Educación Musical - Temas de Cultura Musical PDF

EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Facultad de Educación de Albacete Departamento de Didáctica de la Expresión Musical, Plástica y Corporal Didáctica de la Expresión Musical EDUCACIÓN MUSICAL TEMAS DE CULTURA MUSICAL...

EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Facultad de Educación de Albacete Departamento de Didáctica de la Expresión Musical, Plástica y Corporal Didáctica de la Expresión Musical EDUCACIÓN MUSICAL TEMAS DE CULTURA MUSICAL 1  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical ÍNDICE Introducción Tema 1. Prehistoria Tema 2. Antigüedad. Grecia y Roma Tema 3. Edad Media Tema 4. Renacimiento Tema 5. Barroco Tema 6. Clasicismo Tema 7. Romanticismo Tema 8. Nacionalismo e Impresionismo Tema 9. Siglo XX: música clásica contemporánea Tema 10. Siglo XX: música popular Tema 11. Música actual: cine, musicales, televisión y videojuegos Textos y maquetación: José Antonio Hernández Bravo Imágenes: Google 2  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Introducción La música es una experiencia propiamente humana que se vincula con una actividad artística, creativa, expresiva y comunicativa. Se trata de un medio único para la transmisión de ideas y emociones, que pueden ser entendidas en cualquier lugar del mundo gracias al empleo de un lenguaje universal. La música ha acompañado al ser humano desde sus orígenes, por lo que constituye un reflejo de primer orden de cada época. En este sentido, las manifestaciones musicales propias de cada periodo histórico se enmarcan dentro de un determinado contexto y están influenciadas por condicionantes de todo tipo: sociales, culturales, estéticos, económicos, políticos, artísticos o filosóficos. A lo largo del tiempo, la producción musical ha sido analizada y ordenada por parte de la Historia de la Música, una disciplina que habitualmente se ha encargado del estudio de las tradiciones musicales europeas y de su evolución en el mundo occidental. Hoy en día, esta ciencia se encuentra en constante perfeccionamiento y, junto a la revisión del saber acumulado, aborda las innumerables creaciones actuales y las músicas de diferentes culturas y zonas geográficas. Todo ello conforma una cultura musical común labrada durante siglos, por lo que su conocimiento es indispensable para entender mejor la sociedad pasada, presente y futura. La mitad de la asignatura de Educación Musical se centra en la cultura musical. Sin embargo, no se pretende que el alumnado profundice en cada época musical, algo de lo que sí se ocupa la asignatura de la Mención de Música “Historia de la Música”, sino que por el contrario, una de las finalidades de Educación Musical es la de adquirir una cultura musical básica. Así, en las distintas sesiones dedicadas a Cultura Musical, el estudiante podrá alcanzar unas nociones elementales y establecer relaciones entre los diferentes periodos gracias al conocimiento de las principales manifestaciones musicales a lo largo de la historia. Igualmente, en estas sesiones se realizará un acercamiento a las características más relevantes de cada periodo, se llevarán a cabo audiciones comentadas, y se mostrarán a los principales compositores, obras, instrumentos y formas musicales. El presente conjunto de temas es un material de apoyo al estudiante de esta asignatura y recopila los contenidos que se van a abordar en esta parte. Cada tema se corresponde con los diferentes periodos musicales en los que se divide la historia, con la salvedad de la Música en el Siglo XX, para la que se destinan dos temas dada su extensión. El último tema se dedica a la música actual: música de cine, musicales, televisión y videojuegos. 3  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Tema 1. Prehistoria Nadie sabe con exactitud cuándo, dónde, cómo y por qué apareció la música. No obstante, si se parte de la premisa de que la música es una creación propiamente humana como lo es el lenguaje hablado o escrito, se puede afirmar que la música surgió al mismo tiempo que el ser humano empezaba a dar sus primeros pasos sobre la Tierra. Esta música surgida en la Prehistoria, y por tanto anterior a la invención de la escritura, suele denominarse música primitiva y por este motivo debe entenderse como una forma de expresión elemental de sonidos, muy alejada del concepto que actualmente se tiene de la música. Su