Vanguardias Artísticas Históricas PDF

VANGUARDIAS ARTÍSTICAS HISTÓRICAS 1.- INTRODUCCIÓN Entre las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del siglo XX, en casi todos los países con desarrollo industrial se puso de manifiesto un sentido del presente y un ansia de romper con los estilos del pasado. Fue un momento complejo, en el qu...

VANGUARDIAS ARTÍSTICAS HISTÓRICAS 1.- INTRODUCCIÓN Entre las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del siglo XX, en casi todos los países con desarrollo industrial se puso de manifiesto un sentido del presente y un ansia de romper con los estilos del pasado. Fue un momento complejo, en el que la búsqueda de lo nuevo convivía con la permanencia del pasado. *Revolución Industrial *Movimiento Arts and Crafts Se conoce como vanguardias históricas a los estilos artísticos que aparecieron en la primera mitad del siglo XX. Fue la época de una verdadera revolución de las artes plástica. Hablan de una actitud ante el arte más que una estética, de abandonar la imitación de la naturaleza para centrase en el lenguaje de las formas y los colores. Darle valor y poder al inconsciente, y a la reconstrucción mental de la obra. Al espectador se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. *Los estilos dejan de ser internacionales para ser característicos de un grupo de artistas. *Comienza por los artistas rechazados de los Salones de París, quienes se enfrentaban a estas posturas establecidas. Salones de París: muestras artísticas anuales de elevado prestigio que contaban con un jurado tradicional y conservador, y de donde fueron rechazados la mayoría de pintores impresionistas. Estos inauguraron, por iniciativa propia, los llamados Salón de los Rechazados con la intención de que su trabajo, aunque no fuera aceptado en la muestra principal, pudiera ser apreciado y valorado por el público. Para entender las razones por las que las vanguardias artísticas se desarrollaron, es necesario entender el contexto Tres acontecimientos políticos muy importantes sucedieron: la constitución de la segunda y la tercera República Francesa (1848 y 1871) y la Primera Guerra Mundial (1914), provocaron una reacción intelectual en contra de la sociedad de la época. La Segunda Revolución Industrial, con la aparición del motor de explosión, la publicación de la Teoría de la Relatividad de Albert Einstein y la Interpretación de los sueños de Sigmund Freud, la popularización de la fotografía, el nacimiento del Cine... anunciaban un cambio muy veloz en el mundo. Impresionismo (1874) Pimer movimiento que se rebeló contra los gustos que eran mayoría en la época. El Impresionismo no buscaba el rechazo del público, sino que no le importaba si la gente en general aceptaba su arte o no, buscaban captar la realidad a su manera de ver y sentir las cosas. Precursor: Edouard Manet En 1867, el pintor Edouard Manet expuso en el Salón de los Rechazados de París sus escandalosos cuadros Olympia y Almuerzo sobre la hierba, pues al jurado no le pareció digno del Salón Oficial, al igual que la obra de casi tres mil artistas. Edouard Manet: Almuerzo sobre la hierba. 1863. Óleo sobre tela. Medidas: 208 cm × 264,5 cm. Contexto: Mientras la industrialización avanzaba y las ciudades europeas se modernizaban, los jueces del Salón Oficial de París seguían apegados a los temas premodernos: paisajes pastoriles, el mundo vegetal, las grandes mitologías históricas, etc. Los impresionistas, en cambio, reconocieron la ciudad moderna como paisaje, porque entendieron que los cambios históricos afectaban también la función del arte. Por ejemplo, si antes la gente debía tener mucho dinero y tiempo para encargar un retrato, ahora, con la invención de la fotografía, eso era posible en cuestión de retrato, ahora, con la invención de la fotografía, eso era posible en cuestión de minutos y a un costo muy bajo, con la ventaja de que la imagen se podía reproducir. Estos artistas inconformes se preguntaban: ¿seguirá siendo viable un arte que apenas “documente” el mundo de las ideas antiguas y cuyo lenguaje no evolucione? ¿Será útil un arte que se limite a retratar la naturaleza a la perfección? ¡Para retratar está la fotografía! ¡Claro que el arte