El Renacimiento Italiano y su Influencia

TEMA 60: EL RENACIMIENTO ITALIANO Y SU INFLUENCIA. ================================================== Nos centraremos mayoritariamente en los siglos XV y XVI, donde se produce un giro total en la cultura y en el arte europeo, sin embargo este giro vienen dado por un contexto de cambios en diferente...

TEMA 60: EL RENACIMIENTO ITALIANO Y SU INFLUENCIA. ================================================== Nos centraremos mayoritariamente en los siglos XV y XVI, donde se produce un giro total en la cultura y en el arte europeo, sin embargo este giro vienen dado por un contexto de cambios en diferentes ámbitos como el político, económico y social. En cuanto a la [Economía], se produce el desarrollo de las técnicas comerciales, a lo que se le suma la apertura del Mediterráneo tras las cruzadas y esto hace promover la economía monetaria, con el uso de las monedas en las relaciones feudales. Nace así una sociedad de mercado regida por el mercantilismo, que basaba la riqueza en la acumulación de monedad y metales preciosos. Dentro de esta sociedad mercantilista, asciende una clase social por encima de las demás como es la *Burguesía.* Con respecto a la [Sociedad], la burguesía mercantil e industrial es la más poderosa. Es una sociedad nueva, laica, que ha olvidado la fe e ilusión de anteriores generaciones capaces de levantar grandes catedrales. En cuanto a la [Política], nace la idea del Estado que en cierta parte tiene mucha similitud al que conocemos hoy día, pero existe una clara diferencia entre este nuevo Estado Unificado frente a la fragmentación del mismo en época feudal. Este nuevo enfoque político tiene un propulsor teórico: Maquiavelo, y su libro *El Príncipe*. - *¿Qué es el Renacimiento?* Es un fenómeno cultural nacido en Italia, que renueva el espíritu y las artes medievales revalorizando la Antigüedad clásica, sus ideales y formas*.* En Italia, el Renacimiento comenzó en el siglo XIII, debido a que el gótico no tuvo mucho desarrollo aquí. Y esta gestación se basa en una nueva mentalidad y un nuevo espíritu. - *¿Cuáles son sus características esenciales?* Los dos rasgos esenciales de este movimiento son la imitación de las formas clásicas, sobre todo de la antigua Grecia y Roma, y la intensa preocupación por la vida profana, lo que nos hace ver un creciente interés por el humanismo y los valores del individuo. Otras características serían: Qué estamos en la época de los grandes descubrimientos, de novedosos avances científicos y que es la época donde se lleva a cabo la Reforma y Contrarreforma. [Cronológicamente], este estilo artístico se manifiesta aproximadamente desde 1400 hasta 1600, aunque según el país que estudiemos, habrá variaciones ostensibles de fechas, ya que en Italia nacerá un tiempo antes que en los demás países europeos. I.- EL RENACIMIENTO ITALIANO ============================ CARACTERÍSTICAS GENERALES ------------------------- 1. *[Orígenes italianos]*: El recuerdo del mundo clásico no llega a extinguirse en el occidente de Europa durante la Edad Media, y menos en Italia, la cuna de la civilización romana. La parte de Italia donde este fervor por lo romano adquiere un ímpetu más temprano será la Toscana, sobre todo en la ciudad estado de Florencia. Y es que desde los inicios de la edad moderna se vive en el territorio Italiano un amor por lo clásico, donde los artistas de este momento piensan que en sus obras renacen aquellas ruinas romanas que contemplan en dicho territorio. Pero eso si lo hacen desde la reinterpretación, no es una copia, ya que lo dotan con la personalidad y filosofía propia del autor renacentista Este proceso de supervivencia clásica no es exclusivo de Italia, ya que este gusto por lo clásico se extenderá por el resto de Europa y más tarde hacia América. Pero no por ello se trata de un arte uniforme, pues surgen peculiaridades y matices locales, en función del lugar donde se encuentre. La gestación de este nuevo estilo artístico comienza en fecha temprana. En Italia en los años finales del siglo XIV, lo que se conoce como Trecento. Continúa en la centuria siguiente, siglo XV (Quattrocento, en Florencia, que es conocido como el Primer Renacimiento); de esta etapa experimental se da paso al siglo XVI o Cinquecento, el momento del Pleno Renacimiento (Roma será la capital de este periodo). Esta cronología no será común para todos los países. En España y la mayoría de países europeos, como es lógico, el Renacimiento es más tardío (siglo XVI), alargándose el estilo gótico. Una nueva concepción del arte: **El artista**: En este periodo del renacimiento no eran considerados más que meros artesanos, al igual que en la edad media, pero por vez primera empezaron a verse como personalidades independientes, comparables a poetas y a escritores. **El mecenazgo**: Existen nuevas funciones para los mecenas debido al prestigio y ostentación que tuvieron las obras. El mecenas protegía casi paternalmente al artista y exigía la conservación de sus obras, la invención de algunos objetos o herramientas, a parte de la pintura de un retrato, retablo, etc. Un ejemplo de grandes mecenas son los Médicis, apoyaron a Botticelli o Ghirlandaio. **Arte y ciencia**: Esta demostrado que existía la voluntad de equiparar arte y ciencia. Ya que para los artistas de la época, las ciencias son un medio para conocer y explicar plásticamente la realidad. Se experimentan varias técnicas pictóricas en esta época, la más importante es la perspectiva lineal (inventada en la época), donde las líneas paralelas se representan como convergentes en un punto de fuga. También se fijaron en el efecto de la luz natural y el modo en el que el ojo percibe los diversos elementos de la naturaleza. Desarrollaron la perspectiva aérea, según la cual los objetos perdían sus contornos y su conforme actuaba la distancia. También estarán muy presentes las ideas de proporción, orden y medida (antropocentrismo