TEMA 3.- William Shakespeare y el Teatro Isabelino (2) PDF

**Índice:** 1. **El teatro isabelino en Inglaterra: precedentes, teatros y público. Características del teatro isabelino.** 2. **William Shakespeare: características de su teatro. Panorámica general de su obra.** 3. **Las grandes tragedias de Shakespeare: *Romeo y Julieta (1595), H...

**Índice:** 1. **El teatro isabelino en Inglaterra: precedentes, teatros y público. Características del teatro isabelino.** 2. **William Shakespeare: características de su teatro. Panorámica general de su obra.** 3. **Las grandes tragedias de Shakespeare: *Romeo y Julieta (1595), Hamlet (1601), Othelo (1604), Macbeth y El rey Lear (1605).*** **..........................** 1. **El teatro isabelino en Inglaterra: precedentes, teatros y público. Características del teatro isabelino.** ### El teatro isabelino abarcó desde fines del siglo XVI hasta mediados del siglo XVII. Tuvo especial importancia en su desarrollo la reina Isabel I, quien tuvo gran relevancia en la historia europea de esos siglos. Isabel asumió el trono a finales del año 1558, en un país débil y venido abajo: Inglaterra tenía escasa población, era mal vista en el exterior y sufría graves problemas internos. Sin embargo, a pesar de todas estas dificultades, Isabel consiguió numerosos logros en su reinado. Llevó a Inglaterra a ser conocida como una gran potencia, consolidando el poder de la Monarquía, el poder en el interior del país, y, a su vez, desarrollando una política exterior más ambiciosa, que permitió un gran crecimiento económico que conllevó a la prosperidad del reino y de los sectores de la población más bajos. Dentro de todo este marco, en Inglaterra hubo un importante desarrollo cultural, que se manifestó en la gran cantidad de autores dramáticos, músicos, poetas y pensadores que surgieron.  Dentro de todos ellos va a resaltar William Shakespeare. Otros autores que se destacaron en esta época fueron **Christopher Marlowe**, **Thomas Kid** y **Ben Johnson**. En esta época, Inglaterra se caracteriza por la coexistencia de las costumbres populares y el perfeccionamiento de la cultura. Los famosos *gentleman* saben componer un soneto o una elegía y a su vez manejar las armas. Pero lo que más destaca de esta época es el hecho de que las clases más humildes, como los comerciantes, artesanos y hasta los campesinos pueden acceder a los libros y los compran y estudian. El gran desarrollo cultural que se dio en Inglaterra tuvo su mayor expresión en la difusión y expansión de los teatros populares, y el altísimo nivel de producción dramática. Anteriormente, el teatro era un espectáculo popular. Las obras eran representadas en los patios de las posadas. Pero estos lugares no eran muy adecuados, ya que el movimiento y la actividad de la posada dificultaban la representación, y, a su vez, en las reuniones multitudinarias había una mayor posibilidad de contraer la peste, enfermedad que era muy frecuente. Debido a todas estas desventajas, surgió una legislación para regular la actividad teatral, y se tornó complicado conseguir una licencia para poder hacer representaciones teatrales. Todo esto fue el punto de partida para que se construyeran **edificios destinados exclusivamente a las representaciones,** esto es, el teatro. A su vez, esto llevó a que el actor, que hasta ese entonces no tenía una profesión propiamente dicha, la tuviera. El primer teatro, denominado simplemente *The Theatre*, se construyó en 1576. Más adelante, se construyeron otros: [*The Curtain*](http://es.wikipedia.org/wiki/The_Curtain), [*The Rose*](http://es.wikipedia.org/wiki/The_Rose_(teatro)), [*The Swan*](http://es.wikipedia.org/wiki/The_Swan_(teatro)) y [*The Globe*](http://es.wikipedia.org/wiki/The_Globe). Este último, construido en 1599 y ubicado, como el resto, fuera de la ciudad, para evitar problemas con el Ayuntamiento de Londres, era el más famoso de todos, y fue el preferido de la compañía de la que formó parte William Shakespeare.\ Todos estos teatros fueron construidos **siguiendo el modelo de los patios de las posadas.** Ninguno se conserva en su estado primitivo, pero existe la posibilidad de conocer con cierta aproximación su forma, gracias a algunas referencias de la época. Eran **recintos de forma [hexagonal](http://es.wikipedia.org/wiki/Hex%C3%A1gono) u [octogonal](http://es.wikipedia.org/wiki/Oct%C3%B3gono)** con un [escenario](http://es.wikipedia.org/wiki/Escenario) medianamente cubierto que se internaba un poco hacia el centro de un arenal al aire libre circundado por dos o tres pisos de galerías. Este escenario tenía una parte trasera, que se usaba como camarines, y otra sección, llamada 'entre cajas' para la entrada y salida de actores. Estaba rodeado por dos o tres pisos de galerías; en el segundo piso se llevabas acabo algunas escenas simultáneas. La plataforma constaba de dos niveles, uno a poco más de un metro respecto a la arena, techado y sujeto por columnas, y otro un poco más alto con un tejado en el que se ocultaba el aparato necesario para manejar la [tramoya](http://es.wikipedia.org/wiki/Tramoya) y maniobrar la puesta en escena. Podía llevar una bandera e\ incluso simular una torre. Estos teatros tenían un aforo muy respetable. Se ha calculado, por ejemplo, que *The Globe* podía acoger alrededor de 2.000 espectadores. El público acudía al teatro pagando un precio variable según la comodidad del lugar en donde iban a ser ubicados. La entrada más barata exigía estar