Literatura Española del Siglo XVIII PDF

LETTERATURA SPAGNOLA III – PRIMA LEZIONE Siglo XVII El siglo XVIII es un siglo crucial, fundamental de la historia de España desde el punto de vista de las innovaciones políticas, sociales y económicas. A estas innovaciones no corresponde un análogo progreso en el ámbito literario, es como si la m...

LETTERATURA SPAGNOLA III – PRIMA LEZIONE Siglo XVII El siglo XVIII es un siglo crucial, fundamental de la historia de España desde el punto de vista de las innovaciones políticas, sociales y económicas. A estas innovaciones no corresponde un análogo progreso en el ámbito literario, es como si la medida racionalista de la Ilustración no hubiera facilitado la creación de auténticas obras de arte, al contrario, el uso del intelecto, de la razón típico del siglo XVIII parecen fallar, comprimir el auténtico genio español que hubo en el XVII, en el Siglo de Oro. La ilustración La Ilustración es un movimiento cultural, filosófico, político que atraviesa la Europa del siglo XVIII, alcanzando también hasta las últimas décadas del siglo, también en el continente Americano con la revolución de la Independencia americana y luego la independencia de las colonias del último ámbito español, en la segunda parte del siglo XIX. Es un movimiento que mediante las luces del intelecto, de la razón pretende disipar la ignorancia, el saber dogmático, el fanatismo religioso (los dogmas, las supersticiones). Los ilustrados luchan contra los poderes, contra la monarquía absoluta, la iglesia, la aristocracia y contra las verdades dogmáticas, ya establecidas, impuestas desde arriba, las que se han transmitido a través de los hombres. La razón para ellos es instrumento fundamental de conocimiento, de verificación de una sociedad perfecta de una ciudad feliz para los hombres. Una sociedad que está gobernada por la razón, por un principio racional, tal como había demonstrado el desarrollo de las ciencias naturales entre 600 y 700, con la afirmación de la física de Newton. Por lo tanto, los ilustrados quieren construir una ética, una sociedad conforme a esta razón humana; se dan una tarea, una misión: la, precisamente, de ilustrar (iluminar) al pueblo ignorante que vive en la superstición, en la miseria, en la ignorancia, creen, entonces, en la construcción de una sociedad perfecta, a través del triunfo del progreso, de la ciencia, de la tecnología. En este sentido, entonces, con la Ilustración se conjuga un optimismo filosófico con un profundo racionalismo que también recupera el sentido del humanismo de los filósofos clásicos, de los sofistas, de Sócrates que, por ejemplo, decía que La verdad está en sí mismo, tienes que buscarla a través del ejercicio individual de la razón, sin dejarte guiar por prejuicios impuestos por los demás. Kant, en su famoso discurso que es una respuesta a la pregunta qué es la Ilustración, hablando de este movimiento como de la salida del hombre de su minoría de edad. De hecho, el hombre precipita por su misma responsabilidad, por su misma ignorancia, por no saber hacer un ejercicio autónomo de su propia inteligencia y dejándose gobernar por los instintos de personas interesadas y oportunistas (los sistemas políticos, las monarquías absolutas construidas sobre la opresión y la ignorancia de la población). La publicación de la Enciclopedia entre 1751 y 1775, coordinada por Diderot y d’Alambert, fue un momento fundamental de imposición del movimiento. Participaron en la redacción de la Enciclopedia también ilustrados como Voltaire, Diderot y Rousseau. La Enciclopedia significó la compilación del saber humano, precisamente a partir del instrumento crítico de la razón, del juicio emancipado del dogma. La revolución francesa. La revolución francesa, la revolución de independencia americana y la revolución industrial representan los fenómenos históricos inspirados por la cultura de la Ilustración. De alguna manera, todo el siglo, toda aquella profunda renovación del espíritu filosófico, literario culmina en estos importantes procesos históricos. Francia es el país de donde se irradia el movimiento, Francia que, por supuesto, desde el punto de vista filosófico también había asimilado muchísimo de Inglaterra la estación del empirismo inglés, también con los aportes del criticismo kantiano. Desde un punto de vista filosófico, España no contribuye personalmente a esta gestación de las nuevas ideas, pero sí beneficia de una manera significativa se su introducción, de la difusión del movimiento en el país. La penetración de las luces de la razón en la península, en el ámbito hispano, favorece un proceso de reforma de la administración, de las instituciones, de la economía y en general de la sociedad de España, un país que a comienzos del siglo presenta un destaque, un retraso notable en comparación con los demás países europeos. Contexto histórico - Guerra de sucesión (1702-1713) El siglo empieza con una guerra de sucesión en 1702, al morir Carlos II de Habsburgo sin una descendencia masculina. Él era también llamado “el hechizado” porque sufría de una condición de salud muy instable. Pues, muere sin hijos y en el testamento él designa como sucesor a Felipe d’Anyou (Anjou), que era francés, de la dinastía de los Borbones, el nieto de Luis XIV. La posibilidad era, entonces, de que se instaurase una monarquía llevada por los Borbones de España, algo que provoca los temores de las potencias españolas, sobre todo el sector del imperio austro-ungarico que, por supuesto, no ve de buen ojo la formación de una hegemonía cultural formada sobre el bloque monárquico España-Francia. Nace, entonces, una sangrienta guerra civil que supera los confines de los Pirineos, involucrando a las mayores potencias europeas. Por un lado hay quien apoya la candidatura al trono de Felipe d’Anoyu, por otro lado hay los sostenedores de la sucesión al trono del Archiduque Carlos de Habsburgo. Ganará la partida Felipe, que reinará con el nombre de Felipe V, llevando así un cambio de dinastía que ha vivido hasta llegar a nosotros. Los Austrias han dominado en España desde el 700. A partir del final de la guerra de sucesión de 1713, dominará y se instauró en España la dinastía de los Borbones. Con la Paz de Utrecht termina la guerra y, además, España pierde sus posesiones europeas. Seguirá, luego a Felipe V de Borbón y al rey Carlos III (que se puede considerar como la encarnación española del despotismo ilustrado, según el lemma “todo para el pueblo pero sin el pueblo”: sigue el espíritu reformista del absolutismo ilustrado. Es decir, hay que hacer de todo para mejorar las condiciones de vida del pueblo, pero sin considerar ninguna forma de democracia representativa, gobierna sobre la línea popular pero, de alguna manera, es sujeto pasivo de una mirada paternalista de la autoridad del poder monárquico que intenta mejorar las condiciones de vida de los estratos sociales más bajos) Carlos IV. Los tres monarcas, las tres monarquías imponen un periodo de intensas reformas de fecunda revitalización de la política cultural del país:  se crea, en estos años, la Biblioteca Nacional en 1712  fundan la Real Academia Española (1713), un poco a imitación de la Academie Francaise que más o menos había creado en Francia un siglo antes Richelieu. El lemma que defiende la Real Academia Española es “Limpia, fija y da esplendor”, refiriéndose a la lengua. Se trata de conservar, defender la pobreza del idioma español, en particular del proceso de corrupción al que parece continuamente sometido en las variedades que proliferan en los territorios de las colonias españolas, las colonias americanas.  nace también la Real Academia de la Historia en 1735.  comienza un proceso de reorganización, de reestructuración de la ciudad de Madrid. Por ejemplo, también con la construcción, la edificación de importantes polos museales, como el Museo del Prado. En Italia, por ejemplo, se construía la Reggia di Caserta, bajo el empuje de un similar reformismo social, artístico y cultural. Las letras Se destacan algunos momentos fundamentales en la literatura del siglo XVIII: Un primer momento que a largo de una repetición de la literatura barroca, se pasó de un formalismo bastante vació que no decía más nada, al lado de esta repetición de la fórmula barroca, se asiste a un trabajo de remoción de aquellos mismos modelos, se critica el modelo barocco en la medida en que se empieza a asimilar el espíritu del clasicismo, del racionalismo francés. Un momento importante en este proceso de afirmación de la nueva estética racionalista y clasicista es la poética de Ignacio Luzán, que no tuvo mucha suerte porque aprendiendo, estudiando, leyendo la obra francesa Arte poética de Boileau que Luzán había imitado de alguna manera. Rasgos de la literatura clasicista Los rasgos fundamentales de la literatura clasicista, literatura que también se impone en España:  una concepción de literatura instrumentalà la literatura es instrumento de educación, elevación pedagógica, más que de recreación, es, entonces, didáctico, no recreativo  las normas estéticas que guían el proceso creativo del autor clasicista del siglo XVIII a la medida, sutiles, la armonía de la forma, el lenguaje claro, muy lejos, en cambio, del lenguaje enrevesado, violento complejo del imaginario barroco. Los géneros Los géneros más frecuentados son:  El ensayo: El mayor esfuerzo creativo se muestra en el tratado, en el ensayo. Podemos recordar, por lo menos, una de las más importantes figuras de ilustrados españoles, es decir Fray Benito Feijoo, autor del Teatro crítico universal. A pesar del nombre, la obra no es teatro, son 8 tomos de escritos que, a la manera de la Enciclopedia, cubren los argumentos más variados, desde la religión, a la ciencia, a la filosofía, a la ética. Feijoo fue un benedectino, profesor de teología, impartió precisamente filosofía de la escolástica durante 10-12 años en la universidad de Oviedo, hasta que se rebeló hacia aquel método y empezó a transmitir sus conocimientos a sus alumnos a través del método de la enseñanza sofista, al razonamiento, la razón crítica, el ejercicio crítico de la razón a poder alejar nuestra visión, nuestro razonamiento de prejuicios asumidos y transmitidos mecánicamente. Uno de los problemas fundamentales de este hombre, que es benedectino, es precisamente alejar el catolicismo hispánico del magma de supersticiones que ocultaba su mensaje ético más profundo. Además de Feijoo, otra personalidad muy importante es la de Gaspar Melchor Jovellanos: un escritor que también destaca por su escritura polígrafa, realmente frecuenta todos los géneros, pero se impone sobre todo con sus tratados, informes publicados. Une en su personalidad el culto de las letras, el ejercicio de la ¿ Fue hombre de estado, pasó varios años de su vida en la España ya pillada por la invasión napoleónica, al comienzo del siglo XIX. Entonces, escribió muchísimos tratados e informes, como El Informe sobre la ley agrícola, pero también fue un cultivador entusiasta de la poesía.  La poesía ¿Cómo se hace poesía en el siglo XVIII? Se trata sobre todo de elegir una poesía de temas morales, filosóficos. Jovellanos, que frecuentó el Genio de la lírica, en una declaración expresa su reticencia  respecto a la frecuentación de los temas amorosos, percibida casi como un sentimentalismo velado, prohibido por los Ilustrados: “En medio de la inclinación que tengo a la poesía, siempre mirando la parte lírica que hay de ella como poco digna de un hombre serio, especialmente cuando no tiene más sujeto que el amor”. Entonces, lo que hay es la prohibición de todo lo que es íntimo, individual, sentimental a favor, en cambio, de propósitos morales y educativos.  