Guion Arte y Naturaleza 2024 PDF

**PRIMER GUION ARTE Y NATURALEZA\ 11 JULIO - 27 OCTUBRE 2024** **INTRODUCCIÓN (PARADA FRENTE A GEORGIA O'KEEFFE)** Buenos días a todos, mi nombre es \_\_\_\_\_ y os quiero dar la bienvenida a esta nueva exposición, Arte y Naturaleza. Un siglo de biomorfismo, que ha sido posible gracias a la colabo...

**PRIMER GUION ARTE Y NATURALEZA\ 11 JULIO - 27 OCTUBRE 2024** **INTRODUCCIÓN (PARADA FRENTE A GEORGIA O'KEEFFE)** Buenos días a todos, mi nombre es \_\_\_\_\_ y os quiero dar la bienvenida a esta nueva exposición, Arte y Naturaleza. Un siglo de biomorfismo, que ha sido posible gracias a la colaboración entre Fundación La Caixa y el Centro de Arte Georges Pompidou[^1^](#fn1){#fnref1.footnote-ref}. En esta muestra de aproximadamente 80 piezas, descubriremos cómo la naturaleza ha sido una constante fuente de inspiración para el mundo del arte. El título de la exposición recupera el término "**biomorfismo**", derivado del griego: *bi*os (vida) y *morphé* (forma), que se incorporó a la historiografía de las artes a mediados de los años 30 gracias al director del MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) Alfred Hamilton Barr Jr. El arte biomorfista se centra en el poder de la vida natural y utiliza formas orgánicas, formas de la biología. El recorrido está dividido en cuatro secciones temáticas y propone un recorrido por el arte del siglo XX e inicios del XXI, época en la que bajo la amenaza de crisis como la climática, ecológica y territorial, la naturaleza tal y como la conocemos está en peligro de desaparecer. A través de este recorrido, con artistas de la talla de Picasso, Kandinsky o Dalí, nos adentraremos en el universo de la naturaleza para reconsiderar nuestros vínculos con el mundo que nos rodea y del cual dependemos. 1. **METAMORFOSIS** Durante la década de 1930, el biomorfismo impregna el conjunto de la creación artística, tanto en Europa como más allá de sus fronteras. Esta tendencia, surgirá como una tercera vía entre el surrealismo y la abstracción y las obras asociadas a ellas presentarán formas curvadas y sencillas, aludiendo a estructuras orgánicas o a procesos naturales como el nombre de este primer ámbito: la metamorfosis. Así, el universo de los seres vivos se convierte en un repertorio de formas que los artistas usarán para crear todo tipo de representaciones y seres fantásticos. Nuestro recorrido comienza con la obra de la pintora estadounidense **Georgia O'Keeffe**, que va a introducir la abstracción utilizando el paisaje del lago George (Nueva York). Durante las estancias que pasaba en el campo junto al lago, pintó numerosos paisajes de las montañas cercanas y sus vistas. En esta obra titulada **Estría roja, amarilla y negra**, la artista representa una puesta de sol que ilumina el cielo, el lago y sus orillas. Si os fijáis, la luz se despliega en formas orgánicas, con una pincelada fluida que transmiten la sensación de unicidad de la naturaleza, todo está interconectado. **PARADA FRENTE A DALÍ Y HENRI LAURENS** También es importante que entendamos el contexto en el que viven los artistas, y la Gran Guerra será el suceso que marque un antes y un después. Tras el fin de la Primera Guerra Mundial, los artistas del grupo surrealista (que fue formado en 1924 en París, en torno a André Breton) muestran un fuerte rechazo hacia el pensamiento racionalista, al que atribuyen la culpa del conflicto, y reavivan el interés por el *Art Nouveau* y por la Filosofía de la naturaleza o la ***Naturphilosophie**:* un enfoque filosófico que surgió en el siglo XIX que proponía que la naturaleza no es simplemente un conjunto de objetos inertes a ser estudiados y clasificados, sino un ente vivo, dinámico y en constante evolución; hablaríamos de un organismo vivo en el que cada parte está interconectada. Esta visión influenció profundamente a los artistas y la metamorfosis aparecerá como símbolo de la constante transformación y evolución de la vida La clasificación en tres reinos (animal, vegetal y mineral) según la taxonomía moderna, especialmente tras la publicación de los trabajos de Darwin, es para ellos un contrasentido. El universo de los seres vivos constituye para estos artistas un gran repertorio de formas que combinarán mediante representaciones híbridas, en este caso, tenemos el ejemplo del **Asno podrido de Salvador Dalí**. ¿Qué formas encontráis en esta pintura? Fijaos