de pie y expuesto a los cambios meteorológicos; las más caras generalmente eran compradas por la nobleza. La zona más alejada, llamada 'cielo', era ocupada por los comerciantes y la aristocracia. Las obras se representaban generalmente en los meses más cálidos, ya que una zona estaba al aire libre. Se hacían en las primeras horas de la tarde, para que la luz del sol pudiera entrar; los teatros no tenían techo. No había, prácticamente, escenografía: sólo algunos accesorios o paneles. Los lugares en donde iba ocurriendo la obras se describían en ella, o se pasaba un cartel que indicaba cuándo había un cambio de espacio. Es por esto que las localizaciones cobraban vida más que nada en la mente del público. Debido a ello, la palabra, es decir, cómo el actor interpretaba a su personaje, era de vital importancia. Muchas veces se recurría a la sobreinterpretación en lenguaje, gesticulación y llamativa vestimenta. En un principio, la condición social de los cómicos, en especial de la de los más humildes, no se distinguía fácilmente de la de un vagabundo o un mendigo. Con el tiempo, sin embargo, gracias a la apertura de los nuevos teatros, los actores de época isabelina fueron alcanzando mayor consideración social. El oficio de autor dramático no estaba bien remunerado y todos los derechos sobre las obras pasaban a poder de las empresas que las representaban. El nombre del autor sólo se mencionaba (y frecuentemente con inexactitud) dos o tres años más tarde. Los escritores no disfrutaban, pues, del fruto de su trabajo, a menos que poseyeran acciones en la compañía, como era el caso de Shakespeare. En cuanto a los actores, todos ellos eran hombres: las mujeres no podían actuar. En su lugar, adolescentes, o incluso niños, interpretaban su papel. Generalmente, los actores se reunían en grupo y eran patrocinados por un noble. Este grupo llevaba el nombre del noble que lo patrocinaba. Así surgieron compañías como *The Hudson Men* (luego *Lord Chamberlain's Men), The Admiral's Men, y The Queen's Men.* En las obras generalmente se usaba el verso, y también se intercalaba la prosa. En ellas se mezclaban: tragedia, comedia y distintas tramas, convivían personajes de la realeza con los de las clases bajas, había música y danza, batallas y violencia. Los temas de las tragedias generalmente eran históricos. El teatro inglés estaba basado en el teatro medieval y en las exigencias del público. Era un teatro en donde confluyeron la tradición popular medieval y la experiencia colectiva y social. A su vez, fue enriquecido por el Humanismo. Gracias a esta corriente, en ésta época el hombre pasó a ocupar el centro de todas las cosas: hubo una gran individualización. En todo esto podemos ver que el teatro isabelino tiene tanto características renacentistas como barrocas. Tras la muerte de Isabel I en 1603, y el ascenso al trono de Jacobo I comienza para Inglaterra un período de fuerte crisis, que marcará el ocaso de una dinastía de los Tudor. Esto se reflejó en el teatro, que se volvió más oscuro y siniestro. 2. **William Shakespeare: características de su teatro. Panorámica general de su obra.** William Shakespeare (1564-1616) nació diecisiete años más tarde que Cervantes y murió en la misma fecha del mismo año que él. En 1605, año de la publicación de la primera parte de *El Quijote*, Shakespeare estrenaba dos de sus tragedias más importantes: *El rey Lear* y *Macbeth.* Shakespeare fue un hombre de teatro en la plena acepción de la palabra, igual que lo fue Lope de Rueda y que lo sería Molière. Y aunque no se disponen de muchos datos acerca de su vida, sabemos que fue hijo de un comerciante de Stratford que ocupó cargos municipales en la localidad y sufrió un momento de ruina económica. El joven William estudió en la escuela del pueblo y contrajo matrimonio a los dieciocho años con una mujer bastante mayor que él, Anne Hattaway, con la que tuvo tres hijos. Al parecer tuvo que abandonar su pueblo por sospechas de robo, y de allí partió a Londres, donde llevó una vida bastante azarosa, pues dicen que comenzó su carrera teatral guardando caballos a la entrada del teatro antes de profesionalizarse como actor. A partir de ahí comenzó a proporcionar textos a las compañías londinenses. La fama y el prestigio del actor-dramaturgo fueron en aumento. En 1603 formaba parte de la compañía *Chamberlain´s men*, que luego sería *King´s men*. Ya en 1599 era copropietario de un teatro estable (*El Globo*). Alcanzada la fama y suficientemente provisto de dinero, se retiró a su pueblo donde hizo construir una casa, donde moriría en 1616, dejando como herencia a su primera mujer "la segunda de sus dos mejores camas". La obra de Shakespeare no puede considerarse un fenómeno asilado y ajeno a una tradición establecida a lo largo de todo el siglo XVI. En la primera parte de este siglo existía un **teatro de tipos**, que suele conocerse como el teatro de las cuatro "p", por los cuatro personajes habituales en él, tan estereotipados como los de la comedia del arte italiano: "poticary" (el boticario), "pedlar" (el buhonero), "pardoner" (el buldero) y "palmer" (el peregrino). Un género mucho más relacionado con la tragedia shakespeariana fue el drama histórico (**historic play**), de contenido moralizante y asociado a la ideología propia de la monarquía absoluta inglesa. La tragedia clásica de Séneca dejó su impronta en estas obras, que tendían a dejar claro el castigo a los transgresores del orden. Shakespeare también se