podrá hacer mucho más que esto! Es cuestión de perspectiva, dirán. Primero, los impresionistas aprovecharon a su favor el hecho de que la fotografía era en blanco y negro. Luego, algunos avances industriales facilitaron ciertas transformaciones en los modos de producción del arte. Por ejemplo, gracias a la industrialización, los artistas podían tener pinturas al óleo en tubos, lo que les permitía salir a pintar al aire libre sin temor a que la pintura se secara. Al trabajar tranquilamente al aire libre, ambicionaron representar fenómenos lumínicos hermosos, pero instantáneos, que requerían velocidad para atraparlos en el lienzo: una puesta de sol, el reflejo de la luz sobre las aguas, el modo en que la iluminación cambia el color de las cosas, etc. Así, comenzaron a desarrollar una técnica nueva que se convertiría en una auténtica escuela pictórica, centrada en la luz y el color. El Impresionismo como tal nace en una exposición celebrada en los salones del fotógrafo Nadar. Era una muestra en la que participaban un total de treinta y nueve pintores, conscientes ya de formar un grupo y de tener unos objetivos iguales que defender. En esta exposición se encontraba una obra de Monet llamada Impresión, Sol naciente que, burlonamente citada por un crítico dio nombre al grupo. Claude Monet, “Impresión, sol naciente,” 1872 La exposición presentó más de 200 piezas de la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs, un grupo de artistas que incluía a Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas y Camille Pissarro, entre otros. Aunque estos pintores exhibieron obras igualmente controvertidas, los críticos estaban particularmente desconcertados por la pintura de Monet—especialmente por su título. Camille Pissarro. Serie Boulevard de Montmartre. 1897. Izq.: Día de primavera. Cen.: Mañana de invierno. Der.: Noche. Louis Leroy, crítico para el periódico satírico le Chariviari, escribió: “Impresión, desde luego eso produce. Simplemente me estaba diciendo que, ya que estaba impresionado, tenía que haber alguna impresión en ello … ¡y qué libertad, qué facilidad de fabricación! El papel tapiz en su estado embrionario es más acabado que ese paisaje marino”. Si bien su intención era burlarse del nuevo movimiento, críticos como Leroy, cuyas palabras se han vuelto particularmente infames—ayudaron a impulsar el movimiento; tras sus críticas, la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs fue rebautizada como los impresionistas. A partir de este cambio de nombre, el movimiento impresionista –con Monet a la cabeza– ganó mucha popularidad. Un paisaje es solo una impresión, instantánea, de ahí la etiqueta que nos han dado, todo por mi culpa”, recordó Monet. “Había presentado algo hecho desde mi ventana en El Havre, con la luz del sol en la niebla y unos cuantos mástiles en primer plano que sobresalían de las naves de abajo. Querían un título para el catálogo; no podía decir que era una vista de El Havre, así que les contesté: ‘Escriban impresión’. De ahí surgió el impresionismo y proliferaron las bromas…”. Claude Monet: Madame Monet con su hijo. 1875. Óleo sobre tela. Medidas: 100 x 81 cm. Hasta el momento, la luz había sido estudiada en el arte como símbolo de la divinidad o conocimiento (arte gótico), o como elemento plástico para lograr volúmenes definidos y representaciones naturalistas y verosímiles (Renacimiento, clasicismo). Los impresionistas hacen de la luz en sí misma el centro de interés y, por tanto, se abocan a la representación de sus efectos. Es decir, estudian la luz como fenómeno: su comportamiento, su evolución en el instante, el modo en que interactúa con los objetos. Así, todas las técnicas y características que desarrollaron se desprenden este fundamento. Edgar Degas: Ensayo del ballet sobre el escenario. Ca. 1874. Técnica mixta. Medidas: 54.3 x 73 cm. Muchos artistas del impresionismo se dedicaron a explorar ángulos, perspectivas y encuadres nunca antes vistos en la pintura. Para entonces la fotografía seguía la estética clásica del Renacimiento, pero es cierto que ya comenzaban a vislumbrarse nuevos enfoques y ángulos. Seducidos por estas posibilidades, los impresionistas rompieron con los encuadres