y antropometrismo). **El Renacimiento de las imágenes**: Perduró la iconografía religiosa, que enlazan directamente con la Antigüedad como es el caso de la mitología pagana, donde tienen muy en referencia a autores como Ovidio, y el gusto por el desnudo y estas serán algunas de las nuevas preocupaciones de los artistas de la época. **Los Tratadistas**: Se ocupaban de la implantación y codificación de todos estos ideales. Sobresalen muchos en esta época: Alberti, Filarete, Diego de Sagredo, etc. El Renacimiento hace al hombre medida de todas las cosas (antropometrismo) y el centro del Universo (antropocentrismo). Esto trajo un cambio importante en el modo de pensar, de vivir y de ver el mundo. Se iniciaba una etapa nueva en la vida de los europeos (humanismo). El ser humano se revaloriza: Donde ahora destaca su inteligencia, creación artística, libertad, inspirada en la civilización clásica y todo tiende a humanizarse. Esto no significa un abandono de lo divino sino lo contrario, pues lo divino es revisado desde la perspectiva humana y se dota de una gran importancia LA ARQUITECTECTURA RENACENTISTA CARACTERÍSTICAS GENERALES Es una creación típicamente italiana, donde el arquitecto tiene una sólida formación científica y se apoya en los estudios humanísticos de la antigüedad, en las excavaciones arqueológicas y sobre todo en las fuentes del autor VITRUBIO. Se vuelven a emplear los elementos constructivos y decorativos clásicos, pero con libertad y ciertas preferencias, de ahí su originalidad. Se parte de la adopción de los órdenes arquitectónicos griegos y romanos pero no respetan sus proporciones sino que buscan una mayor esbeltez. Se tiene muy presente la IDEA DE BELLEZA Y PERFECCIÓN BASADA EN EL RACIONALISMO y así el edificio es, de esta manera, el resultado de un estudio racional de proporción, concordancia, simetría y armonía. La arquitectura está relacionada con los estudios matemáticos. Toman como fundamento las formas básicas geométricas: círculo, cuadrado, cubo, etc. Muestran especial preocupación por las proporciones matemáticas de las construcciones, tanto en las estructuras como en las plantas, pues establecen relaciones entre longitud, altura y profundidad. De esta forma consiguen un equilibrio entre las dimensiones de la planta y la altura: no debe predominar lo vertical sobre lo horizontal. Se preocupan por conseguir la visión unitaria de la obra, articulando armónicamente los distintos elementos entre sí y con el conjunto. En la arquitectura también está presente el antropocentrismo, ya que los arquitectos toman como modelo las proporciones del cuerpo humano para determinar las de un edificio. Esta referencia a lo humano ya se encontraba en Vitrubio y es lo que se conoce como antropometrismo. Otra de las características fundamentales de la arquitectura es que el espacio se organiza de acuerdo con las leyes de la perspectiva. En cuanto a la DECORACIÓN se emplean elementos de la Antigüedad clásica (guirnaldas, medallones, frutos, flores, etc.), pero se desarrolla un tema típico del Renacimiento: el grutesco, formado por seres fantásticos, vegetales y animales, enlazados formando un todo. Los grutescos están dispuestos geométricamente a partir de un eje de simetría: a esto se conoce como disposición a candelieri. OTROS ELEMENTOS A DESTACAR: en cuanto a LAS PLANTAS de los edificios se utiliza a menudo la planta centralizada, la longitudinal, y la fusión de ambas. El muro recupera su función de elemento sustentante y de cierre. Los ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS son los clásicos, pero algo más esbeltos. El capitel preferido es el corintio y el compuesto. La columna puede tener el fuste liso o bien ser abalaustrada. Se utiliza en mayor medida el arco de medio punto. Las cubiertas suelen ser abovedadas y adinteladas. Los tipos: de, cañón con casetones, de arista, cúpulas rematadas por una linterna, etc. Pocas veces se utilizan cubiertas planas de madera con casetones. Los edificios más importantes son el templo y el palacio, aunque también, destaca el urbanismo. **LA ARQUITECTURA RENACENTISTA ITALIANA** Vamos a ver dos grandes apartados correspondientes a dos siglos: EL QUATTROCENTO (S. XV) Y EL CINQUECENTO (S. XVI). También vamos a ver un nuevo estilo con el vocabulario y modos del Renacimiento, pero en los tiempos de la profunda crisis de la Europa de mediados del siglo XVI, EL MANIERISMO. **LA ARQUITECTURA DEL QUATTROCENTO. BRUNELLESCHI Y ALBERTI.** Surge en Italia durante el siglo XV tras un largo proceso de experimentación tanto en la arquitectura, la escultura y la pintura, y es en este lugar aquí donde se inicia ese retorno a los estilos y ordenes clásicos, en contraposición a las corrientes dominantes en los restantes países europeos. En las formas arquitectónicas del Quattrocento destacamos la utilización de los órdenes clásicos, en especial el corintio, al que se enriquece disponiendo figuras en el capitel; la primacía de la cúpula como forma ideal constructiva, quizá derivada de algunas construcciones anteriores como el Panteón romano, la iglesia de San Marcos o las cúpulas románicas. El artista que sienta las bases del nuevo estilo es el florentino **BRUNELLESCHI** (1377-1446). Con él comienza la arquitectura del Quattrocento, y es para muchos, "el padre del Renacimiento". Aplicó las matemáticas y la geometría en sus proyectos, iniciando y desarrollando las leyes de la perspectiva lineal que aplicó a sus edificios. Su arquitectura se caracteriza por el antropometrismo, es decir por el equilibrio de las proporciones a la medida de la escala humana. Entendía que la belleza surgía de la armonía entre las partes y de éstas con el todo; su obra se caracteriza por el equilibrio y la austeridad. Entre sus obras, destacamos: la cúpula de la catedral de Florencia, el Hospital de los Inocentes; Iglesia de San Lorenzo e Iglesia del Santo Espíritu (en ambas iglesias adopta todos los elementos