encontró con la obra de **Christopher Marlowe**, probablemente el mejor dramaturgo anterior a él y que fue el primero en utilizar y pulir el llamado **verso blanco**, que luego Shakespeare utilizará y llevará a su cima. Sin embargo, Shakespeare, partiendo de una tradición dramática ya consolidada, rompe con los esquemas planos y simplistas, evita la moralización elemental en la que todo tiene que suceder según lo establecido y crea un teatro mucho más abierto en sus planteamientos, donde **la inestabilidad de todas las cosas parece ser la tesis principal**. La **visión del mundo** que presenta su obra es, como la presente en la de Cervantes, **variada y contradictoria**; la **mezcla de elementos trágicos con otros cómicos,** o la presencia de personajes grotescos en situaciones de enorme tensión dan como resultado un teatro tremendamente moderno. Dadas estas condiciones, la clasificación de su teatro no es nada fácil, puesto que, como otros genios literarios, no dejó de entremezclar distingos géneros, pues tuvo como norma superior la creación libre y la fidelidad a los modelos reales y al propio pensamiento por encima de las convenciones y las reglas. Así, en un argumento grave, como el de su *Enrique IV,* se introduce el personaje grotesco de Falstaff, una de sus creaciones más celebradas. En *El rey Lear*, la figura del bufón, acentúa el dramatismo, actuando de contrapunto. O en comedias como *El mercader de Venecia* se producen momentos de gran tensión dramática, como el momento en el que el judío Shylock se dispone a cortar una libra de carne cerca del corazón del protagonista para cobrarse una deuda. Esta mezcla de elementos también se traduce en una frecuente **convivencia de** **lo real y lo fantástico**. El mundo de los sueños y la magia aparece en muchas obras de Shakespeare. Así sucede en obras como *El sueño de una noche de verano,* obra en la que se mezclan tramas y personajes reales y fantásticos; hadas, artesanos y un humano con cabeza de asno por obra de la magia. En otras como *La tempestad* sucede algo semejante y en tragedias fundamentales como *Hamlet* no hay problema para mezclar el plano de lo maravilloso (la aparición del espectro del rey) con el de la trama real de palacio, el del **teatro dentro del teatro** (una representación del asesinato de su padre) y el inquietante mundo de la locura de Ofelia. En el fondo de esta mezclada concepción del teatro hay **una visión del mundo como una realidad poblada de contradicciones. El orden establecido es profundamente vulnerable y el él operan el azar y las decisiones personales.** **Lo contradictorio** está también presente en la rica galería de **personajes** shakespearianos, hasta el punto de que alguno de ellos, como Hamlet, han sido objeto de análisis y debates sobre su personalidad, como si de un ser humano se tratase. No son personajes monocordes o planos, sino que presentan **múltiples facetas y matices** que les dotan de una extraordinaria **complejidad o espesor psicológico**. En *Hamlet* por ejemplo, el protagonista planea la venganza por la muerte de su padre, pero debido a su indecisión va retrasando la acción mientras se sumerge en un análisis de su propia conciencia, mientras se interroga por el sentido de la vida. En *Macbeth,* tanto este como su mujer se van desmoronando una vez cometido el crimen, atormentados por los remordimientos, pues, a diferencia de los villanos de otras tragedias del autor, viven de manera conflictiva la ambición de poder que terminará por destruirlos. Los **personajes cómicos** (***clowns**)* actúan en ocasiones --como es el caso del bufón del Rey Lear- como si fueran **una especie de coro** griego que manifestara lo que todos piensan pero que ninguno se atreve a decir. Pese a lo anteriormente apuntado sobre la difícil clasificación de su obra, cabe distinguir en ella: **Dramas históricos**, como *Ricardo III* y *Enrique IV*, de tema inglés; *Julio César, Marco Antonio y Cleopatra,* de tema clásico. **Tragedias**: *Romeo y Julieta, Hamlet, Otelo, el Rey Lear* y *Macbeth*. **Comedias**: *El sueño de una noche de verano*, *Noche de reyes, Como gustéis, El mercader de Venecia, Mucho ruido y pocas nueces.* 3. **Las grandes tragedias de Shakespeare.** La indagación en las **pasiones humanas** (el amor, la venganza, los celos, la ambición) y la **hondura y la complejidad de los personajes** alcanza en las tragedias de Shakespeare su máxima expresión. Con respecto a la tragedia clásica, en Shakespeare los personajes no son víctimas del destino, sino de sus propios errores y de las maquinaciones de otros personajes. Las tragedias pueden dividirse en dos bloques: las inspiradas en **episodios de la historia de Roma** -*Julio César, Antonio y Cleopatra, Coriolano-* y las **grandes tragedias** --*Romeo y Julieta, Hamlet, Otelo, Macbeth y El rey Lear-.* 1. **ROMEO Y JULIETA.