en el título: asno podrido. El sentimiento de la muerte y la putrefacción han sido siempre una presente en la mente y en la obra del artista catalán, unas veces apenas sugerido y otras veces con cruel solemnidad. La fascinación por estos temas puede estar relacionado con algunas experiencias personales, incluyendo la muerte de su madre cuando él tenía 16 años (murió de un cáncer de mama) o que le pusieran el nombre de su hermano muerto (murió a los 2 años de una infección de estómago). Lo que parece casi el fantasma de un asno es uno de los símbolos a los que Dalí recurre con mayor frecuencia, ligado quizá a imágenes vistas en su primera infancia y que no borró de su mente. Este cuadro forma parte de una serie de obras, muchas de ellas realizadas en el verano de 1928, para las cuales Dalí había recogido en la playa de Cadaqués arena, grava, esponjas, trozos de cuerda y corchos que el mar había llevado a la orilla y que luego incorporará a sus cuadros. En la vitrina de la derecha encontramos esculturas de **Henri Laurens**, y veremos cómo claramente la metamorfosis implica un cambio, una transformación. Podemos observar y comentar las obras: **Mujer flor y Metamorfosis** (parece que hay una transformación a una sirena). Estas obras reflejan la idea de que todas las formas de vida están conectadas y son expresiones de un mismo principio vital. **PARADA FRENTE A JULIO GONZÁLEZ Y JEAN ARP** **Julio González** es uno de los pioneros de la escultura contemporánea en hierro, en esta escultura titulada **Hombre Cactus II**, ha fusionado elementos del mundo animal y el vegetal, que en la naturaleza no hibridan. Como veis, volvemos a esa idea de la relación entre el hombre y la naturaleza, esa conexión que acaba siendo un organismo global. ¿Qué formas comparten un ser humano y un cactus? Las formas redondeadas de nuestro cuerpo y de las hojas y las formas puntiagudas del cactus y de los pelos pueden compartir similitudes. Por otro lado, ¿qué propiedades o capacidades ganaría un hombre que fuese medio cactus? El cactus es una planta muy resistente a las inclemencias del tiempo ya que puede sobrevivir con poca agua, y tiene su propio mecanismo de defensa: sus pinchos. Esta obra es una metáfora de la resistencia de los agricultores y los campesinos durante la Guerra Civil española. González creó esta pieza cuando Barcelona (su ciudad natal) había sido derrotada por el ejército franquista y está inspirada en los *Nkisi* africanos (los "hombres clavo") del Congo, fetiches protectores que se utilizaban contra la brujería. Es interesante mencionar que esa idea de figura invencible, esa especie de super hombre, ha sido una constante en la historia: los genios de la antigua Mesopotamia o los centauros y minotauros en la mitología clásica entre otros. Desde una perspectiva más abstracta, el artista **Jean Arp**, encuentra su inspiración en las ramas rotas, las raíces, las hierbas o las piedras recogidas a la orilla del mar. A partir de 1929, instalado en París, empieza un intenso periodo de actividad donde retoma la escultura de talla completa, sobre todo en yeso, y realiza una serie de obras que titulará **Concreciones**, en alusión al proceso natural de formación mineral. Estas esculturas biomorfas lisas, ni figurativas ni del todo abstractas, con formas sencillas y curvadas, van adquiriendo apariencias antropomórficas, (intuimos las redondeces del cuerpo humano) o minerales (los relieves de una roca). Así, vemos como Jean Arp asimila las redondeces del cuerpo a las curvas lisas de los guijarros, y justo al lado, vemos cómo el artista plástico dadá **Raoul Hausmann** fotografía desnudos minerales y sensuales tendidos sobre la arena. **OPCIONAL**: Hausmann huía del verano asfixiante de Berlín y disfrutaba de largas estancias en pequeños pueblos de la costa. Iba acompañado de su esposa y de su amante, con las que convive en un triángulo amoroso. Durante sus paseos, fotografía los paisajes con sus playas, la espuma del mar o las dunas ondulantes. Sus desnudos son una continuación de esa iconografía. Vemos como los cuerpos de sus amantes y modelos se establecen como parte del entorno mineral: el ser humano ya no domina la naturaleza, sino que se confunde con ella. **PARADA FRENTE A OBRAS DE PICASSO** Esas formas curvas y redondeadas las vemos claramente en las siguientes obras de Picasso. Aquí, encontramos las llamadas **Mujer desnuda