Música PDF
Document Details
![BelievableDiscernment3058](https://quizgecko.com/images/avatars/avatar-20.webp)
Uploaded by BelievableDiscernment3058
VIU
Tags
Summary
This document discusses music, its definition, and the various skills and aptitudes developed through musical education. It also touches upon the historical context of music and its integration with other subjects. It references different learning theories including Multiple Intelligences.
Full Transcript
UC1 --- Música, definición: Procede del griego y significa “el arte de las musas”. Se define como el arte de organizar sensible y de forma lógica sonidos y silencios respetando la melodía, la armonía y el ritmo. En el siglo XVIII se popularizó el concepto. La música siempre ha sido un medio de comu...
UC1 --- Música, definición: Procede del griego y significa “el arte de las musas”. Se define como el arte de organizar sensible y de forma lógica sonidos y silencios respetando la melodía, la armonía y el ritmo. En el siglo XVIII se popularizó el concepto. La música siempre ha sido un medio de comunicación y expresión. Las Bellas Artes clásicas son seis: arquitectura, pintura, escultura, danza, música y literatura. A través de la música se desarrollan diferentes capacidades, actitudes y aptitudes: 1. Lenguaje, se aprenden letras y nuevo vocabulario 2. Aprendizaje de lenguas no nativas 3. Matemáticas, con canciones y juegos musicales donde se trabajan secuencias, números… 4. Informática, con sencillos juegos informáticos musicales alojados en recursos electrónicos 5. Plástica, ilustrando el texto o los personajes representativos de una canción 6. Psicomotricidad, con las danzas y juegos musicales 7. Historia, con canciones que narran hechos históricos... *Además de contribuir al desarrollo emocional. Beneficios de la educación musical: 1. Crea lazos afectivos y de cooperación muy relevantes para la integración social. 2. El canto es un medio estupendo para expandir la capacidad lingüística, tanto comprensiva como expresiva. 3. La actividad rítmica experimentada mediante estímulos sonoros de calidad, favorece el desarrollo fisiológico, motriz y la memoria musical. 4. Involucrarse en la actividad musical fomenta la autoexpresión y a la espontaneidad, y a la vez es causa de entusiasmo y fruición personal. 5. La percepción y expresión musical favorece la adaptación social y el sentido de responsabilidad intragrupal. 6. Ofrece al niño/a la ocasión de auto-descubrirse como productor sonoro, lo que es fuente de placer, 7. Propicia la afirmación de opiniones propias y la aceptación de opiniones ajenas. Teoría de las Inteligencias Múltiples…. Frances Webber Aronoff en 1974 escribió La música y el niño pequeño. ✿ La inteligencia corporal-kinestésica. Relación entre la música y el movimiento. ✿ La inteligencia intrapersonal. Lado afectivo del ser y su capacidad de introspección. ✿ La inteligencia interpersonal. En cooperación y teniendo en cuenta a los demás. ✿ La inteligencia espacial. Coordenadas espaciotemporales. ✿ La inteligencia lingüística. Por el desarrollo de la sensibilidad hacia los sonidos, los ritmos, las inflexiones y la métrica de las palabras. ✿ La inteligencia lógico-matemática. Se beneficia del aprendizaje de la fuerza, los valores, los acentos, los tiempos…que conforman la música. función terapéutica de la música: la musicoterapia Docente de educación musical: Habilidades interpretativas: cantar, hacer sonidos, seguir ritmos, etc. Habilidades discriminativas: sonidos agudos/graves, etc. Duración, timbre, ritmos, velocidad, etc. Habilidades didáctico-musicales: diseñar actividades, seleccionar música, adecuarse a la etapa educativa, etc. Creatividad: originalidad. Comparación docente especialista, docente generalista: Maestro especialista: Horario parcial, sólo en las sesiones de Educación Musical. Ventajas: Sabe que cuenta con los recursos y conocimientos necesarios sobre música. Desventajas: No está en disposición de conocer las necesidades educativas específicas del grupo de alumnos en toda su complejidad y la manera de tratarlos. Maestro generalista: Horario escolar completo con los alumnos. Ventajas: Sus alumnos establecen con él un elevado grado de dependencia. Conoce las necesidades educativas específicas del grupo de alumnos y la manera de tratarlos. Desventajas: Siente que no cuenta con los recursos ni