El teatro Después de la confusión, del desarreglo del periodo barroco, hay un regreso a las normas aristotélicas, entonces, a las unidades de tiempo, lugar y acción, no se podía absolutamente huir de aquellas normas como habían hecho dramaturgos como Lope de Vega, que estaba visto muy mal por eso. Aquí también predilección de todo lo que era imaginativo, de todo lo sobrenatural, de la mezcla de los géneros, de lo trágico y de lo cómico, todo lo que luego los románticos volverán a mezclar. LETTERATURA SPAGNOLA III – SECONDA LEZIONE José Cadalso José Cadalso es una de las más importantes figuras del siglo XVIII en España. En su vida se cruzan la carrera militar con la carrera literaria y este escritor morirá en el sitio de Gibraltar defendiendo su patria, tras haber defendido su cultura, habiendo luchando siempre por el libre pensamiento, por la renovación de las artes y de la cultura de su país. Se le recuerda también por una interesante producción lírica “Con Ocios de mi juventud”, algunas de estas líricas estaban dedicadas a Filis, pseudónimo de su amada, la actriz Ibañez, que tuvo también un papel protagónico en una obra teatral que él escribió y dirigió, “Don Sancho Garcia”. Autor también de un escrito satírico bastante famosos, “Los eruditos a la violeta”, que hacía una sátira de los intelectuales que pretendían revestirse de un saber que no tenían, hablamos del saber enciclopédico de los ilustrados. Sus dos obras más importantes son las “Cartas marruecas” y las “Noches lúgubres”, ambas obras se publicaron posteriormente, después de la muerte del autor. Cartas Marruecas (1768-1771) Las “Cartas Marruecas” aparecen por entrega en un periodico, el Correo de Madrid, hacia el final del siglo. Las Cartas Marruecas reproducen el modelo de una importante obra de la ilustración europea y francesa, las “Cartas persas” (“Letres persaines”) de Montesquieu, el autor de “De l’esprit des lois”. Las cartas persas se organizaban como una correspondencia entre unos viajeros persas en Francia (lettere scambiate tra dei viaggiatori persiani in Francia). Son cartas tras las que los viajeros intercambian consideraciones sobre las instituciones, las costumbres y los lugares que van descubriendo en su camino viajero, con juicios muy duros y ásperos sobre distintos aspectos de estas costumbres e instituciones. Es una obra que se construye sobre el estilo epistolar y el estratagema del manuscrito encontrado: la obra se presenta como una colección de cartas que el autor ha encontrado casualmente. Ese estratagema confiere una sensación de autenticidad a lo que se lee. La finalidad de la obra de Montesquieu que da sentido a la obra del autor español y a la repetición del modelo, es la crítica a la institución y al absolutismo monárquico que es el centro de la reflexión de los ilustrados franceses. Montesquieu se rehace al modelo del extranjero que no entiende lo que ve, le parece todo tan absurdo, raro y ridículo. Entonces, a través de la mirada vigil del extranjero, se ponen en tela de juicio los sistemas sociales y políticos que están radicados en nuestra sociedad. Cabe señalar que Montesquieu en la carta 78, había insertado una estocada polémica muy fuerte hacia España, porque se inserta una carta de un corresponsal que ha viajado a España y habla muy mal de España, habla de España como de un país muy poco desarrollado. A través de esta carta, se difunde un tópico de la literatura ilustrada, retomado durante el Romanticismo, sobre la conformación peculiar de España como un país que realmente se ha quedado fuera de las corrientes del progreso. Está pronunciación tan negativa sobre el país, solicitaba la suspicacia de los intelectuales españoles que trataràn de responder a la crítica. Hay que recordar que ya Voltaire había criticado al país. Luego un ilustrado, Morvillers, había en un tratado en la Encyclopédie Méthodique un texto intitulado ”Qué se debe a España”, para decir que precisamente España no había producido nada, no había contribuido para nada al progreso del saber, de las civilizaciones de las naciones europeas. Fue un artículo que había irritado muchísimo a los españoles, que se habían sentido enfurecidos en su sentimiento patrio. Un mediocre escritor español, Forme, escribirá una “Oración Apologética” por España y su mérito literario, por eso se ganó una pensión vitalicia, ya que el rey estaba muy agradecido con él por haber defendido la patria y lo recompensò de esa forma. Cadalso escribió una defensa de la nación española contra la carta de Montesquieu. Esta forma de la escritura ensayística del siglo XVIII desarrolla una reflexión en torno a lo que se empezó a llamar “los espíritus de los pueblos”, las identidades nacionales que estuvieron en el centro de la reflexión y de la búsqueda nostálgica de los románticos. Estos tópicos se vuelven centrales también en la obra de Cadalso, más o menos sobre la misma estructura propuesta por el antecedente francés. Las “Cartas marruecas” son 90 cartas (hay el estilo epistolar) que se cruzan entre sí dos autores. Los personajes principales son Gazel, un marroquì que viaja por España travestido de cristanio aquen no lo es y Ben-Beley que es su anciano maestro que se ha quedado en África y que solicita informaciones sobre lo que está descubriendo y viviendo su discípulo viajero. Pero, en comparación a las “Cartas persas” de Montesquieu, se introduce aquí una novedad: se introduce a partir de la carta 20 otro corresponsal, que es un español y su nombre es Nuño Nuñez. Se presenta a sí mismo como un eremita, un sabio que se haya separado del mundo, encarcelado dentro de sí mismo. La introducción de este personaje permite que las visiones, las opiniones a veces duras, ácidas contra las instituciones españolas que están bajo la mirada de los extranjeros, sean corregidas desde la mirada del ciudadano español. De esta forma, se crea un poliperspectivismo que falta en la obra del maestro francés. Cierto es que, más allá de eso, de la manera como sale España, de la mirada que nos proporciona el autor de su país a través del intercambio dialógico entre estos 3 autores, a la manera de los ilustrados, siguiendo un tópico profundo y radicado de la concepción ilustrada, Cadalso está celebrando el valor sagrado de la palabra, de la razón crítica como instrumento de conocimiento y colaboración entre las poblaciones, como instrumento de interculturalidad. Es un Cadalso todo ilustrado él que sale de esta obra. Mientras es un Cadalso ya romántico o prerrománico que emerge en la otra obra póstuma que nos interesa, es decir “Noches lúgubres”. Noches lúgubres (1798) “Noches lúgubres” se publicaron póstumas en el Correo de Madrid y es una obra en la que sale ya una sensibilidad marcadamente romántica ya en la ambientación, en la escenografía que es la de un cementerio, un espíritu crepuscular que se evidencia ya en el título. Se ha dicho que los modelos que guiaron a Cadalso en la construcción e inspiración de la obra fueron las “Nights thoughts” del poeta inglés, Edward Young. Pero la obra de Cadalso comunica con obras de la transición pre -romantica - romantica, como “Los cantos de Ossian”, los cantos del poeta escosez Macpherson que había traducido cantos populares atribuyendolos a través de una falsificación a un cantor bargo antiguo. Entonces ya se imponía este imaginario fundado sobre paisajes espectrales, una naturaleza salvaje, indómita, el gusto por la naturaleza en un estado casi primitivo, la idea de la bondad del hombre primitivo que no había sido todavía corrompido por la civilización, una idea que había vehiculado Rousseau en aquellos años, forzando hacia nuevos caminos a la visión del progreso proporcionado por los filósofos ilustrados. Una obra fundamental que marca la transición hacia una nueva sensibilidad, publicada a mitad del siglo XVIII, de un autor vinculado con los logros más alto del Neoclasicismo, es “Las cuitas del joven Werther” de Goethe, en 1774. Tenemos laa forma epistolar y el tema del apoteosis del amor romantico que empoja al suicidio el joven no correspondido, que no puede ver satisfecha su pasion morbosa e insana. Fue una obra que tuvo un impacto enorme, y de hecho en aquellos años se registró una oleada de suicidios por amor de jóvenes secuaces de la nueva moda romántica que Goethe describió como una enfermedad juvenil. El Romanticismo fue un importantísimo movimiento cultural, filosófico, literario, artístico que nace sobretodo en Alemania, cruza el siglo XVIII y XIX y se difunde en toda Europa, que propone en primer lugar el culto de la subjetividad, el cutlo de la creatividad artística y del arte como instrumento de conocimiento privilegiado, de algo que no es alcanzable por los esfuerzos de la razón, del intelecto. Hay el “yo creador”, el arte, la intuición poética en lugar de la razón endiosada por los ilustrados. Encontramos toda la temática clásica del imaginario romántico: la noche, el sueño, el amor romántico, el sentimiento, la naturaleza como espejo del individuo, entonces la naturaleza en un estado tormentoso que es reflejo de la atormentada sensibilidad romántica. Todo eso se percibe ya en la escenografía y en el acontecimiento de las “Noches lúgubres". Se dice que de alguna manera esa obra refleja una situación real de Cadalso que amó apasionadamente a esta actriz, Ibáñez, que también fue objeto de su liricas y que actuó en su drama y que no resignandose a la idea de su fallecimiento y desaparición, había querido rescatar los restos de su cadáver en un cementerio y llevarlos a casa y matarse y darse fuego, junto con aquellos restos para volverse unidos como dentro de un polvo enamorado. Pero fueron solo rumores que se difundieron en torno a la obra, rumores que probablemente el mismo Cadalso hizo esparcir para dar resonancia a este escrito. El texto se presenta incompleto: estaba pensado como dividido en 3 noches pero solo se presenta una, los seguimientos fueron reconstrucciones apócrifas. Se desarrolla por amplios paisajes como un monólogo del personaje fundamental que se llama, de manera emblemática, Tediato (Tedio, tediato dalla vita) y que se encuentra en el cementerio donde se ha dado cita con el sepulturero, Lorenzo. Tediato ha pedido en cambio de dinero a Lorenzo que lo ayude a rescatar el cuerpo de un cadáver del cementerio. Aparecen también otros personajes secundarios como el niño, el carcelero o la justicia. Pero la acción se concentra con el protagonismo de Tediato que explica su condición de sufrimiento, expresa una visión completamente pesimista y negativa de la vida. Texto Noche primera “Qué noche… Lorenzo!” TRADUZIONE: “Che notte, l'oscurità, il silenzio pauroso interrotto dai lamenti che si sentono dal carcere vicino completano la tristezza del mio cuore. Anche il cielo si congiura contro la mia tranquillità se me ne restasse almeno un po’. Si infittiscono le nuvole, la luce dei tuoni com’è spaventosa. Tuona, ogni tuono è maggiore di quello che precede e sembra produrne un altro ancora più crudele. Il sogno, dolce intervallo, nei lavori degli uomini si turba, il letto coniugale, teatro di delizie, la culla nella quale cresce la speranza della casa. La riposata stanza degli anziani venerandi, tutto è inondato da un pianto, tutto trema, non c’è uomo che non si creda mortale in questo istante. Ah, se fosse l’ultimo della mia vita, quanto sarei grato, quanto è orribile ora, quanto è orribile. Più di quello che è stato il giorno, il triste giorno che fu la causa della scena nella quale mi trovo ora” SPIEGAZIONE: Vemos aquí el monólogo de Tediado que va dibujando a los lectores el escenario en el que se encuentra. Lo scenario: Cadalso mette un cimitero ma anche un carcere da cui provengono le urla dei detenuti. Vi sono i tratti fondamentali dell’ambientazione che corrispondono perfettamente allo stato d’animo del protagonista: un cimitero, un carcere vicino da cui arrivano le grida, un cielo nuvoloso, il temporale che incede, tuoni e lampi. Questa una notte che dalla percezione turbata/inquieta del protagonista si riempie di un pianto, un pianto che turba anche il sonno tranquillo dei cittadini che Tediato immagina nelle loro case ed anche il letto calmo/tranquillo degli anziani venerabili nella percezione dinamica di Tediato. Il fatto che la natura rispetti lo stato d’animo del protagonista è tipicamente romantico, rispetto ad una natura tranquilla, di belle forme e composta, pervasa dall’alito divino ma sempre corrispondente ad una armonia complessiva della sensibilità romantica. Se profundiza esa visión de una naturaleza salvaje, en estado de inquietud, tormenta, lámparas