recostada**. Una de ellas forma parte de una serie en la que la obra principal fue subastada por Sotheby's en Nueva York por 67,54 millones de dólares. En esta pieza, muy similar a la que estamos viendo, retrataba desnuda a su musa Marie-Therèse Walter, modelo francesa y pareja de Picasso durante 8 años. La mujer recostada se está convirtiendo en una flor, jugando con esas formas curvas de la naturaleza que en el cuerpo también transmiten la sensualidad. El siguiente desnudo, coronado por un cielo estrellado se dice que puede ser una celebración del encuentro con Dora Maar, con quien Picasso inició un largo romance en el verano de 1936. Lo que más llama la atención es el esquema cromático que, con los estridentes verdes brillantes, amarillos limón y lima, contrastan con el púrpura de la alfombra arabesca y la masa blanca de la cama y el cielo negro. Este Desnudo-estrellado (antiguo título de esta obra) es del principio del ciclo amoroso con esta artista. ¿Qué tipo de metamorfosis podemos ver aquí? Al igual que hicieron otros artistas como es el caso de Alberto Giacometti, mezclan la forma de la mujer con lo que parece una mantis religiosa (durante el apareamiento la hembra devora la cabeza del macho). Con esta representación se pretende transmitir a partes iguales la admiración, pero también el miedo que les causa el poder que ejerce sobre ellos la figura de la mujer. En el caso de la obra que tenemos justo al lado, **Mujer con sombrero de Pablo Picasso**, vemos un retrato a Olga Jojlova, esposa de Picasso y bailarina del Imperio Ruso. En este caso vemos esa hibridación con elementos de la naturaleza: una montaña, un tallo, unos pétalos... **PARADA JUNTO A YVES TANGUY Y MAX ERNST** Siguiendo nuestro recorrido nos encontraremos con obras como **El palacio de las rocas con ventanas de Yves Tanguy**. El título del cuadro procede de la influencia de las montañas de la cordilla del Atlas del noroeste de África, y es que, en la década de 1930, durante un viaje a África, Tanguy quedó prendado de la belleza de sus formaciones rocosas y de sus puestas de sol. Tanguy empezó a pintar sin tener ni idea tras ver un cuadro de Giorgio de Chirico. También podemos ver la influencia de los vastos paisajes de Cadaqués de Dalí o las formas orgánicas y bailantes de Miró. Tanguy fue un surrealista autodidacta que supo absorber los estilos de sus colegas consiguiendo un estilo propio y fascinante. En su obra destacará la representación de espacios oníricos, siendo habitual ver el cielo en la parte superior y en la parte inferior estas arquitecturas entre lo geológico y lo mecánico, entre lo orgánico y lo inerte, que arrojan largas sombras proyectadas hacia atrás. También podemos ver **Día de lentitud**. En este paisaje de ciencia ficción aparecen formas vegetales, animales y referencias al mundo mineral, incluso, algunos seres que pueden parecer artificiales o robóticos. En estas obras será interesante no tratar de resolver los mensajes, ya que hablan de los recuerdos y los sueños del autor, quizás provoquen algún pensamiento o recuerdo en el espectador. En definitiva, su obra es surrealismo puro y nunca renunció a él, por ello, huyó en cuanto vio que la amenaza nazi iba a conquistar el país. Sabía que su arte no iba a ser bienvenido por los alemanes. Se exilió y viajó a Estados Unidos donde falleció a los 55 años de edad. Cerca de Día de lentitud nos encontramos con la obra de **Max Ernst**. A mediados de los años 30 este artista alemán (nacionalizado francés) realizó una docena de obras centradas en el tema de los planeadores encallados en enigmáticos lugares desérticos. En este lienzo, dos compartimentos vacíos situados en un espacio celeste, acogen los armazones destripados de unos artefactos voladores imaginarios que son engullidos por unas plantas de colores muy vivos, que recuerdan a órganos animales o humanos. Es la representación de extrañas plantas carnívoras, seres vegetales, pero de apetito animal. A Ernst le fascinan las flores carnívoras y las técnicas depredadoras de las criaturas voladoras. Este **Jardín traga-aviones**, presenta un vínculo, cargado de angustia, con el contexto europeo del auge de los fascismos: presenta el avión (aparato asociado a la muerte y destrucción debido a la Primera Guerra Mundial) siendo presa de las plantas vengadoras. Los aviones pierden su potencial asesino y se convierten en simples figuritas de papel devoradas por vegetales orgánicos. 