** La trama de la obra se basa en una vieja tradición italiana, llevada a la letra escrita por el monje Mateo Bandello en 1554. Muchos autores se hicieron eco en todo el continente de ese argumento, siendo Shakespeare el que le dio fama para siempre. Todas las fuentes tienen el tronco común de la tragedia de *Píramo y Tisbe*, recogida por Ovidio en *Las metamorfosis*. Aunque pertenecen a dos familias rivales de la ciudad de Verona, Romeo y Julieta se enamoran nada más conocerse. Sabiendo que sus respectivas familias jamás consentirán sus bodas, deciden casarse en secreto, pero para vengar la muerte de su amigo Mercuccio, Romeo se enfrenta al primo de Julieta, Teobaldo, y tras matarlo huye a la ciudad de Mantua, al mismo tiempo que el padre de Julieta concierta el matrimonio de su hija con otro hombre. Para evitar el delito de bigamia --puesto que no puede confesar su matrimonio con Romeo-, Julieta toma una poción que le facilita el fraile que los había casado y mediante la cual podrá fingir que ha muerto y despertar más tarde en el panteón familiar, adonde Romeo acudirá a buscarla con el fin de huir juntos. El fraile enviará un mensaje a Romeo para comunicarle el plan, pero el mensaje no llega y Romeo oye la noticia de que Julieta ha muerto. Vuelve a Verona y se suicida ante el supuesto cadáver de Julieta. Poco después despierta ésta y al ver a su marido muerto decide matarse también. La obra termina con el dolor de las familias de ambos y la esperanza de que el odio causante de la tragedia cese por fin. Se trata de una de las obras más representadas de Shakespeare, y la mejor de las primeras (escrita hacia 1594). En el prólogo se dice que los amantes se encontraron *"bajo estrella contraria"*, como si su destino hubiera estado escrito en los astros desde mucho tiempo antes. Y en efecto, en cierta forma la obra es un catálogo de la mala suerte, aunque en el caso de Romeo son sus ímpetus juveniles los que le arrojan a ella. El fraile, en un momento determinado de la obra le dice: *"Ama, pues, con mesura, que así se conduce el verdadero amor. Tan tarde llega el que va demasiado deprisa como el que va demasiado despacio."* Romeo y Julieta trata tanto del amor como del odio. Shakesperare nos convence una y otra vez de que los amantes no habrían muerto si sus familias no se hubieran odiado innecesariamente. **[MANIFESTACIONES CULTURALES EN TORNO A "Romeo y Julieta]"** **ROMEO Y JULIETA EN LA MÚSICA CLÁSICA (ÓPERA Y BALLET)** Charles Gounod estrenó en 1867 su ópera Romeo y Julieta basada en la obra de Shakespeare. Hay también dos ballets famosos con el mismo título. Uno de Piotr Chaikovski y otro de Serguei Prokofiev. **ROMEO Y JULIETA Y EL CINE** Hay también numerosas películas que recrean para la gran pantalla esta tragedia de Shakespeare. Georges Méliès filmó, en 1902, en la época del nacimiento del cine mudo, la primera versión para la pantalla de *Romeo y Julieta,* que hoy se da por perdida.\ \ Desde entonces numerosos directores y actores han llevado al cine a los famosos enamorados. En 1916, en el tricentenario de la muerte de Shakespeare, la actriz y vampiresa Theda Bara hizo el papel de Julieta en *Romeo and Juliet* para la Fox. En 1920 Ernst Lubitsch rodó *Romeo Und Julia Im Schnee.*  En esta película traslada, en forma de comedia burlesca, la historia de Romeo y de Julieta a la nieve de los Alpes en una aldea bávara del siglo XIX. En 1936, George Cukor hizo *Romeo and Juliet* la primera adaptación estimable para el cine de esta tragedia. Sus principales actores son Norma Shearer y Leslie Howard. Está considerada como una buena versión cinematográfica en blanco y negro sobre los amantes de Verona. En 1943, el actor mexicano Mario Moreno, Cantinflas, rodó *Romeo y Julieta* una parodia de la obra de Shakespeare.En ella, aunque se respeta bastante la trama de Shakespeare,  los diálogos de la obra teatral incluyen dichos populares mexicanos y frases típicas de Cantinflas, pronunciadas por él y por los otros personajes, en verso con rima asonante. Renato Castellani filma en 1954 *Giulietta e Romeo*, de Coproducción angloitaliana.  La película de 1960 del director checo Jirí Weiss es traducida al español como *Romeo y Julieta y las tinieblas*. La historia transcurre en Praga, en 1942, durante la ocupación nazi.  Pavel, un estudiante, oculta en el ático de su edificio a una chica judía, de la pronto se enamora.  Cuando su madre se entera, surgen las dudas acerca de cómo actuar. Esta película es una variación sobre la historia de amor eterno de Romeo y Julieta de Shakespeare.\ Los temas de fondo son  el racismo y el miedo.  Del año 1961 es *West Side Story* de Robert Wise, uno de los clásicos más famosos del musical americano, con música de Leonard Bernstein, letra de Stephen Sondheim y coreografía de Jerome Robbins. Fue un musical sorprendente por varias razones, entre ellas, el hecho de que gran parte de las escenas se rodaron  en las calles de Nueva York y en la obra se dejaba ver la problemática social de las calles, la inmigración, el racismo y la xenofobia y los enfrentamientos raciales y se combinaba con gran habilidad y fuerza la danza con las canciones. *West Side Story* se convirtió en un clásico indiscutible y en la bandera musical de toda una generación. En el West Side de Nueva York, un barrio marginal, se enfrentan por el poder en las calles dos bandas callejeras de inmigrantes los Sharks y los Jets que su stituyen a los Montescos y a los Capuletos de Verona. Los *Sharks* son portorriqueños, y los *Jets*, de origen europeo. El jefe de los Sharks es Bernardo, que vive con su hermana María, que acaba de llegar a Nueva York. Una noche, en un baile, coinciden los dos grupos y se desencadena una violenta pelea. El conflicto se complica cuando, en el baile, la recién llegada María y Tony, un ex miembro de los Jets, se enamoran. El musical, que obtuvo diez Óscar (mejor película, dirección, actor secundario, actriz secundaria, fotografía, dirección artística, montaje, vestuario, partitura y sonido) alcanzó un gran éxito, sobre todo en Europa. En París logró permanecer durante casi seis años consecutivos en la misma sala. Franco Zeffirelli rodó en 1968 *Romeo y Julieta*, los jóvenes amantes de Verona coproducida por el Reino Unido e Italia. Es una de las versiones cinematográficas más conocidas y lleva la música del gran compositor Nino Rota. Zeffirelli realiza una aceptable versión de Romeo y Julieta, por primera vez con protagonistas verdaderamente adolescentes y situando la acción en los lugares originales. *Montoyas y Tarantos* es una película española, dirigida en 1989 por  Vicente Escrivá con música de Paco de Lucía. Es una nueva versión de la película de 1963 *Los Tarantos*. *Los Tarantos*, realizada por Rovira Beleta con los bailadores Carmen Amaya y Antonio Gades.