arquitectónicos clásicos. Brunelleschi también comenzaría con el primer tipo de palacios florentinos del Renacimiento, con una parte baja de grandes sillares apenas labrados, con aberturas rústicas y pisos superiores de paramentos más finos, en los que se abre ventanas adoveladas, y rematando el cubo de piedra un monumental entablamento. Otro arquitecto fundamental de esta época y del Renacimiento en sí es **ALBERTI** (1404-1472). Profundo conocedor del arte romano y fiel seguidor de Vitrubio. Su arquitectura se basa en proporción y la armonía de los elementos que constituyen el edificio al que dota de una gran monumentalidad. Alberti, en sus construcciones va a imitar las construcciones abovedadas de las grades termas romanas, que permiten dar a las naves mayor anchura, eliminando así las naves laterales, y las capillas, en algunas de sus obras las columnas también desaparecen y son sustituidas por pilares gigantescos.. Entre sus obras, destacan: La basílica de San Andrés en Mantua, que se convertirá en modelo a imitar durante todo el renacimiento y el barroco; Iglesia de San Sebastián en Mantua; Palacio Rucellai etc Otros arquitectos importantes de esta época fueron GIULIANO DE SANGALLO (1455-1516), deudor de Alberti y autor de palacios, villas e iglesias; ROSELLINO, que está también muy influenciado por Alberti. Fuera de Florencia, también destacamos a varios arquitectos (Amadeo, Pietro Lombardo etc.) todos ellos seguidores de Brunelleschi y Alberti. **LA ARQUITECTURA DEL CINQUECENTO (S. XVI). BRAMANTE.** A partir de 1500, la importancia artística de Roma crece hasta casi desbancar por entero a Florencia. En torno al Papado, se agrupan los principales artistas del momento que realizarán un nuevo arte, más solemne y monumental. Con el Cinquecento predomina la medida, el equilibrio y la proporción. Casi desaparece, la decoración anterior. Se prefiere la decoración para los efectos monumentales de los elementos arquitectónicos. Se emplean frontones triangulares y semicirculares en combinación. Se impone el uso de plantas centralizadas con cúpula en referencia al orden divino existente en el universo. Entre los arquitectos más importantes de esta época, tenemos: **BRAMANTE** (1444-1514) es el artista que sirve de nexo entre los dos siglos. Se inicia bajo las formas anteriores pero cambia hacia este nuevo clasicismo. Hace desaparecer casi totalmente la decoración. Muestra preferencia por las estructuras simples. Consiguió enlazar los ideales de la antigüedad clásica y los de la cristiandad, al tiempo que su grandeza, su expresividad y su dramatismo espacial fueron los cimientos del barroco del siguiente siglo. Su estilo clásico, junto al de su discípulo RAFAEL, iluminan las obras de **PERUZZI, GIULIO ROMANO, SANSOVINO** y la familia Sangallo, los arquitectos que dieron forma al nuevo esplendor de Roma. Es en ta ciudad donde Bramante realizó obras como: el Tempietto (1502) una representación a menor escala del clásico tholos griego; Una serie de palacios privados que incluían la casa de Rafael y, como su proyecto más notable, el diseño de la nueva basílica de San Pedro. Para la primera iglesia de la cristiandad católica, Bramante trazó una planta de cruz griega, con cúpula. Miguel Ángel tomó parte en la construcción realizando algunos cambios que modificaban la nueva estructura arquitectónica pero respetando el diseño original de Bramante, que ejerció una fuerte influencia en los arquitectos del Cinquecento. Otro arquitecto de la época fue **ANTONIO DA SANGALLO**, "El Joven", que destacó por sus construcciones palaciegas, pues de él es el modelo de palacio más seguido en el siglo XVI- (suyo es el palacio Farnesio). También trabajó en las obras de San Pedro, intentando compaginar la planta central y la cruz latina **EL MANIERISMO ITALIANO. MIGUEL ÁNGEL.** El clima producido por la reforma luterana, y luego el Saco de Roma (1527), además de otros factores, pusieron en crisis el equilibrio del programa clásico. De esta forma se produce la primera fractura de la arquitectura clasicista, con la formación de un estilo (manierista) diverso, que sustituye la serenidad por la tensión y la medida por los efectos de sorpresa. Aunque los elementos que se emplean son los mismos del vocabulario clásico, el arquitecto del manierismo lo hace arbitrariamente. Actúa, a veces, de forma caprichosa, con una dinámica articulación de los muros y los espacios. La luz y el cromatismo ahora son intensos. Es una arquitectura muy expresiva. Se sustituye la quietud, el orden, por la sorpresa y la inquietud. El nombre manierismo se tomó del término italiano maniera, que alude a una forma propia, personal de entender el arte. Entre los artistas que más importancia cobran en esta tendencia, citaremos en primer lugar a **MIGUEL ÁNGEL** (1475-1564), al que trataremos fundamentalmente como escultor y pintor. Este personaje reinterpreta los elementos clásicos de una forma muy personal y dramática. En su faceta de arquitecto destaca por sus trabajos en la Basílica de San Pedro en el Vaticano. Miguel Ángel suprimió la mayoría de detalles del proyecto de Sangallo. Recogió la idea de Bramante de planta centralizada, pero esta vez con una sola entrada y no cuatro. Corona su proyecto con una gran cúpula a imitación de la de Brunelleschi en Florencia. A él se deben otras obras como las escaleras de la Biblioteca Laurenciana de Florencia; la capilla Médicis, etc. Otros arquitectos de este periodo: **ANDREA PALLADIO** fue uno de los más destacados. Sus obras más destacadas son una serie de villas en el campo que construyó próximas a Venecia. Como la villa Rotonda o Capra, un edificio cupulado con idénticas fachadas en sus cuatro lados. Otra obra es la basílica de Vicenza. El arquitecto SANSOVINO también es manierista. La Biblioteca de San Marcos es el edificio renacentista más admirado de esta época. Con análoga estructura, en Florencia encontamos a GIORGIO VASARI, que realizó la Galería de los Uffizi como sede administrativa de la familia Medici, actualmente convertida en museo. **LA ESCULTURA RENACENTISTA.