- Marconi recibe su patente por su “telegrafía sin hilos” por el gobierno británico. 1897- Marconi logra enviar señales de radio a una distancia de 1,6km. 1898- Marconi abre la primera fábrica de “equipos de transmisión sin hilos” en Inglaterra. 1901- Marconi envía el primer mensaje de radio transatlántico (322km). En 1912, David Sarnoff, un joven ingeniero de la American Marconi Company, ganó atención pública al transmitir desde Nueva York los mensajes del desastre del Titanic, manteniendo informado al público durante tres días. Sarnoff vislumbró el potencial de la radio como un artículo doméstico, proponiendo su uso para llevar música al hogar mediante transmisión inalámbrica, similar a un piano o fonógrafo. 2. LA RADIO COMO MEDIO DE COMUNICACIÓN En 1920, por primera vez, se uso la radio para transmitir la elección del nuevo presidente estadounidense, Warren G. Harding. El mensaje fue escuchado por 1000 personas. HITO 1: LA GUERRA DE LOS MUNDOS El 30 de octubre de 1938, Orson Welles y el Teatro Mercurio adaptaron para la radio la novela La guerra de los mundos de H.G. Wells, bajo el sello de la CBS. Narrada como un noticiario, describía una invasión marciana que incluía meteoritos, rayos de calor y gases venenosos. Aunque la introducción y un mensaje aclaratorio explicaban que era una dramatización, muchos oyentes que sintonizaron tarde creyeron que era un hecho real, lo que desató el pánico en Nueva York y Nueva Jersey. La emisión provocó caos: oyentes aterrorizados colapsaron líneas de policía y prensa, rezaron, huyeron, y se despidieron de sus seres queridos. Según el sociólogo Hadley Cantril, seis millones escucharon el programa, y al menos un millón experimentaron miedo o ansiedad. Este evento reveló la capacidad de los medios para generar psicosis colectiva y reforzó la teoría de la omnipotencia de la comunicación a través de las ondas. HITO 2: EL DEBATE NIXON/KENNEDY En las elecciones estadounidenses de 1960, John F. Kennedy (demócrata) y Richard Nixon (republicano) participaron en los primeros debates televisados de la historia, atrayendo a 77 millones de espectadores, cerca del 60% de la población adulta. En el primer debate, realizado el 26 de septiembre, la audiencia televisiva percibió a Kennedy como ganador, mientras que los oyentes de radio favorecieron a Nixon. El 8 de noviembre, Kennedy ganó en una de las elecciones más reñidas del siglo XX. Este debate marcó un antes y un después en la política, estableciendo a la televisión como un medio clave en las campañas electorales. HITO 3: EL DISCURSO DE MARTIN LUTHER KING 28 de agosto de 1963: Difusión del discurso de Martin Luther King que convirtió en hito el movimiento d ellos derechos civiles en Estados Unidos. 3. PRIMERAS EMISIONES (ESPAÑA) La radio inició su desarrollo en Estados Unidos en 1916, consolidándose allí y en Europa (Francia y Gran Bretaña) hacia 1918. En España, los clubes de radioaficionados y revistas radiofónicas sentaron las bases, pero la radio despegó definitivamente en 1924, durante la dictadura de Primo de Rivera, tras la aprobación del Reglamento de Radiodifusión en la Conferencia Nacional de Telegrafía Sin Hilos. Las primeras concesiones fueron otorgadas a emisoras como EAJ-1 Radio Barcelona, EAJ-2 Radio España de Madrid y otras. Radio Barcelona inició sus emisiones oficiales el 14 de noviembre de 1924, con María Sabater dando el indicativo en antena. En los años siguientes, la radio se extendió por toda España, mejorando la calidad de señal y contenido. Inicialmente limitada a música, conferencias y boletines meteorológicos, la programación se diversificó con el tiempo. La radio en España se convirtió en un medio esencial de información, extendiéndose rápidamente por hogares, bares y cafés, donde los españoles podían escuchar a intelectuales y políticos, cuya presencia en este medio se volvió habitual. En 1930 se lanzó el programa informativo La palabra en Unión Radio, marcando un hito en el panorama radiofónico. Aunque limitado por restricciones técnicas y económicas, el sector continuó su consolidación con el aumento de emisoras locales y receptores de radio. Sin embargo, la Guerra Civil trajo un salto cualitativo significativo en su evolución, transformando su papel en la sociedad española. 