\ Esta película de ambiente gitano de 1963, está inspirada en *Romeo y Julieta*.  *Romeo+Julieta* de Baz Luhrmann es una adaptación moderna del clásico de Shakespeare. Traslada la acción a Verona Beach donde se suceden los enfrentamientos por el poder entre las dos familias más poderosas, los Montesco y los Capuleto, cuyo objetivo es conseguir el dominio de la ciudad. Esta película de 1996 tuvo un gran éxito entre el público adolescente debido a la presencia como protagonistas de Leonardo DiCaprio y Claire Danes. *Romeo debe morir,* dirigida por Andrzej Bartkowiak en el año 2000 es una película de artes marciales.  Las familias que se enfrentan pertenecen a la mafia norteamericana y a la mafia china.\ \ *Bollywood Queen*, de Jeremy Wooding, es una producción británica del 2002 que mezcla el espíritu de las películas indias comerciales de Bollywood con  los musicales londinenses. *O casamento de Romeu e Julieta*, es una comedia brasileña de Bruno Barreto, del 2005, centrada en el mundo del fútbol. En esta ocasión, los amantes separados son de dos clubes de fútbol diferentes. *Gnomeo y Julieta* es una película de animación realizada en EEUU, en el 2011, porKelly Asbury. Está protagonizada por unos gnomos de jardín, que luchan para que su historia de amor tenga un final feliz, entre disputas con los vecinos.\ El 11 de octubre de 2013 se presentó en el Reino Unido la nueva adaptación de *Romeo y Julieta *de William Shakespeare con dirección de Carlo Carlei, guión de Julian Fellowes, y protagonizada por Douglas Booth y Hailee Steinfielfd. **ROMEO Y JULIETA EN LA PUBLICIDAD** *La tragedia de Romeo y Julieta* de William Shakespeare y todo su entorno ha sido una fuente de inspiración permanente para los publicitarios. Su tema, sus personajes, la estética asociada a la obra o la ciudad de Verona se pueden rastrear a través de la historia de la publicidad. Productos de alimentación como el chocolate o de tipos muy variados como ropas, perfumes, relojes, tabaco, juguetes, joyas o coches deportivos, por poner algunos ejemplos, se han aprovechado de *Romeo y Julieta* para intentar conseguir aumentar sus ventas. Las escenas de *Romeo y Julieta* representadas con mayor frecuencia por los anuncios publicitarios son la del balcón y la de la muerte de los dos enamorados. Ambas escenas llaman poderosamente la atención del público pues tratan sobre el amor y la muerte, dos de los grandes temas clásicos, y son inmediatamente identificadas por todo el mundo puesto que pertenecen a la cultura popular. Una gran mayoría de las personas conoce esas escenas a través de la tradición popular y cultural aunque nunca haya leído *Romeo y Julieta* o no la haya visto representada jamás. Por su gran impacto ambas escenas se consideran las más representativas de la obra y están muy grabadas en la imaginación popular. Aunque es muy frecuente que los personajes de Romeo y Julieta aparezcan representados de forma convencional, en muchas ocasiones se recurre a asociaciones más distantes o atrevidas para llamar la atención sobre el producto. La marca de ropa y moda H&M, contrató al fotógrafo norteamericano David LaChapelle para mostrar una moderna versión, inspirada en el musical *West Side Story, *de la clásica historia de Romeo y Julieta. En ocasiones las referencias a la obra son mínimas, en el anuncio de Espace2, una emisora de radio francesa, la presencia de dos enamorados que se besan y la aparición de la palabra Shakespeare nos llevan directamente al tema de la pasión amorosa de Romeo y Julieta. Uno de los acercamientos más frecuentes de la publicidad a la obra de Shakespeare es a través de la comicidad. En muchas ocasiones, se intenta captar la atención del posible cliente mediante el sistema de incluir, como elemento de sorpresa, un rasgo cómico en un tema trágico. Las librerías mexicanas Gandhi nos resumen el argumento de Romeo y Julieta como si fuera un titular sensacionalista de un periódico amarillista y acompañan el anuncio con el color adecuado. Romeo y Julieta prestan su imagen y sus valores a productos que, aparentemente, poco o nada tienen que ver con los famosos enamorados como puede ser un cuenco de porcelana de *The Franklin Mint*. Pero también es muy frecuente que se escoja a uno solo de los protagonistas como representante de una serie de valores determinados que se quieren asociar al producto. Mientras que a Romeo se le asocia la pasión y el ímpetu  del amor joven, a Julieta se le añaden a las anteriores las connotaciones de inocencia, ternura, frescura y belleza. Si el producto tiene dos versiones, como en las chocolatinas de la marca Gery, se suele identificar la que se considere de manera convencional socialmente más adecuada para los hombres con el nombre de Romeo y la variedad vista como más femenina con el de Julieta. **ROMEO Y JULIETA EN LA MÚSICA POPULAR** **\ ** La música popular ha recogido de múltiples maneras el tema de los desgraciados amantes de Verona. Peggy Lee en su tema *Fever* dice: *Romeo loved Juliet, Juliet she felt the same.