y truenos, la montaña. El siglo XIX descubre todo el paisaje de la montaña que había sido frecuentado por la estética de los siglos anteriores, del Renacimiento y de la misma ilustración. En el segundo párrafo se introduce una referencia a otro personaje fundamental dentro de la acción, Lorenzo. Nos hace entender que espera a Lorenzo que no llega, quizás va a llegar. TRADUZIONE: “Codardo, lo spaventerà questa visione che gli offre la natura, non vede l’interiorità del mio cuore, ne rimarrebbe ancora di più spaventato. Forse la promessa della ricompensa lo farà venire. Senza dubbio il denaro, ah denaro cosa puoi fare, di cosa sei capace. Solo un petto ti ha resisto, non esiste più. Già il tuo dominio è assoluto, già non esiste più il petto che ti ha resistito. Stanno per rintoccare le due. Questa è l'ora dell'appuntamento con Lorenzo. Memoria, triste memoria, crudele memoria. La memoria forma più tempesti nella mia anima che di nubi nell’aria in questo momento. Questa è anche l'ora in cui ero solito passeggiare per queste stesse strade in tempi molto differenti da questi… molto differenti. Da quel tempo ad ora tutto è cambiato nel mondo, tutto tranne io. Sarà per caso Lorenzo quella luce tremola e triste che intravedo? Sarà sua. Chi se non lui in questa circostanza, per la ricompensa, uscirebbe da casa sua? è lui. Il volto pallido, magro, sporco, con barba, pauroso, con la zappa e il piccone…” SPIEGAZIONE: Di nuovo vi è questo parallelismo corazon-tempestad y noche-sepulcral en el cementerio. El premio es la recompensa en dinero. Tediato pensa che la promessa della ricompensa forse lo farà arrivare, e poi deduce che sicuramente sarà così, perché nella sua visione pessimistica dell’uomo, uno dei pochi motori che lo muovono a fare le cose è proprio il denaro, quindi vi è la critica al materialismo, argomento centrale per gli uomini del romanticismo. Solo un petto ha resistito al denaro: si sta riferendo all’amata, idealizzata come una persona pura, l’unica che si opponeva alla negatività del vivere e dell’esistere e che ha resistito alla tentazione del denaro. Hay otro paralelismo entre ambiente anímico y ambiente atmosférico exterior, el corazón en tempestad y la tempestad de afuera. Luego nos hace imaginar la llegada de Lorenzo, a través de ese monólogo vemos aparecer la sombra de Lorenzo desde lejo, con una luz trémula y triste, y podemos imaginar que es la luz de su interno con la que poco a poco se va revelando a la vista del hombre que lo està esperando. Arriva con gli attrezzi fondamentali del becchino, gli strumenti con i quali dovranno mettersi all’opera per sposare i resti dell'amata. TRADUZIONE: “Vestito lugubre, le gambe nude e i piedi scalzi che calpestano con turbamento; tutto ciò mi dice che è Lorenzo, il becchino del tempio, quella sagoma (bulto) incontro che spaventerebbe chiunque lo veda. Lui, senza dubbi, si avvicina, mi levo il mantello e mi faccio riconoscere e gli segnalo la mia luce. Già arriva. Lorenzo! Lorenzo!” “Yo soy … con horror” TRADUZIONE: “Sono io, ho compiuto la mia parola, ora tu compi la tua, il denaro che mi hai promesso? È qui, avrai il coraggio di proseguire quest’impresa così come me l’hai offerto? A condizione che mi paghi il lavoro. Interesse, unico movente nel cuore umano, qui c’è il denaro che ti ho promesso, tutto diventa facile quando il premio è sicuro, il premio è giusto una volta offerto. Povero me, quando ho osato prometterti ciò che compirò, quanta miseria mi opprime quando ti ho promesso (nella scena successiva ci sarà un amico di Lorenzo che presenta un quadro di degrado sociale che è spaventoso, Lorenzo le dice que està oprimido por la miseria y la degradación). Prendi la chiave della chiesa? Questa è. La notte è scura e spaventosa. Così tanto che tremo e non vedo. Dammi la mano e continuiamo, ti guiderò e ti porterò. Da 35 anni che sono un becchino, senza che ci sia un solo giorno in cui abbia sepolto uno o più cadaveri, non ho mai svolto il mio lavoro con orrore” Lorenzo busca a su amigo para ver si vale la pena meterse a la proba. El templo es la iglesia, la cappella in questo caso; en el cementerio se ambientará otra obra fundamental de la literatura romántica, el Don Juan Tenorio, revisitación de la obra de Tirso de Molina. SPIEGAZIONE: El sepulturero sigue caminando en búsqueda de la tumba, en un cierto momento, la identifica, la reconoce y Lorenzo todavía no sabe el porqué del gesto sacrílego (es sacrílego enterrar los cuerpos de los muertos) y entonces, hace conjeturas sobre la identidad de la persona que tenía que desenterrar, no sabe quién es, hipotetiza que sea el papá, la madre, la hermana o que sea un hijo. Este dialogo solicita la visión completamente pesimista de Tediaco acerca del ser humano, entorno a las instituciones, también las instituciones familiares. Se trata de una visión completamente distante de aquel férvido y optimismo filosófico que había atravesado todo el siglo XVII. “Ya he empezado a alzar … vicios suyos” TRADUZIONE: “Già ho cominciato ad alzare la lastra della tomba, mamma mia quanto pesa, pesa tanto. Ora che vedrai il corpo di tuo padre, devi avere tanto affetto per lui se trascorri una notte tanto dura per rivederlo ma l’amore di un figlio è molto, è tanto quello che si meritava il padre. Un padre? Macché! Ci generano a loro piacere, ci crescono per obbligo e ci educano affinché li possiamo servire, ci danno il matrimonio per perpetuare i loro nomi, ci correggono per puro capriccio, ci diseredano per ingiustizia e ci abbandonano per servire i loro vizi. Lorenzo ipotizza che sia la madre, che cos’è quello che non si deve a una madre! Anche loro ci generano per loro piacere, a volte per la loro incontinenza (sessuale o riproduttiva), ci negano l’alimento del latte che la natura gli ha dato per questo unico e sacro fine, ci iniziano con il loro cattivo esempio, ci sacrificano ai loro interessi, ci rubano le carezze che ci devono e le depositano piuttosto in un cagnolino o in un uccellino. Allora dev’essere stato un tuo fratello che ti fu tolto in una maniera tanto forte da voler andarlo a visitare, a cercare i suoi resti, le sue ossa? Che cos’è un fanciullo, un bimbo? Un ritratto orrendo della miseria umana, malattia, debolezza, stupidezza, fastidio e schifo e orrore. Gli anni successivi, una campionatura dei vizi, dei bruti posseduti in più alto grado, quindi, lussuria, gola e disobbedienza. Lorenzo dice che quadretto che ci stai facendo. Con l’apertura già si possono vedere tutti i vermi che salgono con la luce della mia lanterna. Già tutto il piede destro è ricoperto dai vermi, quanta miseria mi annunciano in queste creature schifose, in questi vermi si è trasformato la tua carne. Dai tuoi occhi belli si sono generati questi vermi schifosi, il tuo capello che, nella l’ardore della mia passione, ho chiamato mille volte non solo il più biondo ma qualcosa di più prezioso dell’oro ha prodotto questa immondizia, le tue bianche mani e le labbra amorose si sono volte in materia in corruzione, in che stato saranno allora le triste reliquie del tuo cadavere! Quale senso non offenderà quella stessa persona che è stata l’incantesimo (perché incantava tutti i sensi dell’essere umano di tutti loro. Di più, di più! Perché piangi? Non possono essere solo lacrime le tue e le gocce che mi cadono nelle mani, stai piangendo? Non parli? Rispondi. Vieni meno?” SPIEGAZIONE: Los dos están en el proceso de levantar las pesadas sobre las cuales yace la tumba de la amada, pero Lorenzo no sabe, dice que pesa mucho. Lorenzo está hipotetizando que sea su papá, hipotetiza que sea su mamá. Hay algunas observaciones retoricas bastante descontadas, como “La madre è sempre la madre”, aun menos que el padre porque, por supuesto, la visión negativa de la mujer puede hipotecar como Cadalso dibuja a la madre que al padre. La leche = en aquellos tiempos era normal entregar la crianza del bebé a la nutriz, las mujeres de las clases sociales más altas no se manchaban, no se esforzaban, no esforzaban sus senos en el acto de la lactancia, eran creadas mujeres de la servitud lo que hacían esto, cuando Lorenzo dice “nos niegan el mito de la leche”, tenía razón. C’è un terribile ritratto di una madre avara, solamente trascinata dai suoi interessi, da uno scopo riproduttivo e che riversa i suoi affetti su piccole mascotte domestiche. Se destruye la imagen de la hermandad, dice que, en poco tiempo, los lazos entre los hermanos se destruyen de una manera que más parecer animales de distinta especie que seres humanos que son nacidos de un mismo vientre, de una misma madre. A questo punto, Lorenzo ipotizza che sia stato un figlio e qui, anche contro l'immagine del fanciullo, dell’infante, se desencadena en una furia verbal de Tediato. Se dice que, de alguna manera, Rousseau ya empieza a dibujar otra visión del hombre, frente a los ilustrados que habían acelerado el progreso ilimitado del ser humano, había imaginado que, a través de la luz de la razón, se podía cumplir, dar lugar a la promesa de una felicitad social ilimitado. Rousseau ya habla realmente de un cambio de la civilización, del progreso, como algo que propea las calidades más puras del ser humano, que nace realmente bueno, inclinado a lo bueno, hay un estado de salvaje primitivo en la sociedad arcaica y primitiva y luego se connota poco a poco en la medida de que es educado. Pero, realmente, en la visión de los ilustrados, el niño es algo completamente positivo. La pedagogía nace con la ilustración, hay todo un interés hacia el momento de la niñez, pero este mediato parece en eso con los ilustrados. Mientras van conversando y Tediato desahoga su horrible humor, su visión tan tétrica, mientras tanto se ha logrado levantar la losa e inmediatamente salgono gli olezzi del corpo in stato di putrefazione (los olores del cuerpo en un estado de putrefacción). Tenemos que imaginar Lorenzo con las narices tapadas que no puede. En el asco, inmergidos, casi están al punto de dejar la losa que han trabajosamente levantado y Tediato lo suplica de no dejarlo. Quel tanto che hanno aperto la lastra, già permetta che salgano in superficie i vermi (gusanos) che si vedono con la luce della torcia. La prosa di Cadalso, anche con un effetto ottico, ci fa immaginare la processione dei vermi che salgono, Cadalso insiste en los detalles. Realmente, toda la investigación de Lorenzo entorno a la persona que Tediato quiere rescatar va, de alguna manera, a definir el personaje. Este personaje que ya se ha convertido en creaturas horrorosas, en gusanos. Dopo questa breve inserzione lirica di Tediato, che così ricorda le bellezze dell'amata, spiegando al lettore anche l'oggetto del suo recupero lugubre, dopo riprende il dialogo. Ad un certo punto, vengono meno le forze a Tediato e la lastra si richiude sui resti che cominciavano ad apparire in così macabra apparizione, il sole comincia a salire e quindi impone ai due di lasciare incompiuta l’opera, si danno appuntamento il giorno successivo ma anche il giorno successivo, otra vez se han dado cita Lorenzo y Tediato pero al llegar al cementerio, Tediato encuentra el cuerpo de un hombre en agonía, casi muerto, lo descubre e identifica como el autor del asesinato por lo cual, lo lleva a la cárcel, hay la aparición de un guardia. Entonces, también fracasa esta segunda noche, el plan entre el hombre y el sepulturero. En la noche, en cambio, el niño, el hijo de Lorenzo, avisa a Tediato de que el hombre no podrá ir porque se ha encontrado oprimido en una desgracia familiar y se cierra así el texto de “Las noches lúgubres”. Es una obra que anuncia, anticipa un romanticismo que se encontrará en España muy tarde, de hecho, en España, se habla de la afirmación de un Romanticismo tardío y realmente también muy breve y no particularmente no muy intenso puesto en comparación con los Romanticismos de otros países. Siglo XIX – cuadro histórico Para entender la dinámica del proceso del Romanticismo en España es fundamental entender algunos momentos fundamentales del proceso histórico. Fue el siglo XIX un siglo lleno de conflictos, un siglo sangriento que empieza con la Guerra de independencia, en contra