clásicos, frontales y simétricos, y optaron por ángulos inesperados en la pintura. Además, a los impresionistas les interesaban los instantes que pasan desapercibidos o las escenas que permanecen ocultas a los ojos de los espectadores, como este ejemplo de Edgar Degas. En la imagen de arriba, vemos cómo Degas representa un ensayo de ballet en el escenario desde el foso de la orquesta, tal como lo acusa el riso de un contrabajo en la esquina inferior izquierda. El dibujo perfectamente delineado se vuelve poco práctico para los impresionistas. Muchos de ellos eliminarán la línea y proyectarán los volúmenes de las formas coloreando directamente, lo que revela gran maestría. Otros, como Tolouse-Lautrec o Edgar Degas, seguirán usando la línea, pero ya no será una línea definida y limpia, sino con un ritmo algo nervioso, con repasos e impresiones súbitas. Henry de Toulouse-Lautrec: Baile en el Moulin de la Galette. 1889. Óleo sobre tela. Medidas: 88,5 x 101,3 cm. Pierre Auguste Renoir: El almuerzo de los remeros. 1881. Óleo sobre tela. Medidas: 129,5 cm × 172,7 cm. *Detalle Acabada la época del desarrollo del Impresionismo, y gracias a las nuevas tecnologías de impresión (especialmente influye la fotografía y el descubrimiento de la cuatricromía, que conseguía infinidad de colores con la mezcla de los colores primarios), surge el Neoimpresionismo o puntillismo, llevado a cabo fundamentalmente por dos autores, Georges Seurat y Paul Signac. Aprenden la lección impresionista y la aplican de un modo más científico, más controlado, mucho menos espontáneo y fresco. La pincelada se hace corta, racional y estudiada. La Seine à la Grande-Jatte Georges Pierre Seurat: Una tarde de domingo en la Isla de la Grande Jatte. 1884. Óleo sobre tela. Medidas: 207,6cm × 308 cm. *Detalle Fuera de estos dos movimientos quedan tres autores, de obligada mención, como son Vincent Van Gogh, Paul Gaugain y Henri de Toulouse-Lautrec. Se les dio el término histórico-artístico de Postimpresionistas en una exposición celebrada en Londres en 1910, pues, aunque su trabajo no es en absoluto semejante, les une el hecho de haber comenzado su trabajo con el Impresionismo ya afianzado y comienzan su andadura pictórica con un nuevo modo de hacer, en los tres casos de manera muy personal e innovadora y de con una visión más subjetiva y manipulada del mundo. Van Gogh transforma la pincelada impresionista en una con más carga y muy ordenada, dando nuevas soluciones formales y cromáticas. Gaugain fue un artista que reivindicó lo bidimensional y lo decorativo. Su época en Taití, donde vivió los últimos años de su vida, es la más famosa. Ese destino brindó a Gaugain los paisajes y los colores que buscaba. Toulouse-Lautrec fue un gran ilustrador y se le considera el precursor del cartel publicitario. El espíritu de los muertos vela (Paul Gauguin ¿El impresionismo es o no es un movimiento de vanguardia? A pesar de todo lo que el impresionismo revolucionó la técnica pictórica, no se le considera propiamente un movimiento de vanguardia, aunque sí se le reconoce haber sido clave en el desarrollo de valores como originalidad artística y estilo personal. Independientemente de toda la influencia que haya podido ejercer, el impresionismo siguió apegado a un concepto común de toda la tradición pictórica occidental: seguía siendo un arte que imitaba a la naturaleza, un arte naturalista. Esto quiere decir que el impresionismo seguía aplicando los principios básicos de figuración, a pesar de haber roto con el dominio de la línea, la profundidad espacial y el claroscuro, así como con la obligatoriedad de representar temas trascendentales. Con un lenguaje visual renovado y temas casuales y modernos, los artistas impresionistas abrieron la puerta para que las nuevas generaciones pudieran salir a explorar ideas revolucionarias. VANGUARDIAS – Fauvismo 1905 / 1907 El Fauvismo cuestiona el Arte como representación de la realidad, abogando por un arte subjetivo que expresa sentimientos por medio del color. En 1905, Matisse y Derain exhibieron juntos en el Salon d’Automne (Salón de Otoño), una alternativa al Salón jurado patrocinado por el estado, y su trabajo causó un escándalo. Tanto los espectadores