conocimientos necesarios sobre música (se pueden aprender y descubrir) Aproximación histórica música occidental: Paleolítico → música como algo mágico. Neolítico → se orientó hacia los ciclos del año agrícola, además de acompañar los tiempos de ocio. Griegos → primordial en la formación de los alumnos. Pitágoras, utilizó dos materias como pilares el aprendizaje: la Educación Musical y la Educación Física. Platón consideraba que la música ayudaba en la consecución de la felicidad, por lo que creía que la música debía ser obligatoria en la educación de los jóvenes. En la Edad Media (V-XV) la música está vinculada a la religión. Guido de Arezzo, uso del tetragrama y responsable de los nombres de las notas musicales. Música popular interpretada por trovadores y juglares. Las notas se denominaban por medio de las primeras letras del alfabeto A, B, C, D, E, F y G (comenzando por A: la nota la). En el Renacimiento (XV-XVI): la música se populariza. Tocar un instrumento musical pasó de ser tarea propia de personas de baja condición socioeconómica, a refinado pasatiempo de las clases altas. Siglo XIX: Cambios: la burguesía demanda clases particulares, sobre todo de instrumentos. Pedagogos musicales crearon bases nuevas. Métodos de aprendizaje: Con la aparición de los métodos pedagógicos de la «Escuela Nueva» a principios del siglo XX se integró la música en la educación general. Nuevos modelos que se basan en: Una enseñanza-aprendizaje activa y adaptada a cada sujeto según el principio de libertad guiada. La vivencia de la música como experiencia estética, natural y social. Conceptos a partir de la propia experiencia. La técnica, que no es un fin en sí mismo, sino un medio. El uso de los juegos como vehículo de la educación. El desarrollo y estímulo de la(s) inteligencia(s) y la creatividad. *Jacques Dalcroze fue el primero en inaugurar estas nuevas maneras de entender la educación musical dentro de lo que se ha denominado escuela activa. Método Dalcroze: Coloca en el centro de interés al ser humano y su vivencia mediante la experiencia del ritmo. El cuerpo es el punto de unión entre el sonido y nuestros pensamientos, emociones y sentimientos. Los movimientos naturales del cuerpo están relacionados con el ritmo, la imaginación y la reflexión (Euritmia). Se desarrollan aptitudes auditivas y motrices, la memoria y la concentración, la creatividad y la espontaneidad, así como la relación del individuo con su entorno. Se combinan movimientos libres y espontáneos y otros pactados o guiados. Materiales auxiliares como pelotas, cintas, aros e instrumentos de pequeña percusión. Método Willems: La educación del oído es el primer paso para una buena educación musical. Relaciona el tipo de audición con las facetas esenciales del ser humano. La audición ha de ser una parte activa de la educación, y por ello el método invita a: oír/escuchar, reconocer/imitar y reproducir/inventar. La improvisación rítmica y melódica debe ser practicada a diario. Canciones. Son un elemento global, deben estar ordenadas gradualmente para desarrollar la práctica y la sensibilidad poco a poco, poseen los elementos esenciales de la música: ritmo, melodía y armonía. Tiempo. Se trabaja desde el ritmo corporal. Para ello se acompaña la música y se marca el ritmo con el balanceo de brazos, palmas, gestos, movimientos con el cuerpo, marchas, etc. Método Kódaly: Se basa en la educación del oído y en la educación de la voz antes de la práctica instrumental. Investiga el folclore en su búsqueda de la identidad musical. Percuten, marchan y cantan antes de interpretar con instrumentos. Introduce el canto gradualmente con la escala pentatónica que lleva a las canciones populares. Sílabas musicales. Método Orff: Su forma de enseñar y aprender música parte de los intereses naturales del niño: cantar, recitar, bailar y tocar instrumentos. Le da importancia a la improvisación y a la creación musical. Vocal. La palabra es un instrumento para desarrollar el ritmo. La mayoría de las melodías se basan en canciones infantiles. Instrumental. Principalmente instrumentos de pequeña percusión muy variados. Corporal. Cuerpo como instrumento musical con enormes posibilidades sonoras. Chasquidos, palmas, golpes, etc. Utiliza chasquidos de dedos, palmas, pitos y pisadas (precursor del body percution). Método Suzuki: Interés por la escucha. Niños que