2. **MIMETISMO (FRENTE A FOTOGRAFÍAS DE ALBERT RENGER-PATZSCH)** En el siglo XIX, la investigación biológica experimentó avances considerables: surgieron nuevas disciplinas (biología marina, microbiología, genética); Darwin desarrolló la teoría de la evolución y se perfeccionaron las técnicas de observación. Influidos por estos logros, los artistas del siglo XX se dedicaron a examinar la naturaleza, que se convirtió en un modelo del que reproducen las formas, texturas y movimientos. Algunos fotógrafos como es el caso del alemán Albert Renger-Patzsch, observan la naturaleza con un rigor científico para destacar sus formas o materias. Como veis en estas fotografías, captura plantas en primer plano sobre fondos lisos, aislando algunos detalles para que "se vea con ojos de insecto" y así podamos ver su estructura y su textura. Esta corriente no solo la veremos en pintura, también en diferentes manifestaciones artísticas, como la danza (video de **Danza serpentina** inspirado en la bailarina Loie Fuller) o la escultura. En cuanto a escultura nos encontramos con la obra **Cuatro hojas y tres pétalos** de **Alexander Calder**, quien trabaja con móviles, obras abstractas compuestas de alambre y chapa metálica que se mueven mediante un motor, el viento o la interacción humana. A principios de la Segunda Guerra Mundial el arquitecto Oscar Nitzchke invitó al artista a realizar varias esculturas para decorar el hábitat de los felinos africanos en el zoo del Bronx. Clader creó cinco maquetas para este proyecto (que no llegará a realizarse) de las que forma parte esta pieza. **PARADA FRENTE A MUEBLES** Si seguimos nuestro recorrido encontraremos la influencia de las formas de la naturaleza en mobiliario. Una de las piezas que destacan es la ***mesa Gingko*** de **Ross Lovegrove**. Este diseñador concibe sus creaciones desde una perspectiva medioambiental. Gracias a una serie de técnicas digitales realiza un proceso de fabricación inspirado en los seres vivos. Esta mesa está realizada en fibra de carbono, material robusto y ligero. En el diseño vemos las hojas del árbol Gingko, uno de los más antiguos del mundo. Inspirada en las plantas, la **lámpara Bloom** de **Patrick Jouin** está fabricada con tecnología de impresión 3D. Florece como una flor para modular la intensidad de la luz emitida. Todo el objeto está fabricado en una sola pieza, incluidas bisagras y correderas. También cuenta con una base de resina moldeada y un tubo de vidrio alrededor de la fuente halógena. Una de las piezas destacadas es esta **silla Paimio** de **Alvar Aalto**, uno de los arquitectos y diseñadores más destacados del siglo XX. Estas sillas eran parte del mobiliario diseñado para el edificio del Sanatorio de tuberculosis de Paimio. Vemos cómo utiliza la madera porque este material presentaba características más convenientes para un sanatorio; la madera es de menor tramitación térmica que el acero, no genera reflejos y absorbe el ruido, en lugar de contribuir a su propagación. La lámina curvada es de madera de abedul, que genera el asiento y el respaldo. La curvatura de la silla responde a una búsqueda por facilitar la respiración del enfermo, así que estamos ante un mueble para el descanso y la sanación. Justo al lado hay una obra que os llamará la atención ¿a qué os recuerda? Se titula **Chrysalis** e investiga la autoorganización de células similares a la de los percebes en una superficie. Las células se desplazan y se deslizan por la superficie mientras intentan encontrar un estado de empaquetamiento más equilibrado. Cada célula se compone de dos partes: una superficie exterior en forma de cono hecha de chapa de cerezo y una placa interior hecha de chapa de álamo. **Andrew Kudless** realizó un plano que después fabricó digitalmente y finalmente es ensamblado a mano. La pieza final se cuelga del techo para permitir el movimiento y diferentes efectos de luz. **PARADA JUNTO A VIDEO DE GUSANOS MARINOS Y KANDINSKY** Además de hablar del rigor científico con el que se empiezan a tomar algunas fotografías, también es muy relevante hablar del mundo marino, que en esta época será de mucho interés. Un ejemplo son las imágenes de François Kollar, con langostas o gambas en composiciones donde juega con luces y sombras. Además, a comienzos del siglo XX, el éxito de películas de divulgación científica como **Los gusanos marinos** o