como los críticos se sorprendieron por el uso de colores brillantes y no naturalistas en sus paisajes y retratos. Un crítico de arte llegó al extremo de llamar a los artistas "fauves" o "bestias salvajes" 2, y la etiqueta quedó pegada. Desde entonces, el término Fauvismo ha sido aplicado al trabajo por Matisse, Derain y una pequeña banda de pintores de principios del siglo XX que utilizaron colores expresivos similares aplicados en planos y con pinceladas amplias. Contexto: El fauvismo surge en París de las vanguardias, en una verdadera explosión artística y científica, que entre muchas otras cosas implicó la reforma y replanificación de la ciudad por Georges-Eugène, la introducción de la electricidad y del automóvil, las grandes Exposiciones Universales en que se celebraba el ingenio del ser humano. Study for "Luxe, calme et volupté" Henri Matisse (French, 1869–1954) 1904. Oil on canvas, 12 7/8 x 16" (32.7 x 40.6 cm) Interior with a Young Girl (Girl Reading) Henri Matisse (French, 1869–1954) 1906. Oil on canvas, 28 5/8 x 23 1/2" (72.7 x 59.7 cm) Bridge over the Riou André Derain (French, 1880–1954) 1906. Oil on canvas, 32 1/2 x 40" (82.6 x 101.6 cm) Landscape at Collioure Henri Matisse (French, 1869–1954) 1905. Oil on canvas, 15 1/4 x 18 3/8" (38.8 x 46.6 cm) Sus autores principales son Matisse, Derain, Dufy y Braque. – Cubismo 1907 / 1914. Después de su reunión de 1907 en París, los artistas Pablo Picasso y Georges Braque fueron pioneros del estilo cubista, una nueva visión para un nuevo siglo que inspiró pinturas que inicialmente fueron ridiculizadas por los críticos por consistir en "cubitos". A menudo pintando lado a lado en sus estudios de Montmartre, París, los artistas desarrollaron un lenguaje visual de planos geométricos y espacios comprimidos que rechazaron las convenciones de perspectiva y representación. Las obras cubistas desafiaron a los espectadores a comprender un tema desglosado en sus componentes geométricos y, a menudo, representado desde varios ángulos a la vez. Temas tradicionales como figuras desnudas, paisajes y bodegones se reinventaron como composiciones cada vez más fragmentadas de Picasso, Braque y otros artistas que trabajan en la capital francesa y sus alrededores. Los cubistas se abstrajeron de la vida real para hacer su trabajo, pero a menudo mantuvieron pequeñas pistas identificables de una figura realista, ya sea una mujer o un violín. Los artistas adoptaron una paleta neutral de marrones y negros, con la intención de que el espectador se centre en la composición geométrica en lugar del color. El cubismo marca un momento pionero en la historia del arte, uno que terminó cuando muchos de sus principales practicantes, Braque entre ellos, se alistaron para luchar en la Primera Guerra Mundial. Pablo Picasso. Les Demoiselles d'Avignon. París, junio-julio de 1907 Los artistas que trabajan antes de su tiempo a menudo tienen que esperar a que la sociedad se ponga al día con sus visiones. Así fue con Picasso y Les Demoiselles d’Avignon. Desde que salió de su estudio, la pintura ha provocado innumerables debates, estudios y artículos, incluido uno en 2007 del Jonathan Jones de The Guardian. Con motivo de su centésimo aniversario, escribió: “Las obras de arte finalmente se establecen, se vuelven respetables. Pero, 100 años después, [Les Demoiselles d’Avignon] sigue siendo tan nuevo, tan preocupante, sería un insulto llamarlo una obra maestra ". Man with a Guitar Georges Braque (French, 1882–1963) 1912. Oil on canvas, 45 3/4 x 31 7/8" (116.2 x 80.9 cm) – Expresionismo 1905/1913. Los ángulos extremos, las formas planas, los colores llamativos y las vistas distorsionadas distinguen el expresionismo, un movimiento internacional en el arte, la arquitectura, la literatura y el rendimiento que floreció entre 1905 y 1920, especialmente en Alemania y Austria. A partir de 1905, cuando la industria creció en Europa, los expresionistas emigraron a las ciudades. Allí formaron grupos como Die Brücke (The Bridge) y Der Blaue Reiter (The Blue Rider), compartieron estudios, exhibieron juntos y publicaron su trabajo y sus escritos. Los expresionistas buscaron representar el mundo tal como se sentía en lugar de cómo se