estaban expuestos a la música desde pequeños/as desarrollan mucho mejor y de forma más temprana sus aptitudes musicales. Principios: ✓ Educación personalizada. Cada niño/a es particular. ✓ Activa participación de los padres y madres. ✓ Desarrollo de capacidades expresivas, creativas y artísticas. ✓ Desarrollo de la personalidad del alumno/a. ✓ Metodología activa para interpretar el instrumento desde el comienzo. Tocar desde el principio. Es más importante la actividad que la teoría. ✓ Formación auditiva como punto de partida. El aprendizaje del instrumento es la imitación con sus variantes de repetición y variación. Que los niños/as aprendiesen las obras de memoria después de mucho repetir. Especial importancia a la interpretación en grupo. Método Schafer: Da experiencias en el que la importancia y el valor radica en el hecho de transitar a lo largo de la actividad musical y no tanto en el objeto de estudio. Enseñanza en un carácter práctico, activo, creador y dinámico. Y para ello, el alumnado debe comenzar escuchando el silencio y apreciarlo. Método Martenot: Importancia a la relajación y al control muscular. El método de relajación que utiliza es segmentario, es decir, las partes a relajar siguen un orden: 1. Brazos. 2. Antebrazos. 3. Manos. 4. Espalda. 5. Cabeza. 6. Piernas. 7. Dedos. 8. Busto. 9. Tronco. Método para favorecer la atención auditiva. Propone la educación del oído absoluto (poder reconocer las notas musicales y trasladarlas a un instrumento) y el uso del diapasón. Método Paynter: Experimentación y práctica de la música, como método para comprender y aprender música. Cuatro procedimientos que centralizan la práctica musical:1El sonido de la música. 2El concepto que transmite la música. 3Pensar y hacer música. 4El tiempo. Los cuatro procedimientos están conectados entre sí. Los niños descubren la música a través de las canciones, los juegos musicales, las danzas… desarrollando las siguientes capacidades: Memoria visual, auditiva, rítmica y motriz Atención y observación Gusto y sentido estético Educación sensorial Habilidades motrices: coordinación óculo-manual, precisión, habilidad y percepción global del cuerpo en movimientos Estructuración espaciotemporal Imaginación y creatividad Habilidades afectivas y sociales UC2 --- El sonido, ¿Qué es? Según la Real Academia Española de la Lengua, el sonido es la sensación producida en el órgano del oído por el movimiento vibratorio de los cuerpos, transmitido por un medio elástico como el aire. Requiere de al menos tres elementos para que exista: Un cuerpo elástico vibrante. Llamado cuerpo o fuente sonora. Un medio transmisor. Por ejemplo, el aire o un sólido, por el que viajen las ondas sonoras. Lo único que no transmite sonido es el vacío. Un receptor. Nuestro oído, un sonómetro, un afinador eléctrico… Para trabajar las cualidades del sonido, aprovecharemos el juego y la necesidad de experimentar del niño, dejando para más adelante las explicaciones teóricas. ✼ La materia prima de la música es el sonido. Los niños pequeños reconocen espontáneamente diferentes cualidades en el sonido. ✼ Los parámetros del sonido son propiedades físicas que permiten la discriminación auditiva de cualquier percepción sonora. * Las 4 cualidades del sonido son altura, intensidad, timbre y duración. Altura: Grave / Agudo Cuanto más alta sea la frecuencia, más aguda será la nota musical; cuanto más baja sea la frecuencia, más grave será la nota musical. Intensidad: Fuerte / Débil La intensidad con que un sonido llega a nuestro oído depende de la amplitud de las vibraciones y esta amplitud depende, a su vez, de la mayor o menor fuerza con que se ha producido. Un sonido fuerte produce una amplitud de onda sonora más amplia. Un sonido débil produce una onda sonora reducida. La intensidad puede ser fuerte o débil, permitiendo una gradación de intensidades que puede ir desde un sonido prácticamente imperceptible hasta el fortísimo. En términos coloquiales corresponde con el volumen sonoro. Timbre: Calidad del sonido Es la cualidad que hace diferenciar cada una de las voces y cada uno de los instrumentos. Cada cuerpo sonoro vibra de una forma distinta. Estas diferencias se dan por la naturaleza del cuerpo sonoro (madera, metal, etc.) y por la manera de manipularlos (golpeando, frotando, etc.). Duración: Corto / Largo Un sonido perdura mientras