de invasor francés y cierra con otro conflicto con el cual España pierde las ultimas colonias americanas: Cuba, Puerto Rico y Filipinas, había ya perdido en las décadas 20/30 la mayoría de sus posesiones coloniales en Hispanoamérica. Las dinámicas: al principio del siglo, reina el rey Carlos IV, realmente un rey débil, frágil y vicioso y sustancialmente gobierna a través de la acción y del protagonista de su valido, de su secretario, Godoy, que además es el querido, el amante de la regina, de la esposa y por supuesto, hay un fuerte descontento popular hacia el gobierno, hacia la monarquía. Carlos IV se ve a dejar el trono al hijo Fernando, el rey que gobernará y reinará con el nombre de Fernando VII. En esta situación de fragilidad institucional, Napoleón, que está en medio de sus victoriosas campañas, se introduce con la fuerza primero en Portugal y después en España. Entra a España, convoca al rey Carlo IV y el hijo Fernando y los obliga a dejar el poder, poner el trono a su hermano, José Bonaparte. Los reyes son exiliados, España cae bajo el dominio francés, Napoleón cree que va a tener una vitoria fácil y segura pero realmente, no ha hecho bien sus cálculos porque el pueblo español organiza una muy eficaz guerra de guerrillas. Hay una época que será dibujada y pintada en los cuadros muy celebres de Goya, artista romántico español por excelencia. En este enlace, por un lado, una parte de la población que ha apoyado realmente la causa francesa, el ingreso de Napoleón en el país y la ocupación francesa porque creen que este proceso significa el comienzo de la instauración de un gobierno más liberable en el país, una activación de la forma de absolutismo monárquico que reina en absoluto en España, para esta parte de la población, los llamados afrancesados, Napoleón es sinónimo de revolución francesa, es sinónimo de “egalité, fraternité”, significa el comienzo de un capítulo nuevo de la historia de España, una activación de los rasgos más duros de la ancien regime. Para otros, en cambio, Napoleón es un invasor a seca, ha destramado los reyes legítimos, los echados al exilio, y eso provoca una furiosa acción popular. Napoleón será derrotado en 1820 en Waterloo. Mientras tanto, en esta invasión del poder en la península, se crean unas juntas provinciales en todo el país que responden a una junta central que es la junta de Cádiz (una junta es como si fuera un municipio que empieza a gobernar) que se da también funciones constituyentes, o sea promulga y redacta una constitución que será famosa, “La Gaditana”, la constitución de Cádiz de 1812 que pone las premisas para la construcción de una monarquía liberal en España. La constitución proponía unos cambios bastante radicales:  La separación de los poderes;  Un más amplio sufragio masculino;  La abolición de algunos privilegios de la aristocracia, de los señores;  Trataba de imprentar la libertad de prensa que no existía en este momento en España;  La abolición de la Inquisición que todavía tenía la Inquisición. Al final, se proclama esta constitución tan linda, tan hermosa, tan avanzada que fue el modelo para tantos liberales europeos, sin embargo, España logra expulsar a Napoleón del país con la ayuda militar de Inglaterra, enemigo acérrimo por supuesto de los franceses. En 1814, Fernando, hijo de Carlos IV, regresa al trono, pero borra la constitución, la cancela. Dice que no va a guardar lo que se ha hecho cuando estaba en exilio, aunque realmente, ellos trabajaron y deseando el regreso del rey Fernando que, precisamente en este momento, lo llamaron a Fernando VII “El deseado” porque querrían que se restaurase, echando atrás los usurpadores franceses, cuando regresa Fernando VII, cancela la Constitución y empieza una persecución terrible de los liberales, de todos los que habían apoyado Napoleón, los afrancesados, y los que habían apoyado todo el proceso de la junta. Además, reprime los movimientos insurgentes que, en este momento, se habían propagado en el continente americano, precisamente, bajo el modelo de la junta de Cádiz, habían creado tratadas juntas en las colonias americanas e intentar allí también, sencillamente, mitigar la dependencia de la metrópoli española. Después de la represión tan fuerte de la monarquía hispánica en las colonias, luego, las insurgencias se transformarán en verdaderas guerras de independencia y culminarán en la separación e independización de la mayoría de los países, de los territorios del ámbito colonial (1826). El Grande imperio de España se hunde. Se vuelve a una forma de monarquía absoluta muy dura. Trienio liberal: 1820-23 Un pequeño paréntesis son los años 1820-1823 porque un general, Rafel de Riego, junto con sus seguidores, hacen una especie de golpe y restauran la Constitución Gaditana, la Constitución de Cádiz, “La Gloriosa” se la llamaba. El rey es obligado a reconocerla, pero en un segundo momento, de luego, ganan las fuerzas del absolutismo monárquico. Rafel de Riego, gracias a la ayuda de la Francia de la Restauración, hay otra vez una vuelta muy rígida al absolutismo. La década ominosa Llega el momento de la así llamada “década ominosa”, desde 1823 hasta 1833. Hay una represión durísima contra los sectores liberales, hay condenas ejemplares, Riego y los seguidores es condenado, uno de los más importantes escritor y poeta romántico, Espronceda, asiste a la ejecución, y de allí empieza a crear una asociación de pequeños conspiradores para que entienda, es un momento de pluralización muy fuerte entre absolutistas y liberales, progresistas y demócratas. Todos los que estaban en contra, tenían que salir del país, hubo un flujo enorme de exiliados hacia Inglaterra y Francia, un flujo de migrados que se puede asimilar al que se creará cuando termina la guerra civil y ganará el Franquismo, Franco y todos los que habían apoyado la Republica tenían que o aguantarse la situación en España o dejar el país, a veces no tenían elecciones y estaban obligados a hacerlo. Es un proceso muy importante porque este flujo migratorio permite que los intelectuales en el extranjero se emprenden de la mentalidad romántica que había escasamente penetrado hasta aquel momento en el país. Realmente, se dice que el Romanticismo en España llega muy tarde, cuando en otros países se está afirmando ya otro movimiento, otra tendencia que es el Realismo (1830-1840), empieza la estación de la novela realista que se afirmará en España, en cambio, en 1870, el despase español. Será un movimiento retardatario y parcial, aunque hay un debate critico muy amplio sobre el movimiento. Cierto es que el apogeo, el momento más intenso, del Romanticismo en España se sitúa en 1830 hacia 1840, el movimiento ya se está apagando. LETTERATURA SPAGNOLA III – TERZA LEZIONE El Romanticismo español en el contexto europeo Se introdujo la figura de Cadalso, una de las personalidades más destacadas del siglo XVIII y que expresa, en el ámbito de su producción, una transición muy acusada de la cultura europea de ese momento, entre el siglo XVIII y el siglo XIX, entre una cultura típicamente ilustrada y racionalista y sensibilidad ya marcadamente romántica, sobre todo con las “Noches lúgubres”. Hay que difuminar esquemas clasificatorios como los del neoclasicismo, del prerromanticismo y del romanticismo: teniendo en consideración, según los aportes más recientes de la crítica literaria, que no se dan nunca cambios tan drástico entre unas corrientes y otras, y algunos estudios están pidiendo renunciar al utilizo de una esquema conceptual como el del romanticismo, teniendo en consideración que en España se vio una contaminación de ideales clasicistas y nuevos gustos y sensibilidades románticos en la mayorías de los más importantes letrados románticos. Hay que tener en consideración que el clasicismo fue, ante todo, un ideal educativo en el que se ejercieron las inteligencias de los intelectuales de los escritores españoles por lo menos desde 1740 hasta 1840. Hay que abandonar la visión rígida que tenemos hasta aquí con el racionalismo y la ilustración, pues ya llega el romanticismo, hay una fusión, una cohabitación de tendencias y estilos. Hay que reconocer que el movimiento romántico en España fue un retardatario parcial, fue un romanticismo de segunda categoría en comparación al romanticismo que se difundió en otros países, aunque esta concesión y visión está sometida a un debate crítico muy importante, un debate abierto. ¿Por qué llega tarde el romanticismo en España? (Se dice que la apoteosis del movimiento se alcanzó en la década del ‘40 de 1800). Primero, por las circunstancias históricas, por el proceso histórico que se están dando en España: hay invasiones napoleónicas, las guerras contra Napoleón, las guerras de independencia, la experiencia de la constitución gaditana de Cádiz, la vuelta al absolutismo más feroz con Fernando VII, que regresa al trono, cancela la constitución e impone un gobierno durísimo, absolutista y persigue a todos los liberales. Hay también una censura muy fuerte que impide la publicación, circulación y difusión de obras y traducciones, tampoco hay un debate libre entre los intelectuales. Por lo cual, el romanticismo logra introducirse en España en el momento en que cae la barrera del absolutismo, con la muerte de Fernando VII en 1833. Por supuesto, España no contribuye de manera destacada a la difusión de las nuevas ideas y con obras interesantes, también porque es un país que no ha conocido la experiencia de la modernización como otras naciones europeas que han reaccionado con el romanticismo a aquella experiencia de cosificación de la realidad provocada por la revolución industrial. La rebelión contra una razón que no logra explicarlo todo en un mundo que ya empieza a perder los contactos más primigenios con las leyes del universo. España no ha tenido una ilustración fuerte, por lo cual tampoco es muy fuerte la rebelión romántica contra la experiencia de la misma ilustración, se mantiene en la periferia del movimiento que tiene su raíces más importante sobre todo entre siglo XVIII y XIX en la cultura filosófica de Alemania. “Romanticismo pobre” y causas Se puede hablar de un Romanticismo pobre, de una repetición de esquemas de la poética y lenguaje neoclásico, aún bien entrado en el siglo XIX, de una sustancial dependencia del Romanticismo europeo. Se debe reconocer que se impone sólo de una manera tardía una nómina limitada de autores dotados de acentos personales. El romanticismo es un fenómeno muy breve también desde un punto de vista temporal. Las causas son: -un escaso desarrollo de la investigación filosófica y científica; - un limitado arraigo de las mismas filosofías de la Ilustración contra las que de alguna manera reacciona el mismo Romanticismo; -la condición preindustrial atrasada del paisa, es una España que no ha participado al proceso de la riv industrial o solo de una manera muy limitada, por algunas brancas de su territorio. La visión de España desde la mirada europea: España entre África y Europa A este respecto, en función de su atraso, España es descubierta por los románticos europeos como una mina de valores románticos y se difunde en esos años la moda del viaje a España. Es una España que está más cerca a África que a la misma Europa, según la afirmación atribuida a Dumas: “África empieza en los Pirineos” -> quiere decir que para los intelectuales románticos al cruzar la barrera de los Pirineos, que hacen un confín natural entre Francia y España, ya se encuentran en África. Voltaire ya lo hemos recordado como uno de aquellos autores de la revolución francesa que se divierte a burlarse de esa España decadente, que no ha logrado centrarse en el camino del progreso, de las civilizaciones modernas. Voltaire dijo: “Es un país del que sabemos tan poco como de las regiones más salvajes de África pero no vale la pena conocerlo”. Hemos recordado también las “Cartas” persas de Montesquieu, en las que había una estocada polémica hacia España atrasada que había empujado la reacción de algunos literatos españoles como Formes y Cadalso. Burke había dibujado España como “una gran ballena varada en las costas de Europa”. Hegel en su “Filosofía de la historia”, había untado España con la propia África y con un juicio muy drástico había dicho que eran territorios no tocados por la inteligencia del espíritu, que había en su Alemania. Afirma: “Aquí se encuentran las tierras de Marruecos, Fas, Argel, Túnez, Trípoli. Puede decirse que esta parte no pertenece propiamente a África, sino más bien a España, con la cual forma una cuenca (-> otra vez hay la unión geográfica y cultural en el nexo semántico de su desarrollo de España y África). En España se está ya en África. España es un país que se ha limitado a compartir el destino de los grandes, destino que se decide en otras partes; no está llamada a adquirir figura propia”. Aquí, también a través del concurso de los literatos europeos, volvió un tópico, el de la decadencia, la anomalía, el problema de España que atravesará todo el siglo XIX y que será objeto de investigación, de reflexión de la llamada “Generación de 1898”, contemporánea de los modernistas. Se trata de escritores como Azorín, Unamuno, Vallencan y Baroja que intentarán identificar las causas de esa anomalía (en epica, cultural, a que se debe?). El mito romántico de España Sin embargo, en este momento, esta visión del atraso de españa es cultivada en el ámbito del romanticismo de una manera positiva. Los románticos buscaban el exotismo, trataban siempre alejarse de sus realidades, a través de viajes en el tiempo, hacia el pasado antiguo, heredero de la Edad Media, o en el espacio, a través de viajes que les ponen en contacto con culturas indígenas y países de pueblos salvajes. Para esos románticos, España es considerada como yacimiento natural de experiencias románticas: la España de los moros, de Andalucía, la España de las reminiscencias arbas, del cante flamenco, de la corrida, de las carreteras de los viejos pueblos de Castilla y de La Mancha por donde había peregrinado el caballero de la triste figura, por donde había andado el mítico don Quijote que es un mito por excelencia del Romanticismo (de hecho hay toda una reinterpretación en clave romántica de la figura surgida del genio de Cervantes). Entonces, se difunde la moda del viaje a España. Son muchísimos los autores que contribuyeron a la producción de la literatura del viaje en torno a España (el autor de la Carmen, George Sand ecc). Son muchísimos los viajeros que en España buscaron su banco barato de occidentalismo. La consideración que tenían era bastante oportunista: en lugar de llegar hasta el lejano oriente, tenemos más allá de los Pirineos todo un mundo que nos proporciona la experiencia del mundo salvaje, lejano de la acción corruptora de la civilización. El “origen” del Romanticismo: La “querrella calderoniana” y el debate dobre la tradición ¿Cómo llega el Romanticismo? ¿Cuáles son las etapas fundamentales de su arraigo en el país? Se dice que el Romanticismo en España comienza con la llamada “Querella calderoniana", una polémica que se dio entre intelectuales del país entre 1814 y 1820. Un periodo en el cual se deposita el primer segmento teórico del Romanticismo español en una clave moderada, tradicionalista. Entre los protagonistas de la polémica hay en primer lugar Bohl de Faber. Es un alemán afincado en Cádiz, que fue uno de los vectores geográficos fundamentales del Romanticismo en España, a lado de Cataluña, de Barcelona que fue la cucina de una importante revista romántica, “El europeo”. Bohl de Faber era un comerciante, un hombre de letras que había instalado un importante actividad comercial junto con su esposa, pero sobre todo era un apasionado de las letras españolas y de estudios literarios y a estos dedicaba su tiempo. Se casó con Francisca Luis de Carrera y fue un matrimonio que influyó en la gestación de sus ideales políticos en un sentido pesadamente conservador, filo monárquico y ultrarreaccionario. Junto con su esposa, en el ámbito de su conversión al catolicismo (como alemán, era protestante) viró hacia posiciones cercanas al absolutismo de Fernando VII. También la mujer defendió en estos años, la idea de una España que debía hacerse líder en la Europa de la Restauración, en la Europa reaccionaria y enemiga de los valores de la ilustración francesa. Bohl de Faber viajaba frecuentemente a Alemania y allí estuvo en contacto con los románticos, con los hermanos Schlegel y en particular con August Wihlmen Schlegel que se había interesado y había escrito un importante artículo sobre el drama español. Schlgel había identificado el núcleo central de la literatura española con el teatro barroco de Calderon. Una idea fundamental de Schlegel es que una de las expresiones mayores de la literatura europea de todo los tiempos había sido el teatro del siglo de Oro español y esta idea es utilizada por Bohl de Faber para defender una idea de la tradición nacional fundada sobre aquellas raíces cristianas y completamente aleja a los aportes de la ilustración. Entonces, Bohl de Faber, retomando las ideas de Schlegel, dice que nuestra literatura/tradición está en el siglo de Oro, en Cervantes y sobre todo en el teatro de Calderon de la Barca y de Lope de Vega, todo lo que se hizo después no tiene nada a que ver con nuestro más íntimo genio, con nuestra más auténtica personalidad creadora. De toda forma, hacer esas identificaciones significa abogar por los valores de la España de un tiempo, de la España de la tradición monárquica, del espíritu caballeresco: significaba cerrar el país a las corrientes del progreso ilustrado. Hay una valoración de la tradición literaria española de los siglos de oro que había sido propuesta por los románticos alemanes. Ellos habían apreciado Cervantes, el teatro barroco (“libre y cristiano”) y Calderon, llamado “poeta cristiano y romántico” por Schlegel. Además Schlegel había dicho que, en la literatura española, “tutto è dominato e compreso dal più nobile sentimento nazionale, dappertutto uno stesso spirito di onore, di severi costumi e di ferma fede, una sola maniera di pensare, il pensare spagnolo" -> los valores son patriotismo, nacionalismo, las raíces cristianas, y por lo tanto románticas, de Europa que están presentes en esta tradición, la de la literatura del siglo de oro. José Joaquín de Mora Esta tesis provoca la reacción de algunos literatos, en particular de José Joaquín de Mora que interviene en un debate, en otro artículo, defendiendo los valores de la ilustración y del clasicismo y tachando de reaccionaria esta invocación de la tradición del siglo de oro porque reconoce que Bohl de Faber había propuesto esta restauración para celebrar los valores del absolutismo y del clericalismo retrógrado. Más que un debate literario es una pugna ideológica entre intelectuales y letrados dentro de la España de Fernando VII, un país (como otros países de Europa) en el que se está dando una lucha fuerte entre los valores del liberalismo y los valores del absolutismo. Bohl de Faber, absolutista, retomando la posición de los alemanes, defiende el teatro del siglo de oro como un símbolo de la España cristiana, de los valores de la monarquía. Por otro lado, en el otro bando, hay intelectuales como Joaquin De Mora y Alcala de Galiano, tratarán de desmontar esta invocación/restauración del teatro del siglo de oro, defendiendo los aportes de la ilustración. Dos Romanticismos En la gestación de este debate que produce el romanticismo en el país, luchan dos romanticismo: un Romanticismo moderado y tradicionalista contra un Romanticismo liberal, progresista o radical. Marcelino Menendez Pelayo, un intelectual importante de fin del siglo XIX, afirma que “en su dominio breve y turbulento se dividió aquella escuela en dos bandos distintos completamente distintos: el Romanticismo histórico nacional, del que fue cabeza el Duque de Rivas, y el Romanticismo subjetivo o byroniano, que muchos llaman “filosófico”, cuyo corifeo fue Espronceda”. Vamos a ver como defienden distintas visiones de las aportaciones de España a la tradición ilustrada o al Romanticismo. Fundamentales momentos y etapas hasta 1843 Domina en las décadas de los años 10 y 20, un romanticismo moderado y tradicionalista con la gestación de la Querella calderoniana. Luego sigue un momento de intensa actividad de la revista “El europeo” dirigida por Aribau y Lopez Soler, sobre todo en Cataluña, en Barcelona que fue otra fundamental polaridad geográfica del Romanticismo. Se da un importante debate en torno a la tradición: ¿qué es España?, ¿qué debe España a la Ilustración? ¿qué debe España al Romanticismo?, ¿dónde están las raíces románticas de España? Se recupera toda la experiencia del teatro del siglo de oro, que había sido completamente removida durante el siglo XVIII, con el regreso a las reglas aristotélicas y la previsión de todo los rasgos típicos del teatro de aquella fase. Se difunde la obra de Walter Scott, y entonces se difunde una fuerte sensibilidad por el drama histórico, por la novela de ambientación histórica. Segun Rosa Rossi (in “La letteratura spagnola dal ‘700 a oggi”) “negli anni tra il 1814 e il 1833 si compì tutto un lavoro di riesumazione e ripensamento del teatro e del Romancero, sulla linea della poetica della “scuola tedesca” che risultava congeniale ai primi romantici spagnoli”. Entonces hay un primer Romanticismo moderado y tradicionalista y luego un Romanticismo español mucho más definido. Se puede hablar de un apogeo del Romanticismo español en la década entre 1833 y 1844. En estos años regresan los liberales exiliados. El paréntesis liberal entre 1820 y 1823, gracias a la sublevación de Riego (que, sin embargo, luego es ejecutado), se impone en la reseña de la década ominosa, con un empeoramiento del absolutismo de Fernando VII. En esos años, la mayoría de los intelectuales, de los intelectuales, de los españoles enemigos de los absolutismos subversivos están obligados a salir del país, en la mayoría de los casos van a Inglaterra. Sustancialmente, estos intelectuales salen imbuidos de los ideales ilustrados, racionalistas propios de su educación, pero regresan contagiados por los temas, la sensibilidad, las ideas de los románticos con los que han entrado en contacto en Europa. En 1833 muere Fernando VII, esos intelectuales regresan y, entonces, realmente empieza el romanticismo español, aunque, realmente, tiene vida muy breve, según algunos en el año 1844 ya había terminado. Empezaría la publicación del Prólogo al moro expósito del Duque de Rivas que, según algunos, fue la misma función del Prólogo a Cromwell de Hugo, o de la Lettera a Monsieur Chauvet del Manzoni, se impuso como real manifiesto del movimiento. Fue importante también la publicación en 1835 de Don Álvaro o la fuerza del sino del Duque de Rivas, en París, que tuvo una acogida entusiasta tuvo una acogida entusiasta. Era explicitamente romántico, termina con la muerte, el suicidio, intriga, pasión, muertos, lágrimas; todos los temas de las obras románticas. Pues, en estos años, entre 1834 y 1844, prácticamente, se publican las obras más importantes de los escritores románticos: el Duque de Rivas, Espronceda y Larra. Centrando la atención sobre la lírica: Hay la difusión de una lírica clasicita, en la primera década del siglo XIX, con las obras de Meléncez Valdés, Quintana, Lista (que fue también maestro de Espronceda). En 1835, esta poesía de rasgos clasicistas es objeto de polémica de un escrito bastante famoso de Espronceda (que es uno de los románticos más importantes); de hecho, él escribe “El Pastor Clasiquino”, precisamente burlándose del estilo de la poesía de los racionalistas, de los clasicistas, la poesía de matriz pastoril que escribe Espronceda, trata siempre de hermosear, idealizar la naturaleza, y no de describirla tal como es; una poesía completamente vendida a las reglas de Aristóteles. Clasiquino sería este poeta pastor que Espronceda identifica como el campeón de esta vida que, dice, ha venido al momento de sucumbir, de dejar el paso a nuevas formas. La paradoja de esta poesía en que a hablar y a cantar son pastores con sus ovejas que, increíblemente, han leído y se saben de memoria todas las obras de Aristóteles. La natura!, la natura è necessario abbellirla, nulla