el perfeccionamiento de las técnicas de captación de imágenes bajo el agua, hizo que aumentase la fascinación por el mundo oceánico. Además, tenemos que sumar en estas mismas fechas el desarrollo del primer microscopio electrónico, avance revolucionario que permitió una ampliación y una resolución mayores, haciendo posible una mayor investigación de la vida microscópica. Kandinsky se apasiona por las ciencias naturales e introduce en sus lienzos formas orgánicas extraídas de los tratados de biología, como figuras embrionarias o células. Esta vida unicelular mezclada con la abstracción son algunos de los motivos que aparecerán en los lienzos de Joan Miró y, cuando **Kandinsky** las descubra en 1934, recién llegado a París, le servirán de inspiración durante sus últimos años. Un buen ejemplo es la obra **Azul cielo**. Vemos varias formas orgánicas multicolores, parecidas a animalillos mágicos y que aparecen suspendidos en un espacio atmosférico de color azul (es como si viésemos una gota de agua en el microscopio). Esta pintura evoca las lecturas del artista, que se interesa sobre todo por las obras científicas de la evolución de la vida. **PARADA JUNTO A DUBUFFET Y ALBERTO MAGNELLI** Mientras continuamos podemos invitar al público a que echen un vistazo a los trazos abstractos de la obra **La Gigue irlandaise**, que les recordarán a esas formas que podríamos estar viendo a través de un microscopio. Pueden analizarla e ir diciendo qué figuras ve cada uno. Esta pintura es obra de **Jean Dubuffet**, conocido por ser el fundador del movimiento Art Brut (arte hecho por personas ajenas al mundo artístico, sin formación académica y libre de preocupaciones intelectuales. Hablaríamos por ejemplo de los pacientes mentales, culturas primitivas o niños). El Jig es un tipo de danza de origen inglés y ha estado en irlanda desde el siglo XVII, así que estaríamos viendo una escena animada y colorida, una danza popular. Justo al lado se alza **Piedra nº1 sobre fondo azul**. Alberto Magnelli se exilió en Francia en 1931 huyendo del fascismo, y en ese momento empieza una serie de obras en torno a las piedras. Esta temática surge con motivo de un viaje a Carrara que el artista había hecho antes de abandonar Italia y en el que quedará fascinado por las famosas canteras de mármol que visita. Cuando llega a París, bajo la influencia del surrealismo y de la abstracción, pinta obras donde las protagonistas son estas figuras minerales. Lo que estamos viendo serían bloques de mármol bruto que crean dos formas con rasgos antropomorfos. **PARADA FRENTE A VIDEO DE OSOS** Hacia el final del ámbito, encontramos otra manera de ver este mimetismo, en este caso, en un video de la bailarina **Simone Forti** en el que recrea un repertorio de movimientos surgidos de su observación del comportamiento de animales en cautividad, que estudió en diversos zoos neoyorquinos. En un lado veremos el vídeo Tres osos grises, que muestra a tres osos apretujados en una pequeña jaula, dando vueltas sobre sí mismos o reaccionando ante la presencia del público. Su actitud, marcada por el encarcelamiento, expresa al mismo tiempo desesperación y una lucha vital contra la ausencia de libertad. A continuación, la artista reproduce los desplazamientos de los animales. Al imitar las estructuras de la motricidad animal, Forti pretende romper la barrera del zoo, que separa a los humanos de los osos que han sido convertidos en meros objetos de contemplación. ¿Qué sentís al ver esto? La bailarina intenta provocar empatía hacia ellos, mostrando la universalidad de las emociones. 3. **CREACIÓN (PARADA FRENTE A KUPKA)** Hacia la década de 1910 surge la abstracción y aunque estos artistas siguen inspirándose en el mundo orgánico, ya no se contentan con reproducir su apariencia exterior, sino que tratan de imitar sus principios creadores. A partir de 1919, tras la Primera Guerra Mundial, **František Kupka** realiza una serie de lienzos centrados en el modo de reproducción de las flores. La serie de obras **Cuento de pistilos y estambres**, de la que estamos viendo la nº 1, retrata unas siluetas orgánicas multiplicadas, de vivos colores amarillos y anaranjados y que conducen hacia un centro nebuloso y azul. Como nos dice el título, esta composición abstracta se inspira en los mecanismos de reproducción que se dan en la naturaleza, concretamente, en el modo de procreación de las flores. Esta