persisten las vibraciones. La duración es el tiempo que transcurre entre el principio y el final de la vibración. Cada instrumento musical posee sus propias posibilidades de duración del sonido. Ruido, ¿Qué es? Sonido inarticulado y desagradable. Es una de las grandes aportaciones a la música contemporánea. El ruido se produce por vibraciones irregulares, cuya forma de onda presenta bruscos altibajos y sin repetición. Silencio, ¿Qué es? La falta de ruido, pausa musical. Es el espacio entre un sonido que termina y otro que comienza. No existe el silencio absoluto, porque el cuerpo emite sonidos. El silencio no solo forma parte de la música, sino que es música. Desde muy pequeños/as es conveniente practicar con los/as niños/as el silencio, pues con ello se desarrollará la capacidad de atención y agudeza auditiva. Notas musicales y su tiempo: Figura: duración // La nota musical = duración + altura Redonda – 4 tiempos Blanca – 2 tiempos Negra – 1 tiempo Corchea – ½ tiempo Semicorchea – ¼ tiempo Fusa – 1/8 tiempo Semifusa – 1/16 tiempo Ritmo. Toda la música posee un ritmo constante. El pulso: es una unidad básica para medir el tiempo en la música. Divide el tiempo en partes iguales. El acento: algunas de estas pulsaciones pueden estar más acentuadas o marcadas en la música de manera regular. El compás: sistema de organización regular de los pulsos musicales. Comienza con la pulsación acentuada y abarca hasta el pulso anterior a la siguiente acentuación. ✿ El compás de 2/4 tiene dos tiempos, por lo que es denominado binario, y su tiempo acentuado, será el primero, como en todos los compases, salvo que un compositor diga lo contrario. ✿ El compás de 3/4 tiene tres tiempos o pulsos, se llama ternario y también se apoya en el primero de ellos. Como el vals. ✿ El compás de 4/4 tiene 4 tiempos, se llama cuaternario y como los anteriores también se apoya en el primero, si bien el tercero de los tiempos presenta habitualmente un pequeño apoyo. Como un tango. Creatividad: La creatividad supone: Crear nuevas combinaciones a partir de elementos conocidos Actuar de manera divergente y trasformadora Ver las situaciones desde diferentes perspectivas Improvisar Reconocer problemas y buscar soluciones Todos los niños pueden trabajar su creatividad a través de la música desde la escucha y desde la interpretación. La transversalidad en Educación musical: Los aprendizajes transversales nos permiten conectar contenidos curriculares de distintas áreas de conocimiento. A través de la educación musical no solo podemos trabajar otras áreas de conocimiento como la lengua, las matemáticas, etc., sino que también podemos y debemos trabajar contenidos transversales como la educación en valores, la cooperación, la integración... UC3 --- Selección de actividades Si las actividades conectan con los intereses aumenta la atención, la participación y la motivación. Debemos tener en cuenta: - La edad. - Las características del grupo. - El espacio. - El tiempo. - Los recursos con los que contamos. Debemos tener claros los objetivos que queremos conseguir y las capacidades a desarrollar. *Las actividades musicales deben tener un carácter: Globalizador: perspectiva integrada y diversa, conexión entre lenguajes expresivos y comunicativos. Lúdico: Conseguir el disfrute y contribuyendo a la vez al enriquecimiento personal. No castigar el error. Participativo: Para todos, utilizando diferentes tipos de agrupamientos. Significativo: Partiendo de lo conocido para llegar a lo que se ha de aprender. Fomentar la autonomía. Motivador: Actividades variadas, breves y que ayuden al alumnado a descubrir por sí mismo las cosas mediante la exploración y el descubrimiento autónomo. Atención a la diversidad: respondiendo a los diferentes intereses y niveles de los/as niños/as, teniendo en cuenta que cada uno tiene su ritmo de maduración, desarrollo y aprendizaje. Alumnado con necesidades especiales. *Características: Actividades lúdicas, participativas porque se realizan en parejas, grupo pequeño o gran grupo, globalizadoras, pues ponen en conexión los diferentes lenguajes expresivos y comunicativos, atienden a la diversidad, etc. *La labor del/ de la docente: Es él/ella el encargado/a de atender a las características del grupo, dedicar el tiempo necesario a cada actividad, secuenciar las actividades, globalizarlas con otras áreas de