estudio está limitado por los escasos restos arqueológicos existentes con lo que, con frecuencia, se recurre a la etnomusicología para establecer analogías entre las culturas primitivas actuales y las prehistóricas. De este modo, la comparación entre ambas culturas puede ayudar a comprender cómo serían aquellas producciones musicales en la Prehistoria. A falta de testimonios escritos, se ha de recurrir a las representaciones gráficas prehistóricas, como son las pinturas rupestres, para realizar una aproximación a la forma de vida primitiva, en general, y a su música, en particular. Las pinturas conservadas en cuevas y abrigos muestran imágenes de ritos y danzas en los que probablemente estaría presente la música. Se trataría de una música eminentemente rítmica, al estilo de la practicada por las tribus ancestrales africanas, y estaría interpretada por rudimentarios instrumentos de percusión o acompañada por percusión corporal y canto. La música igualmente aparecería en otras actividades humanas y tendría una función social: de tipo religioso, asociándose con fenómenos naturales, la magia o la superstición; en ritos iniciáticos o de fecundidad; en la recolección de frutos silvestres; en la caza; y en la guerra. Esta pintura rupestre de la Cueva de la Vieja en Alpera (Albacete) representa un hechicero en la parte central del conjunto figurativo, al parecer durante un ritual relacionado con la caza. Los ritmos básicos y repetitivos acompañarían previsiblemente este ritual para atraer la suerte a los cazadores en la búsqueda de animales. En los momentos más lúdicos o de celebración, la música era también la protagonista en las danzas alrededor del fuego. Los ritmos emitidos por los instrumentos primitivos y por la voz en forma de canto o de 4  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical imitación de los sonidos de la naturaleza eran manifestaciones propias de una especie que había tomado consciencia de la intencionalidad de sus actos, al mismo tiempo que descubría que era un ser social. En los rituales mágicos o religiosos, el movimiento y el sonido estarían relacionados con la vida, mientras que el silencio y la inmovilidad se vincularían con la muerte. Los primeros instrumentos debieron ser objetos y utensilios de la vida cotidiana. Huesos, cañas, conchas o caparazones de animales, piedras, cocos, ramas o troncos eran utilizados para producir sonidos. Se trataba principalmente de instrumentos de percusión, aunque también se han hallado instrumentos de viento, concretamente flautas fabricadas en hueso. Sin embargo, al ser estos objetos en su mayoría de origen orgánico, hasta la actualidad han llegado pocas muestras de estos primitivos instrumentos. En la cueva de Geissenklösterle (Alemania) se halló en 2012 la flauta más antigua del mundo con una datación de 36.000 años (fotografía). Fue realizada con hueso de cisne y tiene tres orificios. Aunque en esta y en otras cuevas se han encontrado flautas anteriores elaboradas con huesos de buitre, de mamut o de oso, los paleontólogos la consideran la más antigua al atribuirse su realización al género Homo Sapiens, la única especie con capacidad simbólica y artística para construir instrumentos. Otros ejemplos de flautas e instrumentos primitivos. Flautas prehistóricas elaboradas con hueso animal. La flauta más grande corresponde a un fémur humano. La caracola se empleaba como instrumento de viento, al igual que los cuernos de animales. Se conseguían efectos sonoros o de amplificación del sonido aprovechando la resonancia de la cavidad. Algunas caracolas se encontraron adornadas como la de la imagen. El sonajero (recreación moderna), estaba fabricado con conchas unidas a una rama por medio de fibras vegetales o tendones de animal. 