è deve essere quello che è, ma quello che dovrebbe essere. Entonces, la polémica de Espronceda, personalidad apasionadamente romántica, incide en el tiempo indicando la caducidad de estos esquemas viejos y proponiendo, entonces, la necesidad de nuevas formas. En estos mismos años, es fuerte la actividad de la revista “El Artista”, que publica y contribuye a la difusión de algunas obras fundamentales en la literatura romántica, muchas de las cuales responden al género de la poesía narrativa de tema histórico, leyendas y romances, que son una parte conspicua de la literatura romántica y, en general, del siglo XIX español. Poesía, sustancialmente, que narra acontecimientos de un pasado lejano, muy a menudo de la Edad Media, y en la mayoría de los casos con un sentido nostálgico y para señalar el heroísmo y la grandeza de valores como el patriotismo, el nacionalismo en vía de extinción. Entonces, en esos años se publican, por ejemplo, “El Moro Expósito”, el romance histórico sobre el Duque de Rivas, precisamente en esta vertiente, en la narración de tíipo histórico; las “Leyendas Españolas” de Mora; los “Cantos del trovador" de Zorrilla y las “Poesías” de Espronceda, en 1840. José de Espronceda Espronceda fue una de las figuras más características del Romanticismo, si no la más representativa en absoluto del Romanticismo español. Se ha dicho que fue un Romanticismo pobre, un Romanticismo de segunda, que no produjo figuras, obras destacadas a la altura del Romanticismo de otros países, sin embargo Espronceda se puede considerar un escritor con una gran belleza y singularidad, con algunas de sus producciones a la altura con los colegas de su tiempo. Ha pasado a la historia como una especie de Byron español, una figura de intelectual, de escritor que vivió su vida como una obra de arte romántica, acción, pasión política, pasión amorosa, una producción de temas políticos, se dice que fue uno de los primeros poetas comprometidos. Espronceda quiso dar de sí mismo la representación de un hombre que lucha como un héroe legendario contra el tiempo que le ha sido dado, un hombre que lucha con su medio y contra sus circunstancias. Una vida dada, entonces, en el signo de la desmesura típicamente romántica. Recibió una educación irregular que, en cierto sentido, afectó su dominio literario. Como otros muchos escritores románticos, sufre por la falta de una profunda reflexión filosófica, por lo cual en su obra las ideas del romanticismo se expresan de una manera superficial y epidérmica, mucho ruído, en un estilo grandilocuente, una escritura llena de exclamaciones, por lo cual su modelo, de alguna manera, no será percibido como uno de los más vitales y sugestivos para los autores sobre todo del siglo XX que, más bien, recuperarán a Bécquer, un escritor romántico que realiza con su escritura un fundamental trabajo de simplificación del lenguaje poético. Pero, sin embargo, Espronceda sí ha logrado tratar en su obra temas y tópicos fundamentales del romanticismo europeo. Espronceda nació en 1808, en el seno de una familia acomodada de orígen andaluza, en el medio de las guerras de independencia, su padre es un militar, un oficial de caballería de los Borbones que ha recibido orden de moverse hacia Badajoz, y el niño nace, prácticamente, en el camino, de una manera accidental, en el proceso de este desplazamiento. En 1820, la familia se radica en Madrid, el chico estudia en el colegio de San Mateo con Lista, que fue un ilustrado que transmitía sus ideales liberales en el ámbito una educación impregnada por la forma de preceptos clasicistas. En estos años, se despierta su fe liberal; fue entre los chicos que asistieron a la condena, a la execución capital de Riego, en la plaza pública de Madrid, y se dice que la emoción provocada por el episodio empuja al pequeño Espronceda con otros compañeros a fundar la sociedad Numantina, una sociedad liberal secreta con intenciones conspirativas, realmente fue un juego de niños. Se llaman “numantinos” inspirándose al ejemplo heróico de los habitantes de Numancia que habían luchado contra la invasión de los romanos de una manera heróica. Sin embargo, el absolutismo de Fernando VII condena Espronceda a la cárcel que, luego, se transforma en unos meses de confino en un monasterio. Cuando Espronceda sale, es libre, aunque nadie lo fuerce, quiere viajar, salir; es un momento fundamental para la formación de la personalidad de Espronceda. Va primero a Lisboa, en Portugal, donde conoce a Teresa, una mujer con la que tendrá una historia de amor apasionada muy importante, que será también objeto de una Lírica suya (El canto a Teresa). Va después a Londres, en París, donde apoya los movimientos de 1830, se suma, precisamente, entre las filas de los militantes. Vuelve a encontrarse con Teresa que, mientras tanto, obedeciendo a la voluntad de los padres, se ha casado. Vuelve a España con la mujer con la cual había empezado una convivencia que, sin embargo, se interrumpirá algunos años después, poco antes de la muerte de la misma Teresa. Son años muy importantes para el escritor que es reconocido ya ampliamente como una de las figuras más importantes del movimiento romántico en expansión, se dedica activamente a la política, momento en que su liberalismo progresista se define aún más radical, Espronceda sigue las ideas, en este momento, del socialismo utópico de San Simón, acude a aspiraciones específicamente republicanas, tiene también una experiencia en el gobierno de Espartero. Pues, esos de los años 30-40 son momentos de intensa actividad, tanto en el sentido político como en el letrado; hay una actividad impetuosa que, sin embargo, es frenada por la muerte por difteria (diftería) en 1842, a la edad de solo 34 años. Las obras Podemos dividir la producción de Espronceda en distintas fases y tendencias:  En un primer momento, una poesía de influencia neoclásica. Por ejemplo, con el poema épico no terminado El Pelayo, que responde a los preceptos de la educación clasicita de Lista y de Quintana (en los autores entre el siglo XVIII y el siglo XIX hay una sustancial convivencia de gustos clasicistas y de temas y tendencias románticas, y eso se ve en la misma producción, en la misma obra de Espronceda, aunque la influencia neoclásica hay de manera evidente sobre todo en el primer momento.  Después de la experiencia del exilio, nace una nueva producción de Espronceda, en la que se pueden apreciar distintas vertientes temáticas:  Un gusto por los acentos lúgubres, crepusculares y rebeldistas, propios de la poesía osianica, de los poemas de Macpherson, que Espronceda había conocido durante su exilio en Europa, en Inglaterra.  La poesía cívica y patriótica, que claramente es también la expresión de la fuerte inclinación ideológica y política de Espronceda como defensor del liberalismo progresista y como enemigo del absolutismo fernandino.  Una poesía de tema histórico, de tema medievalista, como la de El canto del cruzado.  Y luego una poesía plenamente romántica que ya es posterior a 1834. Aquí los rasgos románticos se definen y se evidencia una ruptura tanto con la poética clásica como con el romanticismo historicista, este romanticismo que a través de géneros como las leyendas, los romances, sobre todo busca, investiga sobre las raíces cristianas de la España antigua, del romancero y de la Edad Media. Este género tan fuerte en el romanticismo español al que contribuyen escritores como Zorrilla, el Duque de Rivas y también, en esta fase, Espronceda. En esta última fase, entonces, Espronceda se deja a la espalda tanto la poesía clasicista de los comienzos como la poesía de gusto historicista que comparte con coetáneos como Zorrilla, el Duque de Rivas, etc. Se publican las Canciones que son expresión fundamental de este Espronceda ya claramente romántico. Se publican en revistas a partir de 1835, es una poesía que se mueve hacia lo popular y sobre todo es una poesía que canta la rebeldía romántica, buscando como sus protagonistas a personas que se mueven en lo marginal, en la periferia (periféria) de la sociedad: son piratas, verdugos, bandoleros, pordioseros, prostitutas. Son personas que, precisamente, hacen la falta empáticamente? de la simpatía del poeta, del escritor romántico que lucha contra su medio y contra las convenciones de la sociedad burguesa, y lo hace con un lenguaje claro y ágil, contenidos escuetos y con un utilizo audaz de la rima, que vamos a ver en particular con la Canción del pirata. LETTERATURA SPAGNOLA III – QUARTA LEZIONE Fases y tendencias La vez pesada habíamos intentado clasificar su producción en tres fases, momentos fundamentales de su vida. Entonces, se identifican tres momentos fundamentales: -un primer momento en el que dominan pautas de la tradición neoclásica, clasicista, realmente, es injusto tratar de establecer una función tajante entre neoclasicismo, entre escuela nacionalista y el Romanticismo, que, muy a menudo, entonces, en congruencia, contaminación reciproca, coexistencia de aspectos de la tradición neoclásica y de temas, sensibilidad romántica. En Espronceda se observa una evolución, en un primer momento, de una primera poesía de influencia neoclásica, y en un segundo momento, que corresponde con el exilio del poeta, del escritor (su experiencia de encarcelamiento a raíz de la fundación de la sociedad numantina, él decide la experiencia del exilio, va a Portugal, a Londres y a Paris y regresa prácticamente ya como un escritor ahogado a las nuevas corrientes del Romanticismo europeo). Hay una poesía ya plenamente romántica posterior al 1834; en este contexto, dentro de esta última producción, específicamente romántico, destacan “Las canciones”, canciones que se publican en revistas a partir del 1835. Es una poesía nueva, una poesía que se mueve hacia lo popular, que exhibe ya un hábil tratamiento del verso, con un abuso de versos polimétricos, a menudo de arte menor. Es una poesía que es típicamente romántica también en el tratamiento del tema de la libertad, de la rebelión, los protagonistas de esta poesía son seres marginados, seres que están a la periferia de la sociedad, seres que, de alguna manera, se oponen a las reglas del mundo burgués, a las convenciones de la sociedad. Entonces, ¿Quiénes son estos personajes? El pirata, protagonista de una de la canción más celebre de Espronceda y del Romanticismo español, “La canción del pirata”; el bandolero; el perdiosero; la prostituta, son todos los marginados de la sociedad. Espronceda los canta con un lenguaje claro y ágil, una poesía de contenido sencillo, escueto (schietti). Ya hemos comentado el uso novedoso de la métrica de ritmo poético por Espronceda. La canción del pirata – Espronceda “La canción del pirata”, el pirata es el sujeto, protagonista de la lírica de Espronceda, de esta lírica tan famosa que, además, tiene un antecedente importante, el pirata que había escrito una lirica muy popular, un autor, Byron, al que Espronceda ha sido acertado en más de una ocasión, se lo llamó “El Byron español”, por su canto apasionado, por su espíritu intrépido, por su progresismo también en la dimensión política, por la calidad comprometida en sentido social, cívico y político de su escritura. Testo: “Con diez…Estambul” TRADUZIONE: “Con dieci cannoni per lato, vento in poppa a tutta vela, non solca il mare quanto piuttosto vola (ci sta dicendo di questa navigazione che è così rapida che non sembra tagliare il mare quanto piuttosto sembra volare), un veliero Bergantino (tipo di vascello, di imbarcazione). Vascello pirata che chiamano per la sua bravura, per la sua temerarietà). In tutto il mare conosciuto dall'uno all'altro confine. La luna nel mare nella tela (lona, tessuto per estensione della vela, sineddoche), della vela geme il vento e alza in morbido, blando movimento, onde di argento e azzurro.” SPIEGAZIONE: qui, vediamo in una poesia di tipo narrativo, in terza persona, ambientata la figura del pirata nella sua imbarcazione, tipicamente romantica, la contestualizzazione in uno scenario naturale. Rifletto argentato che noi possiamo vedere, in lontananza, in giornate di luminosità, il mare ci appare come