conocimiento, etc., contribuyendo así a la consecución de los objetivos propuestos. Selección de recursos y actividades: ✿ Actividades en el primer ciclo: Imitación, experimentación, exploración y juego; se combinarán las actividades con directrices por parte del/ de la maestro/a con actividades que fomenten la autonomía e iniciativa personal del alumno/a. ✿ Actividades en el segundo ciclo: Además de la imitación, la experimentación, la exploración y el juego, se aumenta la complejidad y variedad de las actividades, así como las posibilidades de producción y percepción musical, la interacción grupal y la autonomía personal. Diseño de actividades y recursos: Los recursos en educación musical son prácticamente inagotables. 1. La técnica vocal: La Educación Musical debe comenzar por el canto, ya que éste es la actividad básica y fundamental para desarrollar la audición y la afinación. A partir del descubrimiento de la propia voz, el alumno desarrollará la sensibilidad ante el hecho sonoro y la capacidad creativa. La voz es el primer instrumento que hay que desarrollar en el niño. Cantar suavemente y relajados. La voz y el ritmo son elementos formativos del oído. Las canciones nos permiten también trabajar hábitos. Habla vocalizada - Canto a una sola voz - Percusión corporal – Instrumentos *Contenidos a trabajar: ❀ Exploración e imitación sonora mediante la voz. ❀ Conocimiento y reconocimiento de voces diferentes, incluso la propia. ❀ El canto y la voz hablada. ❀ Canto individual y canto coral. ❀ El cuidado de la voz. Respirar bien. ❀ La respiración y la correcta emisión de la voz. ❀ Entonación y afinación melódica. ❀ Interpretación y expresión a través de la canción. ❀ Conocimiento de un repertorio de canciones ❀ Conocimiento de distintos estilos de canto. ❀ Desarrollo del gusto personal por un repertorio, el placer por el canto y la escucha de éste, la integración en el canto grupal y el respeto por el canto de los demás. * Para trabajar la voz hay que trabajar la respiración: Respirar adecuadamente permite cantar y vocalizar mejor 1. La canción: Comenzaremos las actividades acompañando una canción entrechocando las manos. *Elección de las canciones, acordes a las características psicoevolutivas de los niños/as: 1. Despertar su interés con temas vinculados a sus intereses. 2. Ser claras y con vocabulario ajustado a la edad. 3. Cortas y con ritmos sencillos. 4. Compases binario y ternario. 5. Melodía sencilla: tesitura apropiada, más o menos de do a do y que no contenga intervalos demasiado difíciles (dos notas juntas son más fáciles de entonar: Bra- sil). 6. Forma musical: canon (A-B-A). * Utilidad de las canciones: Descansar o relajar: con nanas, audiciones tranquilas, recibir y despedir a los alumnos, introducir un nuevo centro de interés, adquirir conocimientos y conceptos, pasar de una actividad a otra, disfrutar y jugar. * A través de las canciones podemos desarrollar: El lenguaje, la psicomotricidad, la relación interpersonal e inserción social: acoplamiento al ritmo del grupo, obedecer las órdenes del director, disfrutar con los compañeros, la memoria y la imaginación. * Metodologías: 1. Recita el texto realizando las aclaraciones que crea oportunas. Enseña la canción por frases en forma de eco. Finalmente, se unen las frases para ejecutar la canción en su totalidad 2. Para las canciones más sencillas, basta con recitar texto y cantar un par de veces la canción entera para que los/as niños/as puedan asimilarla. Enseñar las canciones a través de gestos, juegos o escenificación. * Cancionero: Debemos, como docentes, utilizar el repertorio popular y tradicional, las grandes canciones de la música clásica o músicas de otras culturas. El conde Olinos – Juan Hidalgo Montoya. 