5  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Tema 2. Antigüedad. Grecia y Roma El periodo antiguo engloba a los pueblos mesopotámicos (sumerios, acadios, babilónicos y asirios, entre otros), que se establecieron entre la confluencia de los ríos Tigris y Éufrates; a la civilización del Antiguo Egipto, cuyo imperio floreció a orillas del río Nilo; y posteriormente, a la Antigua Grecia y Roma. Alrededor del IV milenio a.C., en Mesopotamia se produjo una revolución social, económica y cultural que llevó al paso del Paleolítico al Neolítico. Se establecieron los primeros poblados; se inventó la ganadería, la agricultura y el comercio; se elaboraron herramientas de piedra pulimentada, superándose así la piedra tallada; y se desarrollaron las artes, entre las que se encontraba la música. Las fuentes escultóricas o los hallazgos arqueológicos muestran ya una importante actividad musical en los sumerios, los primeros en asentarse en la parte de los citados ríos, y cuya influencia se extendió a todos los pueblos de la Antigüedad. A los sumerios se les debe la creación de numerosos instrumentos musicales que después se imitarían y perfeccionarían en el Antiguo Egipto, Grecia y Roma. INSTRUMENTOS DE ORIGEN SUMERIO  Lira. Instrumento de cuerda, tenía entre 7 y 9 cuerdas, se apoyaba en el suelo y su caja de resonancia tenía forma de cabeza de toro. En época babilónica (1800 a.C.) la lira se aligera y se hace de mano, reduciéndose así su tamaño.  Arpa. Instrumento de 4 a 7 cuerdas, tenía forma de arco y se podía tocar de forma vertical u horizontal.  Laúd. Instrumento de 2 a 3 cuerdas, disponía de un mástil largo y una pequeña caja de resonancia hecha con un Lira sumeria de suelo caparazón de tortuga.  Flauta. Instrumento de viento que evolucionó a partir de las flautas primitivas. Se tocaba soplando en posición vertical, mientras que los distintos sonidos se producían a la vez que se tapaban o destapaban los agujeros con los dedos.  Chirimía. Instrumento de viento. Se trataba de dos tubos dobles de plata, sin boquilla y con cuatro orificios en cada tubo.  Trompeta. Instrumento de viento fabricado con forma recta o en espiral. Se empleaba con fines militares o de alerta en caso de ataque a la ciudad.  Timbal. Instrumento de percusión formado por un caldero de metal y un parche hecho de piel de animal que se percutía con la mano.  Otros instrumentos de percusión: sonajas, sistro en forma de U, campana y platillos. 6  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical No se conoce cómo sonarían estos instrumentos de la Antigüedad ni el tipo de melodías que eran capaces de tocar. Las esculturas revelan grupos de músicos formando pequeñas orquestas y acompañando al monarca o a los sacerdotes en las ceremonias solemnes, un hecho que ofrece una idea de su prestigio. Los músicos también aparecen en celebraciones, en danzas, en fiestas o en escenas militares. Además de los instrumentos, los cultos estaban acompañados de canto a modo de lamentaciones poéticas. En el Antiguo Egipto, al igual que la escritura, la música se consideraba sagrada por lo que estaba reservada a una élite como los sacerdotes o los más allegados al faraón. La música era religiosa y se centraba principalmente en los cánticos de los sacerdotes en los templos durante los ritos litúrgicos. La música se dedicaba a las diferentes deidades para invocar su favor sobre las cosechas y era apreciada como un medio de comunicación con los difuntos. Por este motivo, los músicos tenían una gran consideración social. Los bajorrelieves y pinturas muestran instrumentos, bailarines y escenas de enseñanza entre maestros y discípulos, lo que hace pensar en el carácter oral de transmisión de la música. Se piensa que conocían la escala pentatónica (de 5 sonidos) y la escala de siete sonidos. Los antiguos egipcios habían desarrollado instrumentos como el arpa de 6 a 8 cuerdas (en la fotografía se muestra un arpa de 8 cuerdas), la flauta recta de caña con 4 a 6 agujeros, la chirimía doble, la trompeta, los tambores y los címbalos, cuando hacia el 1600 a.C. entraron en contacto con los pueblos mesopotámicos. Se extendió entonces un nuevo estilo abierto a la danza profana y se importó la lira, el laúd, el oboe doble y los crótalos. Antigua Grecia Gracias a su localización estratégica en el Mediterráneo, Grecia fue el centro de los intercambios comerciales que emprendieron los pueblos de la antigüedad para comprar o vender productos obtenidos de la ganadería, agricultura, pesca, orfebrería o cerámica. En este contexto, la Antigua Grecia recibió una importante influencia de las civilizaciones mesopotámica y egipcia, un hecho que contribuyó al desarrollo de distintos campos de estudio como la filosofía, la política, las matemáticas o las artes, incluyendo a la música. 