4. CONSOLIDACIÓN E INSTITUCIONALIZACIÓN: LA GUERRA CIVIL Y LA DICTADURA Durante la Guerra Civil, la radio se consolidó como un importante medio de propaganda política, utilizado por ambos bandos para emitir sus mensajes y arengas particulares. Con la dictadura de Francisco Franco, la radio pasó a estar bajo un estricto control político, marcado por la censura. A pesar de esto, surgieron formatos como las radionovelas, que alcanzarían su mayor popularidad en las décadas de 1950 y 1960, destacando títulos como Ama Rosa. En los años 60, la radio enfrentó su primera gran crisis con la llegada de la televisión. Aunque este nuevo medio llegó a los hogares españoles en 1956, su adopción masiva no se consolidaría hasta las décadas de 1960 y 1970, cambiando significativamente los hábitos de consumo de información y entretenimiento. EL SISTEMA RADIOFÓNICO FRANQUISTA Durante el franquismo, la radio estuvo sometida a un estricto control político bajo la Ley de Prensa de 1938, lo que implicaba la aplicación de la censura, el control gubernamental del espacio radioeléctrico, la creación de una red nacional de emisoras encabezada por Radio Nacional de España (RNE) fundada en 1937 y la concesión de licencias a particulares y empresas privadas bajo supervisión estatal. RNE monopolizó la información obligando a las emisoras privadas a conectarse a ella para transmitir los boletines oficiales conocidos como "El parte", convirtiéndose en un instrumento clave para adoctrinar a la población en los valores del régimen, especialmente el nacional- catolicismo. La Sociedad Española de Radiodifusión (SER) destacaba como la principal radio privada, con raíces en 1924 y que a partir de 1940 absorbió las emisoras de la Cadena Unión Radio. En 1941 se fundó en Madrid la Radio SEU, la primera escuela de radio en España, destinada a formar a los profesionales que marcarían el futuro de este medio en el país. EL CONTROL GUBERNAMENTAL Tras la guerra, la radiodifusión quedó bajo el control de la Falange. En 1945, se creó la Dirección General de Radiodifusión, y en 1951, el Ministerio de Información y Turismo integró prensa, radio, cine y teatro. Las emisoras vinculadas a FET y JONS formaron la Red de Emisoras del Movimiento (REM), mientras que el Estado mantuvo el control de las emisoras nacionales. La SER, favorecida por regulaciones, destacó en entretenimiento, mientras RNE monopolizaba la información estatal. 5. LA RADIO EN LA DÉCADA DE LOS 50´ En la década de 1950, la radio en España vivió un periodo de transformación. En 1954, la Red de Emisoras del Movimiento (REM) comenzó a emitir, destacando Matías Prats Cañete. La cadena SER seguía siendo importante con Bobby Deglané, programas como Cabalgata Fin de Semana y Carrusel Deportivo, y populares seriales como Ama Rosa. En 1955, España volvió a la Unión Europea de Radiodifusión, lo que permitió las primeras transmisiones en FM, comenzando RNE en 1957. En 1963, todas las emisoras debían emitir en FM. La COPE nació de un decreto que transformó emisoras parroquiales en FM, con contenido moralizador. 6. LA RADIO EN LA DÉCADA DE LOS 60´ En los años 60, la radio española tuvo que adaptarse a la competencia de la televisión, que se estaba expandiendo en los hogares. A pesar de esto, la radio aprovechó su capacidad de llegar a lugares inaccesibles para la televisión. En 1965, el gobierno permitió la creación de emisoras por instituciones y personas españolas, con autorización del Ministerio de Información y Turismo. En 1966, nacieron Radio Peninsular y los 40 Principales. La radio se consolidó como un medio institucionalizado, aunque la censura siguió presente, relajándose ligeramente con la Ley de Prensa de 1966. 7. LA RADIO EN LA DÉCADA DE LOS 70´ En los años 70, la radio española vivió una transformación significativa. En 1972, nació Hora 25, un programa de noticias bajo el formato de magazine, en un momento en que RNE mantenía el monopolio informativo. En 1973, Luis del Olmo llegó a RNE con Protagonistas, un programa que combinaba música, entrevistas y noticias. En 1975, José María García se convirtió en estrella de la SER con su periodismo deportivo en Carrusel Deportivo. En esta década también surgió Radio Exterior de España, dirigida a los emigrantes españoles. La reestructuración de las emisoras llevó a la creación de Radio Cadena Española (RCE), formada por varias emisoras franquistas, que existió hasta 1989. En 1976, se estableció el Plan Técnico Transitorio de FM, que permitió la llegada de la Frecuencia Modulada (FM), mejorando la calidad técnica y la cobertura en localidades más pequeñas. Este decreto, junto con la llegada de la democracia, acabó con el monopolio informativo de RNE, permitiendo a las emisoras elaborar