fecundación floral, se explica en cada una de sus etapas a través de un encadenamiento secuencial de las formas. En este ámbito veremos estructuras con formas muy interesantes. Siguiendo con el paralelismo entre arte y seres vivos, surgirán movimientos artísticos durante la década de los 60 en los que se empleará la naturaleza como materia de creación. Un ejemplo es el Arte Povera, que surgió como reacción a la sociedad industrial y consumista y en la que los artistas trabajaban con elementos procedentes de la naturaleza, que mantienen su estado primigenio y natural. **PARADA FRENTE A PENONE, GRAINDORGE Y JOSEPH WALSH** **Pino Pascali** compone un tondo con plumas de pavo en **Las plumas de Esopo**, evocando el origen animal de la escritura (Esopo fue un escritor griego famoso por sus fábulas). Y **Giuseppe Penone** revela en sus esculturas el árbol oculto en las vigas industriales de madera, remontándose así al origen vegetal del material. A principios de la década de los 70, Penone inicia una serie de obras con el sobrio título de **Albero** (Árbol), en la que continúa trabajando hoy en día. A partir de un bloque liso y rectangular, parcialmente intacto, el artista esculpe la forma surgida a medias de un joven arbusto, que parece emerger del material de forma natural. Para el artista es importante mostrar los anillos de crecimiento para presentar la planta en su juventud. Considera extraordinario reencontrar la forma que algo podía tener en un momento concreto de su crecimiento. Los anillos revelan la vida presente en el corazón de la materia en apariencia inerte. Hoy en día, esa naturalidad de los objetos de madera interesa a diseñadores contemporáneos como Benjamin Graindorge o Joseph Walsh. En cuanto al diseñador francés **Benjamin Graindorge**, continúa la exploración de ese diálogo entre la producción industrial y las formas vegetales. En la exposición podemos ver el **banco Árbol caído**, que se compone de un asiento formado por tres tablas de roble que se despliegan en su extremo izquierdo en ramas de árbol naturales. Las ramas no sirven sólo para decorar, también hacen sirven de pata izquierda del banco, apoyado, en el otro extremo, sobre un adoquín de vidrio borosilicatado (un tipo de vidrio con óxidos de silicio y boro), material sólido y translúcido. El autor transmite que quiere poner el foco en la fibra que compone el banco, para mostrar su identidad primigenia: una naturaleza fuerte y magnífica. Este mueble poético hace visibles los orígenes del banco: un árbol caído cuyo tronco en horizontal ofrece un asiento. Por su parte, el diseñador irlandés **Joseph Walsh** explora la tradición del *arts and crafts* para concebir sus muebles, vemos que se inspira en las formas y en las fuerzas de la naturaleza, como es el caso de la **repisa Enignum XV**. Así, el biomorfismo sigue presente como una fuente de renovación en el diseño. El nombre de Enignum viene de las palabras latinas Enigma (misterio) y Lignum (madera), la serie de Enignum expresa el misterio de la forma que yace dentro del material. Cada composición se crea manipulando y reconstruyendo finas capas de madera de fresno o nogal. **PARADA JUNTO A DEACON O EVA FÁBREGAS** Estas dos obras proceden de la colección de Fundación la Caixa. **Richard Deacon** se considera un fabricante de objetos más que un escultor. Fabrica sus obras siguiendo un proceso de repetición de las acciones, como si fuese una cadena de montaje. Emplea materiales de construcción, como las planchas de hojalata o madera laminada. Podemos apreciar las capas de madera y no disimula las uniones entre las piezas, de hecho, estas uniones son las protagonistas, así el espectador no puede obviar el esfuerzo que ha realizado el artista y sitúa la mano de obra en un primer plano. Por otro lado, lo que caracteriza a Richard Deacon es la primacía de la curva sobre el ángulo, que lo destierra de sus esculturas. Retuerce los materiales y los enrolla hasta crear una figura sinuosa de formas orgánicas y en las que el espectador participa, ya que se ve obligado a rodear la obra y verla desde todos sus ángulos. La otra pieza es de la española **Eva Fábregas**, quien suele hacer instalaciones de gran formato utilizando materiales blandos o hinchables, y a menudo evocando formas blandas y orgánicas. En este caso ha creado una escultura diseñada con moldes ampliados de las orejas de dos personas y que se