veía y, al hacerlo, revitalizar el arte con autenticidad y fuerza expresiva. Rechazaron las convenciones estilísticas dominantes y el tema de la cultura visual alemana a principios del siglo XX, en lugar de mirar las pinturas introspectivas y audaces y coloridas de los postimpresionistas y a otros artistas alemanes y austriacos que exploraron el lado más oscuro de la vida y La imaginación artística en su trabajo. Muchos expresionistas también encontraron inspiración temprana en los patrones planos y las formas audaces del movimiento The New Art. En su búsqueda de autenticidad, los expresionistas también buscaron inspiración más allá del arte y la cultura europea para las tradiciones folclóricas nativas y el arte tribal. Frecuentaban museos etnográficos y ferias mundiales, donde encontraban colecciones de arte africano y oceánico. Como reflejo de una actitud común de la época, los expresionistas percibieron el arte no occidental como "primitivo", no evolucionado y, por lo tanto, más cercano a los orígenes de la humanidad. Tomaron prestado estilísticamente de lo que vieron, incluyendo ornamentación geométrica, patrones decorativos y planos aplanados. A medida que Alemania se acercaba al inicio de la Primera Guerra Mundial, aparecieron más elementos de lo grotesco en el trabajo expresionista. Los expresionistas adoptaron el grabado como una forma de distribuir rápidamente el trabajo a un público más amplio y como un medio para promover o criticar causas sociales o políticas. Esta atmósfera sólo empeoraría luego de la Primera Guerra Mundial y el expresionismo ampliaría sus horizontes al cine y el teatro, convirtiéndose en un movimiento bastante central en el imaginario de la época. Esto duraría hasta la Segunda Guerra Mundial, pues sería catalogado por los nazis como “arte degenerado” y vinculado al comunismo; aunque resurgiría brevemente en los Estados Unidos como expresionismo abstracto. Street, Dresden Ernst Ludwig Kirchner (German, 1880–1938) 1919. Oil on canvas, 59 1/4" x 6' 6 7/8" (150.5 x 200.4 cm) Portrait of a Man (Männerbildnis) Erich Heckel (German, 1883–1970) 1919. Woodcut, composition: 18 3/16 x 12 3/4" (46.2 x 32.4 cm); sheet (irreg.): 24 1/4 x 20" (61.6 x 50.8 cm) Winter Moonlit Night (Wintermondnacht) Ernst Ludwig Kirchner (German, 1880–1938) 1919. Woodcut, composition (irreg.): 12 x 11 5/8" (30.5 x 29.5 cm); sheet (irreg.): 12 11/16 x 12 5/16" (32.2 x 31.2 cm) Artistas relacionados: Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Oskar Kokoschka, Käthe Kollwitz, Franz Marc, Max Pechstein, Karl Schmidt-Rottluff – Futurismo 1909/1914. El primer manifiesto futurista se publica el 20 de febrero 1909, en el periódico parisino “Le Figaro”, escrito por Filippo Marinetti, escritor italiano, que casi con un rigor dogmático no dudaba en afirmar que “un automóvil rugiente, es más bello que la Victoria de Samotracias”. Con ello se exaltaba la modernidad, lo tecnológico, lo mecánico y rompe una lanza a favor de sus cualidades estéticas de estos objetos industriales infravalorados según esta vanguardia. Aunque el movimiento acaba pronto, en 1914 y 16 , tras la I Guerra Mundial algunos de sus componentes radicalizan sus posiciones y se relacionan ideológicamente con el fascismo italiano en las elecciones de 1919. Sus mayores exponentes fueron Humberto Boccioni, Gino Severino y Giacomo Balla. Con el tiempo se produjo un redescubrimiento (cosa frecuente en la historia del arte), pues además de profundizar en las cuestiones ideológicas y políticas, ponía de relieve aquellos aspectos que hacían del futurismo un movimiento de vanguardia de extraordinaria resonancia en su momento, influyendo en movimientos como El Dadaísmo, el Constructivismo ruso, el Surrealismo y que, a largo plazo lo sitúan como punto de referencia, el arte de los años sesenta. Muchacha que corre por el balcón. 1912. Óleo sobre lienzo. 125 x 125 cm. Civica Galleria d’Arte Moderna. Milán. Italia Dinamismo de perro con correa. 1912. Óleo sobre lienzo. Galería de Arte Albright-Knox de Buffalo. New York. USA. Trazados y secuencias dinámicas de movimiento.1913. Óleo sobre lienzo. 