** **CARACTERES GENERALES** El interés por la **búsqueda de la verdad del cuerpo humano**, lleva a los escultores del Renacimiento a preocuparse por el estudio de la anatomía en el movimiento del cuerpo y en las relaciones espaciales. Los restos arquitectónicos y arqueológicos del periodo grecorromano son estudiados por los artistas. Se produce una vuelta a los **cánones clásicos**. Así, el **equilibrio, la proporción y el movimiento**, son los factores fundamentales de la nueva escultura. La escultura renacentista tiene como base el **naturalismo** de la escultura gótica, pero lo hacen imitando algunos modelos de la Antigüedad como El torso de Bellvedere y el Laocoonte. - **Materiales**: mármol, la piedra, la terracota, el yeso, la madera y los metales fundidos, sobre todo el bronce. - **Temática:** religiosa, mitológica, rescatada del mundo clásico, escultura histórica narrativa, desnudo, retrato y animales - **Géneros**: Se multiplican y podemos ver: estatuas, bustos, relieves, medallones, escultura funeraria, etc. **LA ESCULTURA RENACENTISTA ITALIANA** Bebe fundamentalmente de las fuentes clásicas, pero con influencias del gótico, ya que el naturalismo del gótico tiene ahora su continuación. En los preludios del Renacimiento, y durante el **Trecento**, destaca como antecedente claro a los escultores propiamente renacentistas, la famosa **escuela de Pisa** con los Pisano. **El QUATTROCENTO en Escultura. Ghiberti y Donatello.** Tiene una capital artística, Florencia. El primer escultor plenamente renacentista es Lorenzo **GHIBERTI** (1378-1455), cuyo estilo posee muchas **supervivencias gótico** internacional. Fueron características de este escultor: la atención al detalle y la sensibilidad a la delicadeza. Lorenzo Ghiberti es conocido por los relieves que realizó en bronce dorado para la puerta del *baptisterio de San Giovanni*, Florencia; ilustran temas del Antiguo Testamento y fueron muy elogiadas por Miguel Ángel, quien la denominó la *Puerta del Paraíso* (1425-1452), nombre con él se conocen desde entonces. De la misma época de Ghiberti es **Jacopo della Quercia** (1374-1438) con su expresividad del cuerpo humano, con un gusto por las formas hercúleas y heroicas, anticipando el estilo de Miguel Ángel. Pero el gran escultor de este periodo es **DONATELLO** (1366-1466): fue uno de los **artistas más influyentes del renacimiento** no sólo por la fuerza expresiva de sus figuras sino porque sirvió como vehículo de difusión de innovaciones artísticas en Italia, sobre todo en lo que se refería a la perspectiva, además fue alumno de Ghiberti. Influido por el pasado clásico, siente mucho interés por la figura humana aislada, por el desnudo, y por el uso del retrato ecuestre. Además, intentó representar los estados de ánimo y el curso completo de la vida. Fue el inventor del **scciachato** o aplastado, que consiste en la representación en bajorrelieve de complejos efectos de profundidad. Otras características del autor son: recupera la **escultura como objeto exento**, para que pueda ser vista por todos lados, busca la belleza natural y también la del de movimiento no solamente en la figura, sino en todos los elementos de la obra; etc. Entre sus obras, podemos destacar: el bronce del David, la primera escultura exenta realizada desde la antigüedad; San Andrés; condotiero Gattamelata, una de las primeras esculturas ecuestres desde la Antigüedad e inspirada en la de Marco Aurelio y la Magdalena (donde acentúa la expresividad). Otro artista importante de la época es **Luca della Robbia** (1440-1482), escultor que tuvo mucha fama porque creó una moda utilizando la terracota esmaltada (fondos azules), con una decoración muy naturalista. Obras: cantoría de la catedral de Florencia, Virgen con el Niño, etc. También destacó **Andrea Verrochio**, con un carácter muy renovador y creativo. Destaca su escultura ecuestre de Bartolomeo Colleoni. **El CINQUECENTO en Escultura.** Aquí predomina Roma sobre Florencia. La escultura se caracteriza en este momento por una **grandiosidad monumental y simplificadora**. El descubrimiento del Laocoonte en 1506 había de provocar una estela de imitadores dentro y fuera de Italia. **MIGUEL ÁNGEL** es, sin duda, el genio de la escultura, arte que consideraba el suyo antes que arquitectura o pintura. Este artista buscó el ideal de **belleza platónico** y en ese sentido utiliza el mármol de Carrara como material noble para la Belleza. Será un creador de poderosas formas plásticas y figuras grandiosas tanto en tamaño como en espíritu. Este artista **expresa los sentimientos más diversos**, sobre todo el dramatismo y vitalidad contenido en las figuras, como algo casi propio de los Dioses: es la **terribilitá**. Estudia los problemas del movimiento y la composición. Descubre el **valor de lo inacabado**, es decir, el valor expresivo que puede lograrse dejando ciertas partes de la obra en fase de rudo boceto. De este modo, lo inacabado introduce en las artes un nuevo elemento figurativo que cobrará mucha importancia: el toque del cincel del autor. En sus obras se puede observar tanto el clasicismo como el anticlasicismo, con lo que también puede ser considerado como un escultor manierista. Entre sus obras destacan: el David, la Piedad, el sepulcro de Julio II, los sepulcros de la familia Medicis, etc. **ESCULTURA MANIERISTA** También se notan los cambios respecto al clasicismo escultórico. Las figuras empiezan a curvarse, a moverse bruscamente, a tomar la forma de una S, es lo que se llama el ***serpentinato***. **Benvenuto Cellini** fue uno de los máximos escultores y orfebres de finales del renacimiento. Su obra más famosa es la escultura en bronce que representa a Perseo y Medusa. La obra del flamenco **Juan de Bolonia**, El rapto de las sabinas, se incluye en el manierismo, compuesto por tres figuras desnudas entremezcladas que ascienden en espiral. En esta escultura, realizada en mármol, evita la frontalidad buscando un efecto de violencia que se pueda observar desde todos sus ángulos. **LA PINTURA RENACENTISTA.