1. La Danza y la expresión cultural: Para Dalcroze, todo ritmo es movimiento y para Orff o Willens el movimiento también es fundamental en el desarrollo del sentido rítmico. La danza es un lenguaje artístico ancestral que existe en todas las épocas y en todas las culturas. No se deben trabajar coreografías complicadas, sino, utilizar movimientos naturales que el niño/a realiza de forma natural. El movimiento corporal, la expresión gestual y la danza. * A través del cuerpo como medio de expresión se puede trabajar: La creatividad: búsqueda de nuevos pasos. La expresión: gestos, sentimientos. La memoria: aprender los pasos, recordar la música. La atención: coordinación con los compañeros. Nociones espaciales: delante detrás, subir-bajar… Esquema corporal: equilibrio, lateralidad, coordinación visual y motriz… Nociones musicales: ritmo, pulso, acento, forma musical… La relación interpersonal e inserción social: trabajo en grupo. * Contenidos a trabajar: Expresión de sentimientos, ideas o conceptos a través del movimiento. Sincronización de los movimientos corporales con el ritmo, el carácter, la velocidad y la forma musical. Calidades de movimiento. Secuencias gestuales propias de las rondas, juegos y canciones tradicionales. Movimientos en el lugar o diferentes tipos de desplazamientos. Realizar danzas grupales y coreografías sencillas. LA DANZA: Adecuada a de la edad, la maduración y la preparación del niño/a. Niños de 0 a 3 años: Debemos potenciar la experimentación y la exploración. Seguir la música con la cabeza o con las manos. Trabajar las calidades del movimiento. Dar palmadas al ritmo de la música. A medida que van madurando: Bailar y saltar de la mano. Andar o realizar distintos tipos de desplazamientos siguiendo diferentes ritmos. Recurrir a movimientos inspirados en objetos o acciones para vivenciar distintos elementos rítmicos. Realizar diferentes movimientos o desplazamientos a partir de una música. En los últimos años de educación infantil, el desarrollo psicomotor del alumnado permitirá aumentar la complejidad de las actividades. No se esperan resultados acabados. Pueden aprender pequeños bailes o coreografías. Realizar actividades más complejas en parejas o en grupos. Pequeñas historias bailadas. * Recursos musicales para la danza y la expresión corporal: Música infantil, música de ballet, música contemporánea y música folclórica (en canciones tradicionales se suelen incluir gestos y coreografías tradicionales que vale la pena preservar mediante la transmisión al alumnado. En muchas ocasiones estos gestos estarán relacionados con la expresión del texto y ayudarán a la comprensión de las palabras.) 1. Los instrumentos musicales: El recurso más importante Además de la voz, antes de utilizar los instrumentos musicales, debemos utilizar el propio cuerpo. No requiere una coordinación perfecta, pero consiguen características tímbricas variadas. El cuerpo como instrumento permite trabajar la lectura rítmica, la improvisación, el acompañamiento de canciones, etc. Familias instrumentales: Instrumentos de cuerda: La vibración se genera en las cuerdas por pulsación (instrumentos de cuerda pulsada, como la guitarra), frotación (instrumentos de cuerda frotada por un arco, como el violín) y percusión (la cuerda se percute, como en el interior piano) Instrumentos de viento: El sonido es producido por la vibración de una columna de aire dentro de un tubo. En función del material con el que tradicionalmente se han construido estos instrumentos distinguimos dos familias: viento-madera y viento-metal. Dependiendo del tipo de soplo se clasifican en dos grupos: los instrumentos de soplo humano los de soplo mecánico. Instrumentos de percusión: El sonido se genera por la vibración del cuerpo del instrumento o una membrana. Se dividen en aquellos que producen un sonido determinado (afinado, que tiene unos armónicos ordenados) como el xilófono. Y los que producen un sonido indeterminado, como la pandereta o el tambor. Instrumentos eléctricos/ electrónicos: Producen su sonido a partir de circuitos eléctricos, amplificadores y otros dispositivos electrónicos. ❖ Instrumentos Orff: A finales del siglo XX los centros adaptaron la metodología instrumental del pedagogo Carl Orff. Se comenzaron a utilizar los llamados «instrumentos Orff»: crótalos, cascabeles, platillos, triángulos, maracas, gong, caja china, claves, castañuelas, temple block, timbales, pandero, tambor, bongós, láminas y la flauta de pico. De esta forma, la orquesta llega a los centros educativos y nuestros alumnos no estudian música, «hacen música». Orff eligió los instrumentos por su facilidad para ser tocados, su sonoridad, color y versatilidad para expresar ideas, despertando así la curiosidad de los alumnos por la producción del sonido. Instrumentación: *De percusión: Sonido determinado: Producen sonidos que se pueden representar con una altura determinada. Instrumentos de placas de madera (xilófono) o placas de metal (carrillones). Son de más difícil manejo. Sonido indeterminado: La altura no se puede representar. Por lo tanto, se representa con x en la cabeza de la nota o de en una sola línea de pentagrama. Instrumentos de metal (triangulo), membrana (tambor) y de madera (maracas) ❖ Instrumentos de fabricación propia: Ayudan al/a la niño/a a comprender el mecanismo y la técnica de los instrumentos, además de utilizar para su construcción materiales de reciclaje. 