sus propios contenidos informativos. En 1978, la nueva legislación impulsó la creación de emisoras autonómicas, con las primeras surgiendo en los años 80 en Cataluña, Galicia y el País Vasco. Así, la radio de los 70 comenzó a acercarse al medio que conocemos hoy. 8. LA RADIO EN LA DÉCADA DE LOS 80´ En los años 80, surgieron nuevas emisoras que tuvieron un gran impacto en la radio española. Un acontecimiento clave fue el intento de Golpe de Estado del 23 de febrero de 1981, conocido como la noche de los transistores, cuando las emisoras desempeñaron un papel crucial informando al público sobre los acontecimientos en el Congreso de los Diputados. La década estuvo marcada por la desregulación, lo que permitió a las cadenas nacionales combinar información nacional con regional y local. Nacieron emisoras como Antena 3 Radio (1984) y Onda Cero (1989), con figuras como Supergarcía destacando en deportes. En 1987, Radio 80 se integró en el panorama radiofónico. La información de actualidad comenzó a fragmentarse en bloques, y proliferaron las tertulias en los años 84-85, convirtiéndose en una característica importante de la radio de la época. 9. LA RADIO EN LOS AÑOS 90´ En los años 90, nacieron nuevas emisoras como EFE Radio (1991). En 1992, Antena 3 Radio desbancó a la SER como líder de audiencia, pero luego PRISA adquirió A3. Surgió un auge de las cadenas locales, que enfrentaron dificultades de financiación y producción, y buscaron conectarse con emisoras grandes. Además, se produjo una homogeneización de las programaciones en las principales emisoras nacionales: RNE, Onda Cero, COPE y SER. 10. LA RADIO EN LA ACTUALIDAD La homogeneización de la radio consistió en establecer una estructura común en las emisoras principales, con un gran informativo matinal que abarcaba noticias, opinión, análisis e información especializada, seguido de un resumen de lo ocurrido a lo largo del día, incluyendo información local. Por la tarde, se ofrecía un magazín y, por la noche, un informativo nocturno, mientras que en la medianoche se emitía un programa deportivo. Seminario Arqueología de los medios. Francisco Javier Frutos: Linterna mágica/linterna de proyección: Uno de los medios de comunicación más emblemáticos de la arqueología de los medios. Proyecta vídeos dibujados a mano sobre placas. Fenómeno dado en Oriente. Finales del siglo XVII- principios del XX La historia de los medios se quedó con aquello que estaba tecnificado y afectaba a la sociedad de masas, es por ello que a día de hoy se nos hace difícil identificar medios previos al siglo XX. Utilizamos mediaciones en lugar de medios desde el homosapiens. CONSIDERACIONES INICIALES: La historia como un relato: idea de que una cosa va detrás de la otra y extingue a la anterior. Esto borra las huellas que debe seguir un historiador. Es preferida una historia de la lectura, de la experiencia y la visión subjetiva a una historia técnica del libro. PERIODOS EN LA HISTORIA DE LA COMUNICACIÓN MEDIADA: - (XV-XIX) Arqueología de los medios - (XX) Mass media - (XXI) Social media ARQUEOLOGIA DE LOS MEDIOS: Surge de la física óptica y la construcción de lentes, a camino entre el telescopio y el microscopio: La cámara oscura→domina la luz para representar el mundo. En 1800 cambiamos nuestra forma de estar en sociedad gracias a las mediaciones pasamos de una cultura de cuerpo a una cultura de mente. Cultura carnavalesca- más abierta, ruidosa, de risa Cultura formal/oficial- más seria y estática. En la arqueología sueña mejor el XXI que el XX. Enfoque clásico: énfasis en todos los miembros del proceso comunicativo Enfoque genético-cultural: énfasis en el receptor. No busca raíces busca fósiles. La historia de los medios engloba las artes escénicas, las artes plásticas, la literatura y cosas como la magia. Cada nuevo impacto cultural es una especie de nuevo color que entra en contacto con la sociedad y no queda aislado, cambia toda la estructura social. Se le llama arqueología porque lo que ha quedado son los residuos descolocados, sin escritos, experiencias o instrucciones. ETAPAS: - (s. XVII-XVIII) Espectador entre la magia y la ciencia. Figura de mago y científico era difusa. Espectáculos de sombras (antecedente a la linterna mágica, adapta al espectador a su funcionamiento) - (1800-1840) Espectador ante la incipiente cultura de masas. - (1840-1855) Nuevos medios de comunicación audiovisual. - (1885-1900) Llegada de la fotografía animada.

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