** **CARACTERÍSTICAS GENERALES** La función de la pintura es narrar historias pues en el Renacimiento la pintura es **poesía muda**. Las obras se realizan en un taller artesano, con la intervención directa del maestro y la autoría constituye el valor principal de la obra. Sus orígenes hay que buscarlos el siglo XIV con **Giotto**, que ya rompió con los convencionalismos medievales. Encontramos nuevo sistema visual tomando como modelos la Naturaleza y las obras de la Antigüedad. - Se representa el **espacio tridimensional**, como escenario en el que se desarrolla la acción, así se valora: la composición, el espacio, el volumen, el gesto, la iluminación. - Encontramos **fondos transparentes y abiertos**, que se pueden pintar gracias al óleo superando el fondo opaco medieval. - Un método de representación visual donde tenemos: la **perspectiva inventada** por Brunelleschi y el sistema de **proporción de base antropomórfica**. - El **dibujo** es muy practicado. - **Temas**: históricos, de fe, mitológicos, con interpretación de alegorías, emblemas y jeroglíficos. - Sobre muros, tablas y lienzos, con las técnicas del fresco, temple y óleo. **LA PINTURA RENACENTISTA ITALIANA** **El QUATTROCENTO en Pintura (S. XV):** En líneas generales, la **primera mitad del siglo** se complace más en las formas monumentales, los estudios de la perspectiva, la sobriedad expresiva y la incorporación de elementos clásicos en la decoración. Junto a ello pueden señalarse algunos artistas que mantienen algo de la tradición del gótico internacional. En la **segunda mitad de siglo**, se generaliza un gusto más complicado y rico, que prefiere el dinamismo a la monumentalidad, y lo complejo a lo solemne, introduciéndose elementos de lo cotidiano, que corresponden a la pintura flamenca contemporánea. El primer gran pintor del renacimiento italiano fue **MASACCIO** creador de un nuevo concepto de naturalismo y expresividad en las figuras, así como de la perspectiva lineal y aérea. Esto lo vemos en los *frescos de la vida de san Pedro* pintados para la capilla Brancacci, donde encontramos el carácter revolucionario de su obra, sobre todo en lo que se refiere al **empleo de la luz**. En una de las escenas más famosas, *El tributo de la moneda*, Masaccio reviste la figura de Cristo y de los apóstoles con un **nuevo sentido de dignidad y monumentalidad**. En el *fresco de la Santísima Trinidad*, aplica algunos de los **descubrimientos de Brunelleschi** relativos a la perspectiva lineal, creando por primera vez la **ilusión espacial**. La dirección que marcó Masaccio fue seguida por ejemplo por **Paolo Uccello** quien potencia la perspectiva lineal. Destacando las tres versiones que realizó de la *Batalla de san Romano*. Otro es **Fra Angelico**, con un estilo refinado que alterna con formas del nuevo renacimiento, resueltas con un delicado tratamiento del color. Otro es **Jacopo Bellini**, considerado unánimemente como el introductor del renacimiento en Venecia. Otro pintor del Quattrocento es **PIERO DELLA FRANCESCA** quien escribió tratados sobre la perspectiva y las matemáticas. Su **estilo mesurado y geométrico** adquiere también la monumentalidad de de Masaccio, pero más abstracto y distante. También influye en el la escultura de Donatello. Usa la **luz como elemento expresivo simbólico**. **BOTTICELLI,** disfrutó del mecenazgo de la familia de los Medici en Florencia. Su estilo es lírico, fluido y a menudo decorativo y abarca tanto temas religiosos como paganos. Sus dos obras más famosas son el *Nacimiento de Venus y la primavera*, y están influidas por el neoplatonismo de la época. Es un dibujante exquisito, creador de tipos alargados, delicados y frágiles. En las **últimas décadas del siglo XV**, las innovaciones principales de la pintura renacentista ---como el dominio de la perspectiva aérea y lineal, la importancia del paisaje, la representación de la figura de modo individual entre otrasfueron consolidadas. En Florencia, artistas como Pollaiuolo y Verrocchio observaron la complejidad de la anatomía humana, estudiando de forma directa el cuerpo humano. Tanto escultores como pintores ponen énfasis en la musculatura como se ve claramente en la obra de Pollaiuolo *El martirio de San Sebastián.* Otro pintor de finales del XV es **MANTEGNA**. Pintor con gran obsesión por lo grandioso, sus figuras parecen labradas en piedra y es un gran dominador de la perspectiva. Recurre además al artificio de usar un punto de vista bajo, con lo que sus figuras parecen más monumentales. **El CINQUECENTO en Pintura.** Los artistas elevaron el arte a su máxima expresión. Este periodo, se inició con **LEONARDO DA VINCI** (1452-1519). Con su curiosidad intelectual que conjuga arte y ciencia, es el arquetipo del hombre universal del Renacimiento. Fue pintor, escultor, arquitecto, ingeniero, músico y alquimista. Su método pictórico se basaba en la **experimentación sostenida por las matemáticas**. De entre sus obras, destaca el **Tratado de la Pintura**, donde desarrolla su teoría sobre la primacía de la pintura sobre las demás artes. Quiso demostrar que la pintura no era una actividad artesanal sino intelectual, y así colocar al pintor en una categoría social más elevada. Estudió el cuerpo humano anatómica y geométricamente. En cuanto a las características de sus obras destacamos el interés por los problemas de la expresión. Suaviza las anatomías con un difuminado. Concibió la luz como la lenta fusión del negro y el blanco (el **claroscuro**). No emplea la tonalidad para obtener volumen, sino que usa colores neutrales para fundir figuras y ambiente, creando atmósferas densas, de aire, con contornos vagos y difuminados: **sfumato**. Le confiere a los mismos un halo de misterio. Entre sus obras, podemos mencionar: *La Santa Cena, La Giconda, la Virgen de las Rocas, Adoración de los Reyes, etc.