1. La audición musical: La escucha musical también se trabaja y educa. Lo más importante para la realización de audiciones musicales es la elección de las obras y la preparación del alumnado para realizarlas. El tiempo: audiciones breves, pues el/la niño/a tiene todavía poca capacidad de atención La diversidad: ofrecer diferentes estilos La variedad: en instrumentación, géneros, estilos… Adaptadas a los intereses de los/as niños/as: tener en cuenta sus gustos o preferencias Que sean sugerentes por su carácter descriptivo, expresivo… * Preparar la audición: primero explicar en qué consiste y qué se espera de ellos; qué cualidades, aspectos o elementos queremos observar. Aaron Copland estableció tres planos: 1. El plano sensorial: escuchar música por puro placer y disfrute. 2. El plano expresivo: aspectos descriptivos que la música nos sugiere. 3. El plano musical: ser consciente de los elementos musicales utilizados (melodía, ritmo, instrumentación…). 1. La dramatización: Reflejo mimético de la realidad, a través de la imitación de gestos, manera de hablar... Posibilidades: Sombras chinescas, que son útiles para confrontar la realidad de un objeto y su proyección, y para observar la manipulación de luz, espacio, cuerpo y silueta. Marionetas y títeres son elementos de fácil manejo, utilizándolos como elementos simbólicos para entender la realidad de cada niño o niña; además desarrollan la imaginación en el trabajo en equipo. Mimo, para acompañar con música o canciones, a través del gesto y sin utilizar palabras, la interpretación de lo cantado. El movimiento corporal utilizado de tal manera que sustituya el lenguaje verbal. El cuento musical: Resalta su valor como punto de encuentro el lenguaje literario y el musical, además de trabajar la expresión plástica y corporal. 4 tipos de cuentos: 1. Canciones de estructura narrativa o dialogada interpretadas con una puesta en escena: Se relatan los hechos que les suceden a determinados personajes. Pequeños cuentos con música fácilmente dramatizables a través del movimiento y el gesto. 2. Dramatización de obras o fragmentos musicales de carácter descriptivo: tiene como objetivo principal describir o representar cualquier acontecimiento. 3. Narración o lectura y dramatización de cuentos acompañados de diferentes sonidos (corporales, onomatopéyicos, producidos por instrumentos de fabricación propia). 4. Narración o lectura y dramatización de cuentos acompañados de instrumentos musicales que se identifican con personajes y situaciones: Es fundamental que la docente sorprenda a los niños mostrándoles en el aula diferentes grupos de instrumentos, que pueden manipular. Después se lee el cuento y se decide cual es el personaje que más se parece a cada instrumento. 1. El folclore: Conjunto de tradiciones, leyendas, creencias, costumbres, proverbios, etc., populares y mantenidos por la tradición. El folklore forma parte de los distintos pueblos y regiones y en cuanto a la música y danzas es rico y variado y conforma nuestra historia y nuestro patrimonio cultural. En la actualidad, el folklore es una ciencia, y reconstruye las culturas para llegar a un mejor conocimiento de la humanidad. El conocimiento permite a los niños comprender sus orígenes, formar parte de la comunidad y apreciar la riqueza artística que forma parte de su cultura. La música folclórica es el reflejo de la identidad cultural de un pueblo y un vehículo de comunicación entre diferentes culturas. Características: Funcionalidad: suele acompañar actividades cotidianas. Tradición: ha de ser transferido o transmitido de generación en generación y ha de seguir las normas y costumbres del pasado. Anonimato: de autor desconocido. Colectividad: cualquier persona puede introducir cambios y modificaciones. Normalmente se transmite de forma oral. Los elementos fundamentales que forman parte de la música tradicional son: bailes o danzas, instrumentos y canciones.