entrelazan entre sí. **PARADA FRENTE A VITRINAS DE BIOTHING** La investigación arquitectónica contemporánea se inspira en gran medida en el mundo de los seres vivos, estudiados no tanto como un modelo visual, sino por su funcionamiento (podemos poner como ejemplo CaixaForum Zaragoza y la comparación con el árbol). La arquitecta y diseñadora **Alisa Andrasek**, pertenece a una generación que trabaja siguiendo la estela de la revolución digital. En 2001 funda el laboratorio **BIOTHING**, donde jóvenes investigadores emplean el potencial de las herramientas informáticas para crear obras experimentales que actúen como organismos biológicos. Utilizando algoritmos y códigos se crean arquitecturas orgánicas y complejas utilizando el diseño computacional y la fabricación digital. Una de las piezas que podemos ver en las vitrinas es **Investigación mediante Agentware**. El proyecto se inspira en procesos biológicos y naturales como el crecimiento de las células, la formación de patrones en la naturaleza y la evolución de sistemas biológicos. Al replicar estos procesos en un entorno digital, se exploran nuevas formas de diseño que son orgánicas y adaptativas al entorno. Los resultados de estos diseños pueden aplicarse a diversas áreas de la arquitectura y el diseño urbano. Por ejemplo, pueden utilizarse para crear fachadas de edificios que se adapten a las condiciones ambientales, diseñar espacios interiores que promuevan la interacción social y la comodidad, o desarrollar estructuras urbanas que respondan a las necesidades de la comunidad. **OPCIONAL: PARADA CERCA DE PIEZAS DE NERI OXMAN** Alisa Andrasek está asentada en Londres, y en Estados Unidos encontramos a **Neri Oxman**, quien desde hace muchos años investiga en torno a la impresión en 3D de biomateriales. Ha llegado incluso a imprimir en 3D usando melanina, el pigmento natural de la piel, combinada con otros biomateriales a fin de desarrollar un material innovador para la arquitectura, capaz de reaccionar a las condiciones medioambientales de luz, temperatura, etc. (obra Totem que no tenemos en la exposición). Esta arquitecta e investigadora del MIT, es una de las primeras diseñadoras que ha desarrollado de manera experimental las tecnologías de la impresión 3D en interacción con la naturaleza. Aquí vemos la obra **Stalasso**, basada en la sucesión Fibonacci. Terminamos este ámbito con el artista neerlandés **Willem de Rooij**, quien trabaja en una serie llamada **Bouquet** (Ramo), primero junto a Jeroen de Rijke y después en solitario tras su muerte. La quincena de obras realizadas hasta ahora están compuestas por un jarrón de flores colocado sobre un pedestal y acompañado de una descripción precisa de las plantas empleadas y, en algunos casos, de un texto extraído de un periódico o escrito por los artistas sobre un determinado tipo de violencia política (racismo, terrorismo, guerra...). **PARADA FRENTE A RAMO** El ramo está creado por un o una florista, que lo compone siguiendo las instrucciones que le han dado. Los arreglos florales pueden exhibir formas o colores diversos. Esta tercera versión de los Bouquets, especialmente exuberante, se creó con ocasión de la XIV Bienal de Sídney y está compuesta por flores de banksia (una planta silvestre que crece en Australia) rojas y amarillas. El texto asociado describe el discurso pronunciado por un comandante en un campo militar neerlandés de Irak, en el que afirma combatir por la libertad. El jarrón estriado y los tallos que se despliegan en horizontal evocan la bandera nacional de los Países Bajos. Al asociar la participación holandesa en esta segunda guerra del Golfo con este ramo efímero, los artistas lo convierten en un símbolo de las promesas vanas, que acaban siendo puramente decorativas. 