* Otro de los maestros del Cinquecento fue **RAFAEL** (1483-1520). No fue un genio de la talla de Leonardo o Miguel Ángel. Fue un fecundo pintor de corta vida y extensa obra. En sus obras vemos el amor por los colores delicados y las composiciones rítmicas y serenas en amplios y limpios espacios. Adquirió la solidez y el sentido dramático de Miguel Ángel y De Leonardo tomó el sfumato. De todo ello extrajo su propio estilo: Gusto por la **dulzura y serenidad en sus escenas**; despojará a sus figuras de su peso y de las tensiones y esfuerzos. Entre sus obras: *decoración de las Estancias de la Signatura* (Vaticano); *Desposorios de la Virgen*; *Madonna*s, *Sagrada Familia del Cordero* etc. El tercer gran artista de la época es **MIGUEL ÁNGEL**, elimina el paisaje y concentra su energía en el modelado. Pinta volúmenes bien delimitados y contrarios al sfumato. En su deseo de plasmar el movimiento, crea violentos escorzos. Pinta figuras monumentales de gran fuerza, cuyos músculos sugieren figuras gigantes sobrehumanas que se inspiran en el Laocoonte y el Torso de Bellvedere. Entre sus obras destacan: *Tondo Doni, Frescos de la Capilla Sixtina, etc.* **[EL MANIERISMO PICTÓRICO]** Aquí existe una total **liberación del culto a la belleza clásica y sus componentes** como la serenidad, el equilibrio o la claridad. A veces, se da lo contrario al periodo renacentista. Pues se tiende al irrealismo y a la abstracción. En la pintura manierista destacan las siguientes características: - El uso del color, las proporciones y la luz son arbitrarios, sin respetar unos cánones preestablecidos. Incluso la luz, se interpreta como agente de relación entre la divinidad y las formas inferiores. - Las proporciones anatómicas son a voluntad del artista: el alargamiento de las figuras es constante - Se prefiere el trazado serpentiforme que infunde belleza y transmite sentimiento. - Las figuras están sujetas, a veces, por marcos estrechos, lo que acentúan las expresiones angustiadas. - La utilización de fondos negros en los que resaltan las figuras como auténticos objetos-luz que preludian el tenebrismo barroco. - Se excluye el paisaje y la naturaleza muerta. Entre los autores más importantes tenemos: **Andrea del Sarto** (1486-1531), inspirado en Leonardo y Miguel Ángel, crea composiciones piramidales e imposibles; **Corregio** (1493-1534), da a sus figuras sensación de ingravidez y de vuelo; **Parmiggiano**, que alarga sus figuras de una manera desmesurada. Pero de todos ellos, los más sobresalientes son los **pintores de la Escuela Veneciana**: **Giorgione**, utiliza el sfumato, y lo acompaña de la perspectiva aérea. El desnudo alcanza cotas muy delicadas. Obra: *la Tempestad*; **Tintoretto**, pintor que demuestra el gusto por el color más que por la línea; le da importancia a temas secundarios, gusto los paisajes románticos; tendrá pasión por lo colosal, el movimiento y las perspectivas y anuncia ya a Caravaggio y Rembrandt en el tratamiento de la luz como protagonista. Obras: *el Lavatorio*. **TIZIANO** (1487-1576), que es la gran figura de la pintura veneciana. Su arte cultiva tanto la temática religiosa, el desnudo, la mitología o el retrato. Destaca el colorido de su obra (tonos cálidos, rojos y dorados); pincelada fluida y libre, su paleta viva y sus figuras monumentales, así como los paisajes idealizados; etc. Obra: *Amor divino y profano*; *la Bacanal; retratos de Carlos V; Coronación de espinas*; etc. **II.- INFLUENCIA DEL RENACIMIENTO ITALIANO EN EUROPA.** **EL MODELO ITALIANO Y LAS RESPUESTAS NACIONALES.** El Renacimiento italiano es visto en Europa como **modelo a seguir**, con un prestigio e imitación a su manera del modelo a lo romano. Los príncipes y reyes europeos para aumentar su prestigio, se convirtieron en **mecenas de los artistas de su Corte**, como había ocurrido en Italia con los Médicis o los Gonzaga. La Iglesia, por su parte, asume la idea de poder que el arte conlleva para sus fines al igual que otras instituciones y algunas poderosas familias. Los inicios de este proceso de **difusión y de asimilación** del modelo italiano lo vemos con un uso indiscriminado de elementos del código renacentista, que se integran en un todo junto al gótico de cada región, pero que en el caso español, por ejemplo, conviven con elementos mudéjares. Esta convivencia es particularmente evidente en edificios, estructuralmente góticos, que incorporan motivos decorativos renacentistas. Para ver ese acercamiento a Italia y la penetración de sus nuevas ideas renacentistas en los países europeos, debemos considerar **hechos importantes**, la difusión de los tratados, la circulación de grabados literarios; el viaje a Italia de los artistas europeos; el intercambio de obras de arte; la contratación de los servicios de artistas europeos por parte de las monarquías europeas; etc. **EL RENACIMIENTO EN EL NORTE DE EUROPA** Aquí las manifestaciones artísticas del gótico tardío fueron coetáneas con los cambios y descubrimientos que iban llegando desde Italia. Aunque, países como Alemania, los Países Bajos e Inglaterra, fueron menos receptivos a la hora de aceptar el incipiente renacimiento. **EL RENACIMIENTO EN LOS PAÍSES BAJOS** El pintor flamenco, **JAN VAN EYCK** fue el fundador de la pintura renacentista en Flandes y en Holanda. Su estilo es una síntesis del naturalismo más las innovaciones en el uso de la luz. Van Eyck combina, con talento y habilidad, un estilo que es el contrapunto del arte que Masaccio realiza en esos momentos en Italia. Su obra El *cordero místico* es una de las más extraordinarias obras del renacimiento. Van Eyck manifiesta en esta obra como si el fuera un agudo observador del mundo visual. Casi por intuición, concibe el sistema de perspectiva lineal y usa mínimamente