argentato. C'è la contestualizzazione della terza strofa, c’è uno scenario notturno, la luna che scintilla, il vento che soffia tra la vela, il lieve movimento dell’increspatura del vento. Ecco la contestualizzazione delle prime tre strofe, sono tailias, sono un verso de arte menor, rappresentano l'introduzione della figura del pirata nella sua imbarcazione che ci è riferita immersa in questo abbraccio della natura. A partire dalla quinta strofa, si osserva un drastico movimento nella narrazione. Testo: “Navega…la mar” TRADUZIONE: “Naviga veliero mio, senza paura che nessuna nave nemica tormenta né bonaccia il tuo percorso, il tuo destino, il tuo viaggio, non riesce ad assoggettare, a piegare il tuo coraggio, il tuo valore (né una nave nemica né una tempesta, né la bonaccia riescono a piegare, a muovere, a influire sulla tua navigazione, né a piegare il tuo valore, il tuo coraggio, la tua intrepida forza). Venti prigionieri abbiamo fatto a dispetto dell'inglese, della nazione inglese (l’inglese come popolo) che hanno reso i suoi stendardi, le loro bandiere (si sono dovuti piegare) cento nazioni ai miei piedi. Che è la mia nave, il mio tesoro, che sono i miei mio dei, la mia libertà, la mia legge, la forza, il vento e la mia unica patria, il mare.” SPIEGAZIONE: Aquí, toma la parola en primera persona el propio pirata, en las primeras estrofas, se ha introducido la figura del pirata de lejos, dibujando su embarcación, su barco, ahora es el propio pirata que toma la palabra y se presenta a los lectores y nuestro pirata que está hablando con su propio velero, con su propio bajel. En coplas hay el refrán, que se repite. Se resume toda la gesta, este canto a la libertad a través de la figura del pirata, un pirata que, antes de todo, tiene su tesoro no en la riqueza que va a saquear de los pueblos que serán objeto, el tesoro está en el barco que es expresión de su individualidad, no depende de las leyes de la sociedad burguesa. Entonces, su dios no es el dios del ciudadano normal que responde ante a la sociedad, sino es la libertad su ley, la fuerza, el viento y su única patria, la moral apolida del pirata que no tiene ninguna circunscripción territorial. Testo: “Allá muevan … bravío” TRADUZIONE: “Facciano lì, nel mondo normale, nel mondo terreno, guerre feroci, i re ciechi per un palmo di terra in più che io ho qui, che è già mio, è mio tutto ciò che comprende il mare arrabbiato (se da qualche parte, se nelle leggi normali della terra, ci sono re che fanno guerre stupide per conquistarsi un palmo di terra in più, piuttosto scandisce la vita delle nazioni, dell’umanità, ecco che invece, questo pirata ha come regno suo tutto ciò che abbraccia il mare arrabbiato, cioè il re del mare)” Testo: “A quien nadie … la mar” TRADUZIONE: “Nessuno ha imposto leggi, non c'è spiaggia alcuna, che è di qualcuno, né bandiera di splendore, che non senta il mio diritto di petto al mio valore (nessuno gli impone leggi, quindi, non c'è figura superiore che non riconosca la sua superiorità).” Hay el refrán que se repite a lo largo de la composición. El mendigo (elemosinante) – Espronceda Testo: “Mio es el mundo …él voy” SPIEGAZIONE: otra figura característica que sobresale de la canción de Espronceda, el mendigo, otro sujeto que se ha quedado al margen de la sociedad. El mendigo, de alguna manera, también puede decir que el mundo es suyo, de una manera distinta a la de la condición del pirata. El mendigo no tiene techo, no tiene casa, no tiene nada, aquí lo dice de una manera irónica, este mendigo que también toma la palabra y se refleja, se autorretrata en estos versos. “Mangio all'aria libera, altri lavorano perché io possa mangiare, tutti si ammorbidiscono se, addolorato, chiedo un'elemosina per amore di Dio (interlocución tipica del mendigo), in cattive condizioni, straccione, vestito di stracci, tra stracci del lusso con il mio aspetto disgustoso, mi vendico del potente e dove lui va e dietro di lui sto (sono la sua ombra perché come un parassita, mi nutro di quello che lui scarta).” El mendigo identifica una filosofía de vida con la cual él sobresale del sistema de la familia burguesa, del sistema del mundo prosaica que es objeto de la rebeldía romántica. “A Jarifa, en una orgía” En “A Jarifa” encontramos otro personaje típico del mundo romántico, otra figura emarginada, la prostituta, que acompaña al poeta en los momentos de desengaño, con la que comparte su cansancio, los dos son figuras de perdedores: el poeta que está al margen de la sociedad y la mujer que tiene que vender su cuerpo para poder ir adelante. Trae, Jarifa, trae tu mano, ven y pósala en mi frente, que en un mar de lava hirviente mi cabeza siento arder. Ven y junta con mis labios esos labios que me irritan, donde aún los besos palpitan de tus amantes de ayer Traduzione→ “Posa la tua mano, Jarifa, vieni, posala sulla mia fronte, in un mare di lava incandescente sento ardere la mia testa, vieni e avvicina alle mie labbra questa bocca che mi irrita, sulla quale ancora palpitano i baci degli amanti”. Quindi, la figura de la mujer contaminada, de la prostituta, una figura de belleza de Oriente, la mujer que se ha contaminado de las dificultades en los dramas de la vida. Entonces, la identificación enfática entre el poeta y la mujer ultrajada por el persimonio de la prosititución. Ven, Jarifa; tú has sufrido como yo; tú nunca lloras; mas ¡ay triste! que no ignoras cuán amarga es mi aflicción. Una misma es nuestra pena, en vano el llanto contienes... Tú también, como yo, tienes desgarrado el corazón. traduzione→ “Vieni, Jarifa; tu hai sofferto come me, tu non piangi mai, ¡ah triste! di certo non ignori quando è amara la mia afflizione, il mio dolore. La nostra pena è una sola, e invano riesci a contenere il pianto…Tu pure, come me, hai il cuore rotto”. Es típicamente romántico: lleno de pasión, atético, apasionado, el tema del poeta desengañado que en la noche insomne se queda con la prostituta para tratar de aliviar sus penas. “Canto a Teresa” (II canto de El diablo mundo) Una figura de mujer también se refleja en los versos más altos del “Canto a Teresa”, versos que Espronceda insertará en El diablo mundo, poema filosófico que escribe casi al final de su carrera y que se ha terminado solo después de su muerte. Teresa es la mujer que conoció en Portugal, con la que empezó una historia de amor obstaculizada por el padre de ella que la dio en matrimonio a otro hombre. Con ella Espronceda se reencuentra en los días de la estancia en París y juntos regresan a España, cuando se pone la posibilidad del regreso de todos los exiliados (fecha fundamental, es allá que empieza realmente el romanticismo verdadero). Pero, realmente, la relación entre los dos se acaba pronto, Teresa toma otro camino y muere, muerte a partir de la cual él escribe estos versos sufridos, apasionados, en los que recuerda inicialmente los días de su primer idilio, describiendo, luego, el destino de la mujer, como una gradual contaminación suya y recorriendo principalmente, dentro de los accidentes de la vida fea y sucia, a la metáfora del agua. Aun parece, Teresa, que te veo Aerea como dorada mariposa, Ensueño delicioso del deseo, Sobre tallo gentil temprana rosa, Del amor venturoso devaneo, Angélica, purísima y dichosa, Y oigo tu voz dulcísima, y respiro Tu aliento perfumado en tu suspiro Estos son inicialmente los recuerdos de su primera comunión, el primer encuentro con la mujer. Entonces, aquí prevalece la imágen de Teresa como una dorada mariposa. traduzione→ “Sembra che ti veda ancora, aurea come una farfalla dorata, sogno delizioso del desiderio, rosa precoce sul gambo gentile, desiderio dell’amore avventuroso e delizioso, angelica, purissima e felice, e ascolto la tua voce dolcissima, e respiro l’alito profumato nel tuo sospiro”. Termini di bellezza, pura, incontaminata e bella, l’uso ripetuto del superlativo assoluto proprio per suggerire la bellezza altissima di questo momento iniziale che è destinato a specificare. Que así las horas rápidas pasaban, Y pasaba a la par nuestra ventura; Y nunca nuestras ansias las contaban, Tú embriagada en mi amor, yo en tu hermosura. Las horas ¡ay! huyendo nos miraban, Llanto tal vez vertiendo de ternura; Que nuestro amor y juventud veían, Y temblaban las horas que vendrían. traduzione→ “Così le ore rapide trascorrevano, e così passava rapidamente anche la nostra felicità, con la stessa velocità, e la nostra ansia, il nostro fervore non potevano scontare quelle ore, erano troppo intense nel vivere da poterle raccontare, tu ebbra nel mio amore e io assorbito nella tua bellezza. Le ore, ahi, fuggendo ci guardavano (idea delle ore del tempo quasi personificate che guardano gli amanti intenti nella cerimonia del loro amore perché sanno che, fuggendo, in qualche maniera, stanno consumando quello stesso amore. Quindi, personificate, si immagina che possano piangere, addirittura, di tenerezza). Un pianto di tenerezza che il nostro amore e la nostra gioventù osservavano, erano testimoni e tremavano le ore che stavano per venire. Y llegaron en fin... ¡Oh! ¿quién impío ¡Ay! agostó la flor de tu pureza? Tú fuiste un tiempo cristalino río, Manantial de purísima limpieza; Después torrente de color sombrío, Rompiendo entre peñascos y maleza, Y estanque, en fin, de aguas corrompidas, Entre fétido fango detenidas. […] traduzione→ “Alla fine arrivarono…Oh! Quale empio, ahi, disseccò, asciugò il fiore della tua purezza? Tu sei stata un tempo fiume cristallino, fonte di pulizia purissima, poi torrente di colore grigio, scuro, che va correndo tra rocce ed erbacce (peñascos y maleza), e alla fine stagno di acque corrotte trattenute nel fango fetido”. Quest’immagine di Teresa, attraverso la metafora dell’acqua, come un’essenza, un’entità che aveva inizialmente la purezza del fiume cristallino, poi nel pendio burrascoso della vita saltella come un ruscello tra rocce e erbacce, arbusti, e poi finisce stagnando in una palude di acque fetide e corrotte (è la morte ma, sembra dire Espronceda, è anche la lavorazione del più nobile spirito di Teresa che non è più l’angelo, la donna immacolata tipicamente romantica che aveva conosciuto i primi giorni, prima che le ore avessero cominciato a corrompere il loro sogno d’amore. Questi sono esempi di versi de arte mayor, endecasillabi costruiti con grande perizia e con un’ispirazione sincera, sono versi che si ricordano tra i più belli e nobili della poesia romantica, a fianco a quelli altrettanto memorabili, a loro modo, de El estudiante de Salamanca. “El estudiante de Salamanca” (publicado entre 1836-37) El estudiante de Salamanca es la obra manifiesto del Romanticismo español, una obra que refleja de manera paradigmática la tendencia de la poesía narrativa, una poesía que narra acontecimientos. A su aparición, fue definido un cuento legendario en versos, es una escritura que incluye una variedad de formas, de registros narrativos, sigue una tendencia típica del romanticismo que, en este sentido, inauguró la modernidad literaria. La combinación de estilo, formas, géneros distintos una misma obra, más allá de todos los preceptos de las poéticas del racionalismo, del clasicismo, esa poética que los autores románticos van en busca de una expresión que represente auténticamente la intimidad del poeta, su visión, su ideal. Desde un punto de vista formal, El estudiante de Salamanca se estructura en 4 partes de diversa extensión, un total de 1704 versos, con varias formas y registros narrativos, porque hay lírica, poesía narrativa, acción dramática, con un uso significativo también del diálogo. En esta obra Espronceda sigue experimentando sus ensayos sobre la estructuras rítmicas, sobre el metro, hay un uso de distintos metros, hay una gran variedad de estrofas y de ritmos. EL CONTENIDO→ Protagonista del cuento es una nueva figura de Don Juan, el nombre del protagonista de la obra es don Felix Montamar, estudiante de Salamanca (que da el nombre a la obra). Es un don Juan romántico que, con su rebeldía romántica, rebeldía romántica que contrata de las condiciones sociales y religiosas que son desafiadas hasta el límite extremo de la muerte. Pues, es un