\ When he put his arms around her, he said \"Julie baby you\'re my flame\"* Tomando el título de una cita de Shakespeare, Duke Ellington compuso una pieza titulada *The Star-Crossed Lovers.* Shakespeare utiliza esta expresión para referirse a aquellos enamorados que como Romeo y Julieta tienen a los astros en su contra. El clásico del rock n´roll Lou Reed nos da una terrible imagen de Romeo y Julieta en su tema *Romeo had Juliette* ambientada en un Nueva York sórdido recorrido por la muerte y los traficantes de drogas. Por su parte, otro clásico como Bruce Springsteen también tiene una versión de *Fire*, un tema de las Pointer Sister en el que también se hace referencia a los amantes de Verona. Dentro del pop latino, el grupo dominico-estadounidense Aventura hizo una bachata titulada *Romeo y Julieta.* De Tom Waits es el tema *Romeo is Bleeding*, en español, Romeo está sangrando. Según Waits la historia está basada en un incidente real en Los Ángeles y se refiere al líder de una banda mexicana que fue tiroteado y murió en un cine del centro de la ciudad. La letra de la canción hace uso frecuente del spanglish. The Reflections, Dire Straits, The Killers, Paquita la del Barrio, Jarabe de Palo, Karina, Melendi\... La lista de grupos y cantantes que nos recuerdan a Romeo y Julieta se hace interminable. 2. **HAMLET** **Título original: *The Tragedy of Hamlet, Prince of Denmark (1602)*** Tal vez sea junto con *Romeo y Julieta* la obra más conocida de Shakespeare. Tras la muerte inesperada del rey de Dinamarca, su hermano, Claudio se casa con la reina viuda Gertrudis. La muerte de su padre no es asumida por el príncipe Hamlet, que acaba de llegar de fuera y que rechaza la nueva boda de su madre la reina. El espectro del padre se aparece a Hamlet en la muralla del castillo de Elsinore y le cuenta las circunstancias de su muerte y cómo fue envenenado por su propio hermano, el ahora rey Claudio y su esposa Gertrudis y pide venganza. Hamlet promete obedecer y planea su venganza, pero su naturaleza melancólica le hace irresoluto y le obliga a diferir la acción; mientras tanto se finge loco para evitar la sospecha de que él pueda constituir una amenaza para la vida del nuevo rey. Se cree que ha  enloquecido por  el amor de Ofelia, hija del chambelán Polonio, a la que, habiendo cortejado  con anterioridad, trata ahora cruelmente. Más tarde, en una discusión con su madre y al observar el movimiento de una cortina, apuñala a Polonio el gran chambelán de la corte, que se hallaba escondido en las habitaciones reales. El rey Claudio, decidido a hacer desaparecer a Hamlet, le envía a Inglaterra con Rosencrantz y Guildenstern, pero unos piratas capturan a Hamlet y lo devuelven a Dinamarca. A su llegada encuentra que Ofelia, loca de dolor, se ha ahogado.\ El hermano de la muchacha, Laertes, ha vuelto para vengar la muerte de su padre Polonio. \ El rey Claudio, aparentemente, quiere apaciguarlos e induce a Hamlet y a Laertes a rivalizar, no en un duelo, sino en una partida de armas que selle el perdón.\ Pero a Laertes le dan una espada con punta y envenenada. Y por si esto fallara también envenena una copa para cuando Hamlet pida beber. La reina al ver que su hijo va ganando quiere brindar por él y bebe de la copa envenenada. A su vez Hamlet es herido con la espada envenenada, pero antes de morir hiere mortalmente a Laertes que confiesa la trampa del rey. Hamlet lleva a cabo por fin su venganza y antes de morir mata al rey Claudio. Hamlet es el prototipo del intelectual reflexivo y al mismo tiempo melancólico. Su actitud y su carácter han sido analizados desde infinidad de puntos de vista y en múltiples matices. Se ha dicho que Hamlet es el espejo en el que cualquier lector o espectador puede identificarse. En *Hamlet* se entrelazan variedad de temas y se plantean muchas dicotomías filosóficas, entre ellas se pueden citar: la justicia y la venganza; la razón y la locura; el destino y el sentido de la vida; la apariencia y la realidad; el honor y la vileza; el deber y la obstinación, etc. 3. **OTHELLO** ***The Tragedy of Othello, The Moor of Venice*, 1604** Esta obra está basada en el cuento *Un capitán moro*, el número 37 de los 100 cuentos que contiene los *Hecatónmitos* (1565) del escritor italiano del XVI apodado Cintio (Giovanni Battista Giraldi). La acción se desarrolla primero en Venecia, la célebre ciudad del norte de Italia, y después en la isla de Chipre, en el Mediterráneo oriental. Yago odia al general Otelo por haber dado el puesto de lugarteniente a Casio en vez de a él. Otelo se ha casado secretamente con Desdémona, hija del senador  Brabancio y Yago piensa utilizar este matrimonio para vengarse de Otelo y de Casio. El Dux de Venecia envía a las tropas de Otelo a Chipre en campaña de pacificación y tanto Desdémona como Emilia, esposa de Yago, acompañan a sus esposos. En Chipre, Yago consigue emborrachar a Casio y hacer que se pelee con Rodrigo, antiguo pretendiente de Desdémona. Como consecuencia de la riña, Casio es arrestado y desprovisto de su cargo. Yago insta a Casio para que visite a Desdémona pidiéndole que interceda por él ante su marido y ella lo hace. Entonces Yago convence a Otelo de que su esposa y Casio tienen