la perspectiva aérea. Van Eyck era consciente de la atracción del espectador en los elementos de la naturaleza muerta e integró numerosos detalles en sus obras. Lo que marca la diferencia de su arte y el de finales del siglo XV en el norte de Europa con el de sus contemporáneos italianos, es la completa ausencia de alusiones a la antigüedad clásica. Van Eyck fue considerado por algunos como el pintor más significativo de su época. Suyo es también el famoso *retrato de Giovanni Arnolfini* *y su esposa*. Y esque este pintor también produjo pequeños retratos de un extraordinario realismo. El flamenco **VAN DER WEYDEN**, realizó un viaje a Italia y su obra fue muy admirada en Italia e incluso pudo haber influido en la escuela de Ferrara. Su obra más importante es *El descendimiento de la cruz*. El dolor que reflejan sus personajes, aún desconocido para el arte italiano, se plasma en sus expresiones faciales y en las posturas de sus cuerpos. Como Van Eyck, este también tuvo gran destreza para el retrato, pero infundió a sus figuras emociones añadidas. La siguiente generación de pintores flamencos, que recogen la herencia de Van Eyck y de Van der Weyden son: **Dirk Bouts**, uno de los primeros artistas que utilizaron la perspectiva. **Hugo van der Goes** y sus pinturas religiosas, que combinaron aspectos del arte de los precursores. Su obra más conocida es el *Retablo Portinari*. Pero, el artista más original de este periodo fue **EL BOSCO**. Casi todas sus obras fueron totalmente inusuales. *El jardín de las delicias* es una obra alegórica del pecado y de la redención, en la que se muestra un mundo surrealista e imaginario donde el pasado, el presente y el futuro se despliegan en imágenes de pesadilla. Su extrema originalidad es acogida por **Pieter Brueghel, el Viejo**, quien realizó una serie de grabados titulados Los siete pecados capitales, que demuestran influencia de El Bosco. Al tiempo que muchos de sus contemporáneos acogieron las novedades italianas, Brueghel quiso rendir un homenaje al estilo de los primeros pintores de los Países Bajos y flamencos en sus propias obras y grabados. Los manieristas holandeses y flamencos, incluidos Bernard van Orley, Lucas van Leyden y Jan van Scorel, recogieron la herencia de Miguel Ángel y de Rafael a través de grabados, o por medio de obras de primera mano de los artistas. Además, las aportaciones de Alberto Durero, el maestro alemán, sirvieron de estrecho vínculo entre los estilos italianos y el viejo estilo holandés. Si los pintores de los Países Bajos se han distinguido durante el renacimiento, **los escultores fueron menos innovadores**, siguiendo la tradición gótica del pasado. **Las arquitectura casi no se ve alterada** por el renacimiento pues se mantuvo tradición gótica. Los motivos decorativos renacentistas son lo primero que aparece en arquitectura en esta zona de Europa, pero irán entrando paulatinamente. **EL RENACIMIENTO EN ALEMANIA** **La pintura** en Alemania mantiene la tradición durante el renacimiento. El arte alemán estuvo muy vinculado al pasado gótico, pero muchos de sus artistas fueron capaces de fundir la herencia medieval con los nuevos descubrimientos. **Konrad Witz** fue uno de ellos como vemos en Parte del *gran altar El milagro de los peces* refleja un paisaje real suizo de los Alpes. Lo que también hicieron los artistas alemanes fue encabezar el desarrollo de los grabados. Un gran artista en este género sería, **ALBERTO DURERO**, quien introdujo en Alemania la corriente del arte renacentista. Sus magníficas series de grabados, *las tres versiones de la Pasión y de la vida de la Virgen*, pues sus grabados con la mayoria sobre asuntos alegóricos o clásicos, así como religiosos. Las pinturas de Durero estaban repletas de detalles y extremadamente coloreadas; un ejemplo lo constituye *la Adoración de la Trinidad,* también los autorretratos predominan en su obra. Una de sus últimas es *Los cuatro apóstoles* donde representa la grandeza simplificada del estilo italiano, combinado con una intensidad de expresión característica del arte del norte de los Alpes. También hay que mencionar a **Matthias Grünewald**, que realizó una de las obras más sorprendentes de su época, *el Retablo del altar de Isenheim*, dentro del estilo manierista. En cuanto a la **arquitectura**, hay que decir que las construcciones siguen siendo **góticas hasta el siglo XVI**. Los Fugger, una familia de banqueros y mecenas alemanes, fueron los primeros en introducir elementos italianos. **En escultura** también apreciamos una **supervivencia del gótico tardío**. Los elementos de la escultura del Renacimiento, sobre todo del manierismo, entran paulatinamente en la zona. II.2. EL RENACIMIENTO EN FRANCIA, ESPAÑA E INGLATERRA. **RENACIMIENTO EN FRANCIA** Los franceses fueron reacios a aceptar las innovaciones renacentistas, aunque durante el s. XVI fueron finalmente adoptadas en Francia, como consecuencia de la presencia de muchos artistas italianos en la corte de Francisco I. Si hablamos de **arquitectura** La obra del palacio de Fontainebleau se convirtió en el punto central del arte renacentista francés. Destacan también los castillos de Blois y de Chambord. **En escultura**, las formas italianas se funden con cierta pervivencia del gótico borgoñón, en las figuras realistas y en los sepulcros. **Michel Colombe** es la figura más interesante. Una familia de escultores italianos, los **Giusti,** trabajaron en Tours, introduciendo elementos del renacimiento italiano. **RENACIMIENTO EN ESPAÑA** Si hablamos de **pintura**, los pintores renacentistas nunca llegaron a alcanzar el nivel artístico de Italia y los países del norte de Europa, aunque su arte estaba muy ligado a ambas tradiciones. Los mecenas españoles confiaron a pintores y escultores extranjeros sus obras de arte más importantes. Incluso en el siglo XVI, Tiziano fue el pintor de la corte española. La pintura española de estos momentos es