96.8 x 120 cm. The Museum of Modern Art. New York. U.S.A. – Dadaísmo 1915/1922. El más radical y agresivo de los -ismos de principios de siglo, nació en Zürich (Suiza) obra de Tristan Tzara. Fue una vanguardia anarquista que se mostró rotundamente en contra de cualquier norma social, moral o estética. Contundente, destructor y provocador, basado en lo absurdo, lo elemental, lo casual y lo azaroso (la misma palabra dadá que designó el movimiento se escogió de modo arbitrario en un diccionario). Su objetivo principal era cuestionar unos criterios artísticos fuertemente afianzados y aceptados en la época. El Dadá es anti-todo, anti-arte, anti-literatura, inclusive anti-dada. Se aisla de todo y todos y empieza una ruptura lógica del lenguaje desde que éste empezó. “Dada” es una onomatopeya del balbuceo infantil y resultó ser más que apropiado para sus creadores pues es una palabra sin sentido, absurda, sin significado y elegida al azar: todo lo que era para ellos el arte de ese momento. Su objetivo principal con esto era romper con todo lo racional y hacer que lo ilógico se convirtiera en su mejor aliado: el caos, el azar, el sin-sentido, lo escandaloso. En los géneros de la escultura destaca la famosa obra del urinal de Marcel Duchamp, “La fuente”, con la que inauguró la estética del ready-made (algo así como “prefabricado”). El movimiento dadá también fue prolífico en pancartas y pósters con intervenciones satíricas o provocadoras, empleando fotomontajes y frases aisladas. También solían hacer recitales espontáneos y performances en los que se interpelaba o se insultaba al público. Los principales representantes del dadaísmo son, aparte de los ya mencionados Ball y Tzara, los artistas Marcel Jank, Jean Arp, Hans Richter, Richard Huelsenbeck, André Bretón, Guillaume Apollinaire, Louis Arangón, Pablo Picasso, Vasili Kandinski, Giuseppe Ungaretti y el célebre Marcel Duchamp. CONTEXTO HISTÓRICO: Europa, Primera Guerra Mundial. Migración de artistas hacia EEUU Marcel Duchamp es el artista más influyente del siglo XX, porque fue el que se adelantó al arte conceptual, el arte-objeto, la definición de belleza dentro de este mundo tan complicado. El convirtió una broma, un chiste en “arte” (y lo pongo en comillas porque mucha gente sigue sin considerarlo como tal). Este movimiento lo ayudó a reírse de todo y todas las instituciones, académicos y gente seria y formal que se tomaba el arte como “serio y formal”. “¿Talento? ¿Preparación? ¿Para qué?” Duchamp le pintó bigotes a la Gioconda, expuso un urinario en un museo, deshizo una bicicleta y la puso en un banquito, el mundo artístico estaba que se morían de coraje y él lo único que hizo… fue reírse. https://www.youtube.com/watch?time_continue=64&v=2ZlrHyzIwcI – Surrealismo 1924/1939. Comienza con un manifiesto escrito esta vez por el poeta André Breton. El término lo acuña el escritor G. Apollinaire. Se desarrolla, como se puede deducir por las fechas, en un periodo inestable de entreguerras en el que los intelectuales tratan de comprender la profundidad psíquica del hombre, los sueños, lo inconsciente. Los escritos y teorías del psicoanálisis de Sigmun Freud aportó base científica e ideológica, y las obras de Füsli y Blake la influencia artística. Podemos hablar de dos tipos de Surrealismo pictórico y dos grandes grupos de pintores surrealistas. Por un lado, los pertenecientes al Surrealismo figurativo, entre los que se encontraban Max Ernst, René Magritte, Dalí y Chagall, quienes exploraron el surrealismo desde una óptica de realismo formal, pues, a pesar de sus deformidades y transformaciones, nunca abandonaron la referencia real de los objetos. Por otro lado, el Surrealismo abstracto contaba con Yves Tanguy, Miró, Klee y Hans Arp. Parte fundamental esta tendencia fue la escultura. Giacometti, Henry Moore, Alex Calder, M. Ernst y Man Ray. Object Meret Oppenheim (Swiss, 1913–1985) 1936. Fur-covered cup, saucer, and spoon, Cup 4 3/8" (10.9 cm) in diameter; saucer 9 3/8" (23.7 cm) in diameter; spoon 8" (20.2 cm) long, overall height 2 7/8" (7.3 cm) Las mujeres fueron consideradas en gran medida como los sujetos y las musas de los hombres que dominaron el surrealismo, entre ellos Max Ernst, Salvador Dalí, Man Ray y René Magritte. Entonces, es notable que la pintora y escultora