conversaciones amorosas, sembrando inmensas dudas y exagerados celos en la mente del moro. Emilia, esposa de Yago,  consigue un pañuelo de Desdémona que Yago  coloca en la habitación de Casio para aumentar las sospechas de Otelo. Este pregunta a Desdémona por el paradero del pañuelo y ella no le dice que lo ha perdido. Otelo manda a Yago que mate a Casio y él mismo se enfrenta duramente a su esposa, que defiende firmemente su inocencia. Al mismo tiempo, Yago convence a Rodrigo para que mate a Casio pero Rodrigo no lo consigue y Yago  quita la vida al propio Rodrigo para que no le implique en el complot. Enloquecido por los celos, Otelo estrangula a Desdémona en el lecho conyugal. A pesar de la oposición de su marido, Emilia quiere demostrar ante Otelo  la inocencia de Desdémona, pero Yago apuñala a su mujer para que no le delate. En el cuerpo de Rodrigo se encuentran cartas en las que se explica toda la verdad. Otelo, desesperado en su amor y en su arrepentimiento se quita la vida a sí mismo, a la vista de Casio y muere en el  mismo lecho donde yace el cuerpo sin vida de su inocente esposa. Se ha dicho que *Otelo* es la tragedia de Shakespeare de mayor suspense y que consigue mantener la tensión dramática en todo momento. Ello se debe a que no hay ningún argumento secundario ni personaje superfluo. La actuación del bufón, que en otras tragedias acapara gran parte del espectáculo, es prácticamente nula. Otelo es la tragedia de los celos. Los celos no sólo son el principal tema de la obra sino que se repiten como motivo recurrente, entrelazando a todos los personajes. Otelo tiene celos de Casio acerca de Desdémona. Yago tiene celos de Casio, tanto a nivel profesional como amoroso y celos de Otelo porque sospecha que ha tenido relaciones con Emilia. Rodrigo tiene celos de Otelo y de Casio y Blanca también siente celos a causa de su amor por Casio. En el bando contrario están aquellos que no sienten celos pero los provocan inconscientemente: Desdémona, Casio y Emilia. El tema del racismo y la xenofobia está también presente en la figura de Otelo que, a pesar de su gran heroísmo y sangre real, nunca es admitido plenamente en la sociedad blanca. El matrimonio entre Otelo y Desdémona es considerado tanto por Brabancio como por Yago contra natura y monstruoso. El motivo de la raza se alza siempre como una barrera para Otelo en su vida privada y en su vida pública. La oscuridad de la piel se refleja constantemente en recursos dramáticos basados en la dualidad blanco-negro, claro-oscuro, día-noche. Por otro lado el l llamado "Síndrome de Otelo" es un buen ejemplo de la paranoia conyugal que, por desgracia, cuatrocientos años después de que Shakespeare escribiera este drama todavía se "representa" en demasiados hogares por culpa de la\ violencia de género. **3.4. MACBETH** *The Tragedy of MacBeth* (1605) trata de **la ambición** y reflexiona sobre la predestinación y el libre albedrío. Según la crítica, el autor actúa aquí como psicólogo, ofreciendo una descripción detallada del **proceso que lleva desde la ambición al castigo, pasando por el crimen y la culpa.** De todo ello partícipes los dos miembros del matrimonio Macbeth. Macbeth es un general del rey de Escocia, un día tres brujas  le profetizan que él ocupará el trono en el futuro. A la vez a su amigo Banquo también se le profetizará que será padre de reyes. Macbeth y su mujer deciden adelantar los acontecimientos y para ello asesinan al rey y a cuantos súbditos se interponen en su camino, incluido el propio Banquo.  [Lady Macbeth terminará derrumbándose ante el peso de los acontecimientos y de su conciencia. Vaga sonámbula noche y día intentando lavar una mancha de sangre que no desaparece nunca de sus manos. Finalmente acaba muriendo.  ](http://2.bp.blogspot.com/-QbKRB6xhRVE/Tra5zCno3uI/AAAAAAAABbY/dPJ0842_Hbw/s1600/george+catermole+lady+macbeth.jpg) A Macbeth también se le predijo que no podría ser asesinado por hombre nacido de mujer y a por eso se convierte en víctima de Macduff, a cuya familia había asesinado y al que no había dado a luz ninguna mujer al haber sido extraído al nacer del vientre de su madre muerta. Asistimos a una tragedia sangrienta que no obstante no es un mero juego escénico sobre el asesinato, sino más bien la representación de la lucha del protagonista contra sí mismo. El ambicioso Macbeth combate contra sus brotes de ética, venciendo siempre el lado oscuro humano. Las brujas refuerzan el carácter tenebroso de toda la trama; Lady Macbeth es el impulso necesario para hacer caer a su dubitativo marido en el abismo; y todo parece apuntar a la intención de dejar al espectador con la certeza de que el mal es un hecho de permanencia inevitable. 