4. **AMENAZA (PARADA FRENTE A CRISÁLIDA)** La crítica a los estragos medioambientales causados por las innovaciones técnicas surge con los inicios de la modernidad industrial. Pero será a partir de los años 50 cuando los efectos de la polución se aceleren de un modo considerable, principalmente, por el aumento de la producción durante el período tras la Segunda Guerra Mundial. Tras el drástico incremento de las emisiones mundiales de CO~2,~ la naturaleza y los seres vivos se ven más amenazados que nunca, y esos riesgos alcanzan también al ser humano, sacudido por el cambio climático o por las mutaciones de los virus. A lo largo de cuatro décadas, el artista japonés **Tetsumi Kudo** exploró la experiencia humana y cuestionó el consumismo excesivo y el auge de la tecnología. Su visión del mundo se formó desde una edad temprana por la destrucción de la Segunda Guerra Mundial y quedó profundamente marcado por la catástrofe de Hiroshima. Se estableció en París en los años 60 y su obra aborda temas como el colonialismo, el racismo, la cohesión social y la degradación medioambiental a través de esculturas biomórficas y ensamblajes que incorporan materiales encontrados. Su obra refleja su creencia de que los valores éticos se han vuelto intercambiables como los bienes de consumo y plasma una visión pesimista del mundo, caracterizada por lo que él denomina una "nueva ecología" en la que el ser humano se mezcla con la tecnología y la polución. En su trabajo, plasma una visión pesimista del mundo caracterizada por lo que él llama "nueva ecología", donde el ser humano se mezcla con la tecnología y la polución. En su obra **Su retrato-crisálida en el capullo** (cuyo título sarcástico se dirige directamente al espectador), un capullo de guata plastificada encierra un rostro humano hecho pedazos y un enorme cerebro biónico conectado a unos cables eléctricos. El interior verdoso evoca un entorno contaminado y tóxico, la cáscara ya no ofrece ninguna protección, sino que alberga una angustiosa metamorfosis del ser humano en monstruo cibernético. También encontramos la obra de **Cristiana de Marchi**, artista visual y escritora italo-libanesa que actualmente trabaja en Dubai. En la exposición anual de arte contemporáneo de Arabia Saudí llamada 21,39 Jeddah Arts, se ha tratado la cuestión de la emergencia climática mundial a través de diferentes obras de varios artistas. Esta artista presentó dos obras, una de ellas llamada Black (The Aarhus Convention) en la que traduce a braille artículos relacionados con el derecho del público a la información en torno a la emergencia climática, surgiendo la ceguera colectiva que perdura a pesar de un mayor conocimiento. En la otra, que nosotros podemos ver aquí y que se titula **Sellos conmemorativos. Justicia medioambiental**, hay una serie de cartas con sellos fabricados, cada uno de los cuales señala una emergencia medioambiental, catástrofe o desastre natural ocurrido desde la Convención sobre el Cambio Climático de 1992. Los sellos se han utilizado después para "franquear" de manera ficticia una serie de 50 cartas, dirigidas a los representantes de los principales ministerios e instituciones de medio ambiente de todo el mundo. Estas cartas representan la circulación y el diálogo entre la base pública y el poder. Sin embargo, permanecen sin enviar, sugiriendo el mutismo y la imposibilidad de intercambio de información. Sugiere que este es el modo de comunicación defectuoso que impide que se avance o que el poder circule de una manera que pueda promulgar cualquier cambio tangible. **PARADA JUNTO A TOTEM Y SALA DE MURCIÉLAGOS** Finalmente, os invito a que entréis a esta sala a ver la obra **Éxodo de Jeremy Deller**, que de manera involuntaria nos recuerda a una transmisión infecciosa. El artista inglés realiza esta instalación audiovisual en el año 2012 después de un viaje a Texas. Cada día al atardecer grababa la salida de un enjambre de murciélagos en una gruta. El recurso del vídeo en 3D conectado a un dispositivo sonoro que difunde los ultrasonidos estridentes de los murciélagos, genera una angustiosa sensación de bullicio. Por otro lado, el artista queda impresionado por la capacidad de estos mamíferos para vivir en comunidad y su habilidad para comunicarse entre ellos. Muy lejos del imaginario negativo al que suele asociarse este animal (el vampiro nocturno transmisor de enfermedades), el murciélago aparece como un modelo de solidaridad colectiva, fuente potencial de inspiración para el ser humano en épocas difíciles. \*Durante el recorrido también podremos interactuar con algunas pantallas digitales. Por ejemplo, en el final hay una pantalla donde podemos invitar al público a que haga una encuesta relacionada con la crisis medioambiental. ::: {.section.footnotes} ------------------------------------------------------------------------ 1. ::: {#fn1} El Pompidou cerrará tras los Juegos Olímpicos hasta el año 2030, por lo que es una buena oportunidad de ver obras procedentes de este museo.[↩](#fnref1){.footnote-back} ::: :::