Meret Oppenheim (alemana-suiza, 1913-1985) se hizo un lugar como una de las artistas centrales del surrealismo y produjo algunas de sus obras más poderosas. En 1932, se mudó a París, el centro del movimiento, y pronto participó activamente en sus reuniones y exposiciones. Para 1936, tuvo su primera exposición individual. Asumiendo que ella, como sus pares artísticos, debe ser hombre, los críticos y admiradores de su trabajo a menudo se refieren erróneamente a ella como "Sr. Oppenheim. Una taza de té sensacional: el objeto de Meret Oppenheim (1936) Comenzó con una broma durante el almuerzo. En 1936, Meret Oppenheim estaba en un café de París con Dora Maar y Pablo Picasso, quienes notaron el brazalete de metal pulido forrado de piel que llevaba y bromearon diciendo que cualquier cosa podría estar cubierta de piel. "Incluso esta taza y platillo", respondió Oppenheim . Fue a una tienda por departamentos no mucho después de esta comida, compró una taza de té blanca, un platillo y una cuchara, los envolvió en el pelaje marrón moteado de una gacela china y tituló este objeto Conjunto. Al hacerlo, transformó elementos tradicionalmente asociados con el decoro y el refinamiento femenino en una escultura surrealista confusa. Object ejemplifica el argumento del poeta y fundador del surrealismo André Breton de que las cosas mundanas presentadas de manera inesperada tenían el poder de desafiar la razón, de instar a los inhibidos y no iniciados (es decir, al resto de la sociedad) a conectarse con su subconsciente, ya sea que estuvieran listos. por ello o, más probablemente, no. "El arte [...] tiene que ver con el espíritu, no con la decoración", escribió Oppenheim una vez, y una obra tan pequeña y económica como Object tiene un espíritu tan descomunal porque el pelaje combinado con una taza de té evoca una sorprendente combinación de mensajes y asociaciones. El pelaje puede recordar a los espectadores los animales salvajes y la naturaleza, mientras que la taza de té podría sugerir modales y civilización. The Birth of the World Joan Miró (Spanish, 1893–1983) 1925. Oil on canvas, 8' 2 3/4" x 6' 6 3/4" (250.8 x 200 cm) The Palace of Curtains, III René Magritte (Belgian, 1898–1967) 1929. Oil on canvas, 32 x 45 7/8" (81.2 x 116.4 cm) The Lovers René Magritte (Belgian, 1898–1967) 1928. Oil on canvas, 21 3/8 x 28 7/8" (54 x 73.4 cm) The Persistence of Memory Salvador Dalí (Spanish, 1904–1989) – Suprematismo 1915/1919. Vanguardia de origen ruso que comienza con el manifiesto de Kazimir Malevitch. Busca la sensibilidad pura del arte a través de un lenguaje plástico nuevo, sin referencias figurativas ni influencias artísticas previas. Evita cualquier referencia de imitación a la naturaleza recurriendo a módulos geométricos de formas puras y perfectas de color austero, en especial el uso del blanco y el negro con algún color poco saturado. Al ser obras de pocos elementos, y además geométricos, tendrá mucha importancia la composición y distribución de éstos en las obras. La máxima simplicidad de una expresión artística, llevada hasta casi sus últimas consecuencias. Un arte que no pretende otra cosa que expresarse a sí mismo sin ninguna simbología y solo pretende ser tal cual. Muchas veces no resulta fácil la interpretación de una pintura como ésta y quien pretenda encontrar un lenguaje escondido y críptico no lo va a poder hacer. El arte abstracto tiene su génesis en expresiones como esta, vista en un contexto en el cual se estaban buscando nuevos derroteros y se pretendía acabar con cualquier alusión al arte tradicional. El suprematismo pretendía crear la representación de un universo que no contenía objetos y por lo tanto resultaba parcialmente invisible su representación y eso se expresaba a través de la reducción de la misma a los mínimos elementos. En consecuencia con ello la palabra “suprematismo” hace alusión a la supremacía de la nada como expresión última de lo incognoscible, de lo no representable. Las formas geométricas puras se conciben entonces como las representaciones que mejor describían esta “nada” en las obras Malevich pretendió crear un arte substancial que expresara así la naturaleza de lo más básico y profundo, tal como él lo concebía. La influencia del suprematismo se evidenció en otras vanguardias como el propio constructivismo y unos años más tarde, la Bauhaus y su arte minimalista y geométrico. Suprematismo (Supremus No. 58), 1916, Museo de Arte, Krasnodar, Kazimir Malévich Composición suprematista, 1916. 