5. **EL REY LEAR** *King Lear*, 1605 Trata de la ingratitud filial, la vejez y la locura. La figura del rey que abandona sus obligaciones representa la importancia del liderazgo político para evitar la descomposición social. El anciano Lear decide dividir su reino entre sus tres hijas, Goneril, esposa del Duque de Albany; Regan esposa del Duque de Cornwall y Cordelia, cuya mano pretenden el Duque de Borgoña y el Rey de Francia. Lear quiere primero escuchar de los labios de cada una de sus hijas la expresión del amor que sienten por él. Las dos mayores lo expresan hipócritamente pero Cordelia, que es la única que ama a su padre se niega a la adulación. Despojada de su dote no es aceptada por el Duque de Borgoña pero sí por el Rey de Francia que la hace su esposa. El Conde de Kent intenta defender a Cordelia y es expulsado del reino, pero  disfrazado de plebeyo se pone al servicio del viejo Rey. El hijo bastardo del Conde de Gloucester, Edmund concibe un malévolo plan mediante el cual su padre cree en la traición de su hijo legítimo Edgar y éste ha de huir para evitar la ira de Gloucester. Una vez despojado de su poder, Goneril y Regan desprecian a su viejo padre,  le privan de su séquito e incluso llegan a negarle cubierta en una noche de terrible tormenta. Gloucester se pone al lado del Rey y por este motivo El Duque de Cornwall le arranca los ojos con la toda la complacencia de Regan. Edmund acompaña a Goneril hacia Escocia y ella le expresa su pasión adúltera. Cornwall es asesinado por un criado fiel a Gloucester y Regan, ya viuda, también pretende a Edmund como esposo. Gloucester cegado e impotente es acompañado hacia Dover por su hijo Edgar que se ha disfrazado del loco Tom y evita el suicidio de su padre.  Lear  ha perdido  la razón pero,  ayudado por Kent,  consigue llegar a Dover donde le espera Cordelia. Ambos son apresados y en la cárcel Lear recobra el juicio y pide perdón a su hija reconociendo entre lágrimas su terrible error. Por su parte Edgard, tras haber acompañado a su padre a una muerte digna y conciliadora reta a su hermano bastardo en un duelo y lo mata. Goneril, que ha envenenado a su hermana Regan por celos de Edmund, también se suicida al ver a su amante muerto. Lear aparece entonces en escena con el cadáver de su hija Cordelia que ha sido ahorcada por orden de Edmund. Incapaz de soportar más dolor y de asumir que ya nunca más podrá volver a ver a su amada hija, muere. A medida que Shakespeare avanza en la escritura de sus obras a través de los años, la visión general que ofrece es más y más terrible y nihilista. *El rey Lear* nos presenta dos tramas diferenciadas y paralelas: la del rey y sus tres hijas y la de Gloucester y sus dos hijos. En ambos casos hay un hijo traidor y un gran sufrimiento por parte de los padres. La familia es un lugar donde tienen lugar las peores pesadillas. El matrimonio es una farsa, y el gran personaje negativo de la obra, Edmundo, no alberga ningún tipo de sentimiento. No obstante, el rey loco y Gloucester tienen también hijos que les aman con sinceridad; lo cual les sirve de escaso consuelo justo antes de morir. Y al final, Edgardo queda como única esperanza de futuro. La figura del Rey como mantenedor del orden y la armonía social  es fundamental. En el momento que esta figura se derriba,  toda la sociedad se derriba. La debilidad de Lear al dejarse llevar por su vanidad y su ira dará pie a que los caracteres nobles, Cordelia y Kent, sean víctimas de una gran injusticia. Por el contrario los personajes malvados, Goneril, Regan y Cornwal aprovechan esta debilidad del personaje central para arrebatarle el poder y dar rienda suelta a sus pasiones negativas: deslealtad, traición, tortura, lujuria, infidelidad y homicidio. La destrucción de la familia real conlleva la destrucción de la sociedad, todo el orden se tambalea dando lugar a la invasión de Bretaña por parte de los ejércitos franceses y dividiendo la nación al borde de la guerra civil. Locura y Ceguera son dos de los motivos dominantes en la obra. El rey Lear llega a la locura que tradicionalmente se emparejaba con la ira; su paralelo, El Conde Gloucester caerá en la ceguera que tradicionalmente se emparejaba con la lujuria.  El Rey Lear está ciego porque no ve el verdadero amor de Cordelia y la falsedad de Goneril y Regan al igual que Gloucester no reconoce las verdaderas intenciones de sus dos hijos. La locura está tratada desde diferentes ángulos. El Rey a medida que va perdiendo la razón a partir de las injusticias de que es víctima va siendo paradójicamente cada vez más lúcido en sus juicios de valor y en sus racionamientos. Es interesante observar que después del juicio que Lear realiza a sus hijas en las personas de unas gallinas, el bufón, que hasta entonces era el único al que se le permitía decir la verdad a través de su locura, desaparece definitivamente de la escena como si se hubiera realizado una trascendencia. El tercer loco es el Pobre Tom representado por Edgard, su locura es fingida pero le sirve tanto para conectar con el Rey Lear como para salvar a su padre. Las imágenes que predominan en la obra son las asociadas al sufrimiento físico. Vemos azotes, vejaciones, torturas, privaciones físicas, sensaciones de frío. El simbolismo principal aparece en la gran tormenta que establece el punto de flexión de la obra. Antes de la tormenta, aunque debilitado, el Rey todavía mantenía su posición y su cordura y Gloucester era el señor del lugar. Tras la tormenta, El Rey ha perdido la razón y Gloucester la vista. Ambos vagan como figuras errantes, acompañados de sus fieles Kent y Edgard hacia Dover donde tendrá lugar la escena final de la obra. La imaginería  animal es un elemento importante en *El Rey Lear. *Los personajes malvados son frecuentemente comparados con  buitres, centauros, cerdos, delfines, jabalís, leones, lobos, osos, pelícanos, perros, sapos, serpientes, tigres y zorros. Las dos versiones más destacadas para el cine son la soviética de Grigori Kozintsev de 1969, magnífica; y *Ran* (1985), de Akira Kurosawa, colorista traslación de la obra al Japón medieval. De 2008 existe una versión televisiva dirigida por Trevor Nunn para la BBC con Ian McKellen como Lear y Romola Garai en el papel de Cordelia.