don Felix apuesto, irrespetuoso, divertido, como es típico de toda la tradición de don Juan. Hay muchísimas revisitaciones de esta historia, no solo en la escritura y en la literatura universal, sino también en la música (el Don Juan de Mozart, por ejemplo). Poco antes de la escritura de este nuevo don Juan hay un poema satírico de Byron, que influenció mucho a Espronceda y, más o menos, contemporáneo del estudiante de Salamanca es el don Juan Tenorio de Zorrilla, que nos proporciona toda otra versión del don Juan, una versión en sentido tradicionalista, religioso. El primer don Juan en absoluto del que procedieron todas estas revisitaciones es él de Tirso de Molina (El burlador de Sevilla). Entonces, este don Felix estudiante de Salamanca, según la tradición, ha seducido a la mujer Elvira, la ha abandonado, luego Elvira, por supuesto, enloquece y muere por amor, el hermano de Elvira trata de vengar su amor, pero en el duelo, en el combate con don Félix, este último es herido a muerte. Una misteriosa figura, una dama vestida de blanco se acerca a don Felix, lo transporta en una rara procesión que se concluye con una danza con los esqueletos de un cementerio que rodean a don Felix, conduciéndolo a la muerte. Entonces, don Felix es obligado a bailar con esta dama blanca que luego se entiende ser un esqueleto. Es obligado a besar su rostro, bailar rodeado por la ronda de los espectros en esta danza curiosa al culmen de la cual muere. Presenta su propio entierro, entonces, el culmen de la obra es la muerte de este don Juan romántico que es representado en algunos versos fundamentales como una figura satánica. traduzione→ “Grandiosa, satanica figura, alta la fronte, Montemar cammina, spirito sublime nella sua pazzia, provocando la collera divina. Secondo Lucifero che si alza dal raggio vendicatore la fronte ferita, anima ribelle che il timore non spaventa, calpestata sì, ma mai vinta: l’uomo, infine, che nella sua ansia, nella sua passione rompe il suo limite al carcere della vita, e chiama Dio davanti a sé a dargli conto, e cerca di scoprire la sua immensità”. Desde el primer verso, hay “satánica figura”: se describe como un ser demoníaco, entendemos que no es una palabra aislada, ya que luego el poeta insiste en representarlo como un segundo Lucifer, el ángel que se ha revelado a Dios y que precipita en el corazón del infierno con la frente herida del rayo vindicator, precisamente de Dios. Entonces es un espíritu intrépido, orgulloso, es una figura demoníaca, satánica, un segundo Lucifer que se ha revelado a dios en su intento de romper el límite de la condición humana y de conocerlo todo, de superar lo humano. Vemos que lo que en el original de Tirso de Molina se desarrolla con una intención didascálica para significar lo que le pasa a un hombre en el momento en el desafía las condiciones sociales, rompiendo las reglas de la familia, del decoro y del honor, aquí es llevado en sentido romántico para simbolizar la rebelión del hombre hacia Dios y contra los límites de su mortalidad. En este sentido, hay un desarrollo en sentido marcadamente romántico de ese mito originario de la tradición del don Juan. Los núcleos temáticos y las fuentes En segundo lugar, hay que tener en cuenta que Espronceda en esta obra recupera más leyendas y tradiciones literarias, más núcleos temáticos. 1- El mito de Don Juan Por lo que concierne el mito de Don Juan, el texto original es el “Burlador de Sevilla y convidado de piedra” de Tirso de Molina (1616). Pero hay también la obra “No hay plazo que no se cumpla ni deuda que no se pague” de Antonio Zamora (1744) y el “Don Juan” de George Byron (1824), poema satírico que está más cerca de la fecha de composición del Estudiante de Salamanca. 2- La visión del propio entierro Por lo que concierne el tema de la procesión fúnebre que concluye la visión del propio entierro, también había leyendas y narraciones de la tradición popular y de la tradición culta. Había la leyenda de un estudiante que se llamaba Lisardo que ha seducido a una monja y luego, siendo castigado por su actitud licenciosa y su crimen sexual, muere y tiene que presenciar su propio funeral. Hay también otras obras: "Jardín de flores curiosas” (1579) de Antonio de Torquemada, “El purgatorio de San Patricio” de Calderon de la Barca y la de Antonio Zamora. Eso para darnos el sentido de rica formación intertextual que hay dentro de esta obras que tienen en común la presencia del mito de Don Juan, la visión del entierro y en particular de la danza macabra. 3- La danza macabra En el origen, la danza macabra es una tradición iconográfica de la tardía Edad Medieval: el cuento de los esqueletos que a la medianoche normalmente, al sonido del toque de las campanas de medianoche, surgen en el cementerio y empiezan a bailar. Surge también en las artes figurativas entre Edad Media y Renacimiento, es una forma de “memento mori” (-> recuerda que tienes que morir). En el periodo romántico, es sujeto de frecuentación también por los compositores musicales. Hay en particular en 1875 una danza macabra de Camille Saint-Saens que se rehizo a los versos de un escritor francés, Henri Cazaliz. Este autor francés reconstruye precisamente el momento clímax de la danza macabra y en su composición, se empieza con este motivo del violín que representa la muerta que canta, toca rodeada por los esqueletos. El estudiante de Salamanca “El estudiante de Salamanca” se divide en 4 partes: en la primera parte domina la peosia narrativa, se proporciona una ambientación nocturna y lugubre, en una Salamanca medieval y alli se consume un asesinato. Parte I - texto Nos imaginamos Salamanca, es noche, hay toques de las campanas que anuncian la hora en la que los muertos se confunden con los vivos. Hay poesía narrativa porque nos está contando una historia, la leyenda. “Era más de media noche…verlas” Traduzione: “era più di mezzanotte, raccontano le storie antiche, quando la terra porta in sogno e silenzio lugubre, i vivi sembrano morti, i morti lasciano la tomba. Era l’ora in cui forse risuonano numerose e informi/confuse (= non facilmenti distinguibili voci), in cui si ascoltano taciti passi vuoti e spaventosi fantasmi che vadano tra le dense tenebre, e i cani abbaiano spaventati a vederli (i fantasmi che si presentano alla percezione degli animali, dei cani) in cui talora la campana di una vecchia chiesa in rovina, dà misteriosi suoni e di imprecazione, e da lì convoca le streghe nella sua festa.” Tutto ciò di ambientazione e poi un “ahi” ci annuncia un’azione. “Subito rumor de espadas… adios" Traduzione: “un improvviso rumore di spade scricchiola ed un ahi si ascoltò, un ahi moribondo, un ahi che ti ferisce, ti penetra, che ti entra nel cuore, ti gela pure le ossa e fa tremare chi lo ascolta. Un ahi di qualcuno che pronuncia l'ultimo addio al mondo.” Dai primi momenti di ambientazione di questa Salamanca lugubre, notturna, in cui le forme dei vivi si confondono con quelle dei morti, in cui si producono apparizioni fantasmatiche che fanno abbaiare i cani ecc, ecco che un’azione: si fa intendere che vi è stato un duello, un rumore di spade, lo scricchiolio dei metalli che si affrontano e la voce del moribondo che evidentemente è stato trapassato dalla spada e si congeda dal mondo” “El ruido… se perdió” Traduzione: “il rumore è cessato, un uomo passò mascherato, il sombrero sceso fino agli occhi si calò, scivola e attraversa fino al muro di una chiesa e nell’ombra si perde”. Aquí desde un punto de vista métrico, se va casi a sugerir el desenlace del acontecimiento, de que la medida métrica se empequeñece y pasa a versos de 2-3 sílabas, casi sugiriendo el atravesamiento de la silueta del hombre que ha asesinado a su enemigo. All'inizio dell’opera abbiamo un anticipo dell'assassinato del fratello di Elvira, la donna sedotta e abbandonata. Duello che in realtà viene messo in scena nell’opera solo nella terza parte, quindi è un salto in avanti nella linea temporale e serve a fornirci un’idea dell’azione, degli avvenimenti principali e a presentarci la figura dello studente di Salamanca come ancora avvolta dalla leggenda e dal mistero, una figura che si definisce successivamente. “según Don Juan tenorio…dinero que perdió” Traduzione: “secondo don Juan Tenorio, anima fiera ed insolente, litigioso, coraggioso, arrogante, sempre l’insulto nei suoi occhi, l’ironia nelle sue labbra, nulla teme e tutto affida alla sua spada e al suo valore, con il cuore prosciugato, venduto beffa la donna che corteggia e poi disprezzandola lascia quella che non le si è resa, né ha temuto mai l’avvenire, né ricorda nel passato la donna che ha abbandonato né il denaro che ha perduto”. Hay una introspección psicológica y social de este pequeño delincuente, de este don Juan. Un segundo don Juan Tenorio, de hecho aquí Espronceda está acercando su obra a la de su antecedente. Parte II En la segunda parte domina la poesía lírica, se pone en escena la locura y la muerte por amor de Elvira, en una ambientación bucólica, en ciertos momentos, hasta el verso 339 la mujer toma la palabra y anuncia su muerte cercana, enferma de amor. Hay la connotación clásica de la mujer romántica sometida al hombre que la ha seducido y por la que se ha perdido. En la segunda parte, la escena se concentra en la figura de doña Elvira que ha sido seducida y abandonada por don Félix y se muere de amor. Cómo se produce en la literatura romántica, las mujeres sin ninguna enfermedad, mueren de amor. Dice que va a morir y se excusa con don Juan porque con su muerte le va a molestar. Parte III En la tercera parte tenemos una acción dialógica en una sala de jeugo equalida y crepuscular. Se cambia de registro: si en la segunda parte tenemos estos versos de amor de la mujer y la lírica, aquí tenemos más bien diálogos breves entre unos jugadores que juegan a los dados, se llaman sin identificación específica “Jugador 1, 2 y 3”. En esta sala de juego llega el estudiante de Salamanca, don Felix, y en seguida, Don Diego, el hermano de Elvira, se pelean y hay el duelo con las espadas y el hermano, Don Diego, muere. Aquí se entiende que el duelo del fragmento de la primera parte es el desenlace de este enfrentamiento. Parte IV Con la cuarta parte llegamos al momento más importante: don Felix se ve perseguido por una misteriosa dama blanca, una mujer que se revelará ser el Virginio femininio que lo descortará en este viaje vertiginoso, en un mundo sin espacio y tiempo. Aquí se va hacia lo fantástico, el tono legendario estaba ya en los primeros versos y aquí la acción precipita en el sobrenatural. En una sala se encuentra un catafalco vacío, Felix asiste a su propio entierro, esa catafalco será al mismo tiempo la vara y el lecho nupcial, entre doña Elvira y el estudiante don Felix que bailarán en esta danza macabra a un ritmo vertiginoso, rodeados por los esqueletos. LETTERATURA SPAGNOLA III – QUINTA LEZIONE El Estudiante de Salamanca – Espronceda La última vez quedamos con la presentación de la obra del Estudiante de Salamanca de Espronceda, la hemos presentada como una obra fundamental del Romanticismo español, revisación del mito ya inmortal del Don Juan, hemos visto también como Espronceda acude a distintas tradiciones textuales en las que recupera sugerencias, sugestiones por lo que concierne, por ejemplo, el núcleo temático de la danza de la muerte, de la visión de su propio entierro, además del delito especifico del Don Juan. Con respecto al cual, Espronceda se confronta con el antecedente clásico: El burlador de Sevilla, pero también con la obra de su contemporáneo, Don Juan Tenorio de Zorrilla, además hemos recordado que Don Juan es atravesado por las miradas, las reinvenciones de muchos escritore e intelectuales entre el siglo XVII y el siglo XVIII, recordemos también al Don Juan de Moliere, y recordemos también al Don Juan que es sometido a las miradas de los libertinos del siglo XVIII, que precisamente redescubre Don Juana como un personaje mítico que se revela a las tradiciones, a las convenciones religiosas, es un monstruo de irreligiosidad, y en este sentido, todo el siglo XVIII lo mira y lo admira por ser transgresivo, como