1915 Cuadrado negro, Galeria Tretiakov, Kazimir Malévich 915 Cuadrado rojo suprematista, Museo Estatal Ruso, Kazimir Malévich – Constructivismo 1913/1920. Esta nueva vanguardia comparte origen y fechas con la anterior, por lo que su desarrollo es paralelo y ambas se vigilarán de reojo en su evolución. El constructivismo, con alta carga política e ideológica propia de la revolución rusa, pretende la unión entre las artes, pintura, escultura y arquitectura, por lo que comparte objetivo con una del las escuelas más famosas de la Historia del Arte, la Bauhaus. Este hecho no es casual, pues varios constructivistas fueron profesores o impartieron seminarios en algún momento en dicha escuela alemana. Sus autores principales fueron Vladimir Tatlin, El Lissitzky, Antón Pevsner y Naum Gabo. Prueba de lo completo de este movimiento es su manifestación cinéfila obra de Eisenstein, quien tiene en la cinta de “El acorazado Potemkin” un gran ejemplo. El constructivismo supuso una identidad visual para el comunismo soviético y tuvo como objetivo principal llevar el arte al pueblo rescatándolo de las élites. Eso no significa en modo alguno el cese de la experimentación. Los constructivistas se centraron en todos los ámbitos creativos y exprerimentaron con todas las disciplinas, técnicas y nuevas tecnologías, además de continuar la experimentación geométrica suprematista. Más que arte para ser mostrado en una galería burguesa, el constructivismo hizo arte para el pueblo mezclando todas las artes en un amalgama utópico de diseño, ingeniería, arquitectura, pintura, escultura… El término construction art ("arte para construcción") fue utilizado por primera vez, de manera despectiva, por Kasimir Malévich para describir el trabajo de Aleksandr Ródchenko en 1917. Además del constructivismo ruso o soviético, que se vincula al suprematismo y al rayonismo o cubismo abstracto; se habla también de un "constructivismo holandés": el neoplasticismo de Piet Mondrian, Theo van Doesburg y el grupo De Stijl.1 Sus obras fueron difusoras de las propagandas Revolucionarias, y realizaban carteles, propagandas, fotografías, ilustraciones, etc. Formalmente, las imágenes tenían un predominio de formas geométricas y lineales. To mozi Lajos Kassak ● Date: 1928 ● Style: Constructivism ● Genre: poster – Neoplasticismo. El Neoplasticismo es una corriente artística propuesta por Piet Mondrian en 1920, que surge en la búsqueda de un arte que no tuviera elementos accesorios, sino sólo los más elementales, para llegar a la esencia de un lenguaje plástico objetivo reduciéndola a formas geométricas y colores puros para hacerla universal. El neoplasticismo, al contrario del expresionismo abstracto, pretende ser trascendental, abstrayéndose de la realidad externa, rigiéndose por reglas matemáticas y una simplificación radical de la geometría, elevando así la concepción de lo abstracto a su máxima expresión. Este movimiento artístico se desprendió del cubismo, alejándose de la representación del mundo real, para representar formas y colores básicos. También llamado De Stijl. Es un nuevo (neo) enfoque de las artes plásticas (plasticismo) basado en relaciones universales. Piet Mondrian. Uniendo cubismo y teosofía, reivindicó un proceso de abstracción progresiva donde las formas se irían reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, y los colores a los tres primarios, el blanco y el negro. No existe la profundidad, no existe ningún tipo de referencia figurativa, no existe ni siquiera una simbología. El neoplasticismo es arte puro: línea y color, unidas en un mismo espacio. Para los neoplasticistas era imprescindible rechazar cualquier motivo reconocible, no se debía imitar la vida real. Consideraban que el arte forma ya parte de la vida real, así que no es necesaria su imitación. Composición en rojo, amarillo y azul Piet Mondrian Países Bajos, 1921 Piet Mondrian, 1942 - Broadway Boogie Woogie