religiosa en su mayoría. El primer tercio del siglo XVI presenta una fuerte influencia del realismo y de la minuciosidad flamenca, con el gusto hacia lo concreto y hacia temas naturalistas. **Fernando Yánez de la Almedina** es uno de los mejores representantes de la escuela valenciana, que introduce el rafaelismo en la pintura, mientras que Castilla cuenta con **Pedro Berruguete**, seguidor también de la corriente flamenca, junto a ideas italianas sin prescindir de decoración mudéjares. El segundo tercio acusa más la influencia clasicista del renacimiento italiano, de la mano de artistas como **Juan de Juanes** en Valencia, quien introduce la técnica del sfumato y el equilibrio compositivo, también **Juan Correa**, que supone el anticipo del manierismo. Finalmente, el último tercio se caracteriza por la irrupción de los italianos **Pellegrino Tibaldi, Federico Zuccaro y Luca Cambiasso** en la corte de El Escorial, en la que destacan también pintores españoles como **Juan Fernández de Navarrete**, entre otros, que anticipan el barroco con sus intensos claroscuros y su pintura dramática. La figura pictórica del renacimiento español será **EL GRECO**. Recibió la influencia de la pintura bizantina en Creta, que entonces dependía de Venecia. En 1560 marcha a Venecia, donde aprende de Tiziano y Tintoretto un nuevo concepto de color. Tras un breve periodo en Roma, llegó a España quizás atraído por la construcción del monasterio de El Escorial, y se instaló en Toledo. Se caracteriza por sus anchas pinceladas. En su obra faltará la profundidad, no se esfuerza por pintar perspectiva y paisajes. Sacrifica la anatomía y proporción de las figuras a favor de la expresión: alarga las figuras para aumentar el dramatismo de sus escenas. Y en este sentido, las manos de sus personajes, son enormemente expresivas al igual que los ojos. Usa escorzos sin interesarle en absoluto el dominio del espacio. Entre sus obras: Expulsión de los mercaderes del templo, La Trinidad, El caballero con la mano en el pecho, El entierro del Conde de Orgaz, El Laocoonte, Resurrección, etc. **En arquitectura**, no se construirían edificios en estilo renacentista hasta finales del siglo XVI. Y dentro de esta podemos encontrar 3 tendencias: - **El Plateresco**: Abarca los tres primeros tercios del siglo XVI, en el se funden elementos propios del estilo gótico, con el mudéjar y con las innovaciones renacentistas, esto da lugar a un estilo muy original. Aquí los elementos como columnas, pilastras, bóvedas, se utilizan con mucha libertad. Destacan los paramentos almohadillados, el uso de dos balaustradas con capiteles compuestos, bóvedas, bien de crucería, bien de medio cañón con casetones, y el arco de medio punto. En cuanto a la ornamentación, se utilizan las cresterías góticas y la decoración de grutescos aplicada a las pilastras, así como los medallones con retratos o decoración fantástica. Destacan varios centros geográficos con sus propias peculiaridades. En **Toledo** sobresale el hospital de Santa Cruz y el estilo conocido como Cisneros. En **Salamanca** la catedral nueva y la casa de las Conchas representan lo más importante del renacimiento salmantino religioso y civil, y en **Burgos**, la escalera Dorada, obra de Diego de Siloé. - **El Purismo**: Lo encontramos en el último tercio del siglo XVI. Presenta una decoración más sobria; sus edificios son monumentales y equilibrados y sus elementos constructivos mucho más clásicos. Destacan la fachada de la Universidad de Alcalá de Henares y el palacio de Monterrey en Salamanca. - **El Herreiano**: Un ejemplo es el monasterio de El Escorial, aunque en deuda con el estilo renacentista, la austera majestuosidad y la desnudez decorativa de esta estructura marcaron un nuevo estilo dentro del panorama de la arquitectura española. En cuanto a la **escultura**, las características generales son el predominio de lo religioso y rechazo de temas profanos, el gusto por lo directo, lo expresivo y el realismo, y el uso de la madera policromada, tanto para retablos como para imágenes. En el primer tercio del siglo XVI destacan en España algunos artistas italianos y algunos escultores españoles como **Vasco de Zarza o Bartolomé Ordóñez**, introductor del canon idealista de belleza. En el segundo tercio sobresalen dos figuras: **Alonso Berruguete**, con su gusto por lo inestable, por el canon alargado y el movimiento de las figuras, opuesto a el **Juan de Juni**, con su teatralidad en sus grupos escultóricos, las formas amplias y musculosas, y el perfeccionismo unido a la búsqueda de un profundo dramatismo. El Santo Entierro o La Virgen de los cuchillos son dos de sus obras más notables. Finalmente, el último tercio del siglo XVI está representado por **los Leoni,** familia de escultores milaneses que se establecieron en El Escorial al servicio de Felipe II y para el que realizaron los cenotafios de Carlos V y de Felipe II. RENACIMIENTO EN INGLATERRA En arquitectura predomina el gótico perpendicular o Tudor. Las influencias renacentistas llegan a la isla de forma paulatina, no será hasta la llegada de Iñigo Jones, en el siglo XVII, cuando se desarrolle un estilo coherentemente con connotaciones clásicas. La escultura y la pintura inglesas serán más lentas incluso que la arquitectura a la hora de aceptar los elementos renacentistas. -. CONCLUSIÓN ========== - L. Benévolo (1979): *Historia de la arquitectura del Renacimiento*. Madrid. - F. Lets (1985): *El Renacimiento*. Barcelona. - J. Fernández Arenas (1986): *Las claves del Renacimiento*. Barcelona. - A. Morales y F. Checa (1983): *Arquitectura del Renacimiento en España*: 1460-1560. Madrid. - V. Nieto Alcalde (1996): *Arte del Renacimiento*. Madrid. - J.M. Pita Andrade (1990): *La expansión de la pintura del Renacimiento*. - J.A. Ramírez (1997): *Historia del Arte III*. Madrid. - Historia del Arte, 2º Bachillerato. Arteraza. - Historia del Arte, 2º Bachillerato. Ed. Vicens Vives