7  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Como se ha visto, este hecho no significa que en las mencionadas civilizaciones no existiera la música, si bien, es en la Antigua Grecia cuando se empieza a tener una información más relevante con los primeros documentos musicales que se conservan. Prueba de ello son el Epitafio de Seikilos, la partitura más antigua de la historia, y los escritos de los sucesores de Pitágoras, famoso filósofo y matemático, que estableció una teoría musical y experimentó la relación físico-matemática de los sonidos de la escala. La música tenía una gran importancia para los griegos antiguos y, por tanto, estaba presente en todos los ámbitos de su vida: La música o arte de las musas (Mousiké ceremonias religiosas, actos deportivos, tecné) estuvo muy relacionada con los espectáculos teatrales, nacimientos, bodas, dioses de la mitología griega. Por ejemplo, funerales, actividades educativas y formativas hay instrumentos creados directamente por los dioses. Según para la juventud, etc. La música no se cuenta la leyenda, se interpretaba de forma independiente, sino que atribuye al dios Hermes se utilizaba como un acompañamiento de la la invención de la lira, poesía y la danza. Así, que construyó con el los bardos o poetas caparazón de una errantes, como el que tortuga y que regaló a se muestra en este su hermano Apolo, grabado de una vasija, quien la tomaría como recitaban los poemas símbolo. Otro mito narra la historia del dios épicos (Odisea, Iliada) Pan que convirtió en caña a su amada Siringe cuando ésta murió. Para recordarla y de pueblo en pueblo poder tenerla otra vez entre sus manos, el ayudándose de la dios hizo una flauta de varios tubos, que se música de una lira y de una memoria llamó flauta de pan o siringa. prodigiosa, pues rememoraban de forma oral antiguas leyendas. No hay que olvidar que la música y la cultura de la Antigua Grecia estaban íntimamente ligadas a la mitología. Las obras de teatro distraían también a la población, destacando el gusto por las comedias, pero sobre todo, por las tragedias, precursoras de la ópera moderna. En estos espectáculos había danza y música en directo interpretada por instrumentistas y coro, que tocaban y cantaban la misma melodía. Los antiguos griegos consideraban que la música poseía propiedades mágicas de acuerdo a la teoría del Ethos. El Ethos eran escalas y modos utilizados para transmitir emociones y sentimientos. La teoría trataba de explicar la creencia de que las melodías escuchadas podían alterar el comportamiento, curar enfermedades o modificar la conducta. 8  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical. LA NOTACIÓN GRIEGA Y EL EPITAFIO DE SEIKILOS La notación griega era alfabética, representándose la altura de los sonidos mediante las letras del alfabeto griego. El ritmo se indicaba encima de las letras, empleándose para ello rayas y puntos que señalaban los valores largos y cortos. El epitafio de Seikilos es una canción inscrita en una columna funeraria que data del siglo II - I a.C. y es el ejemplo más antiguo conservado de música escrita. Abarca un ámbito de octava (de mi a mi’). El cantante está acompañado por la lira que dobla la voz. La estructura es monofónica, es decir, que tanto la voz como el instrumento interpretan la misma melodía. Presenta un ethos equilibrado, que no denota ni alegría ni tristeza. La melodía está construida por grados conjuntos y está compuesta por 4 fases de 12 tiempos iguales. Cuenta con un tempo básico de corchea de 2 tiempos, con subdivisión ternaria. La escala pitagórica: relación entre música y matemáticas Pitágoras fue uno de los teóricos más importantes de la música antigua griega. Creó el monocordio, es decir, una cuerda vibrante sujetada en sus dos extremos, mediante el cual pudo demostrar matemáticamente las notas de la escala. Al pulsar la cuerda se emitía un sonido Pitágoras (570 a.C. - 495 a.C.) planteó la “armonía de las fundamental; si se colocaba el dedo en la mitad de la esferas” basada en la idea de que el movimiento de los cuerda y se pulsaba de nuevo, se obtenía el mismo planetas se rige según sonido pero una octava más agudo; si se ponía el dedo proporciones musicales equilibradas. sobre dos terceras partes de la cuerda y se volvía a tocar, sonaba un sonido a una distancia de quinta del primero; y así sucesivamente, cambiando la proporción Monocordio de cuerda a razón 2/3, se producía el resto de las notas. 9  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Los instrumentos de la Antigua Grecia aparecen frecuentemente en la cerámica, escultura y pintura, ofreciendo una idea de la importancia que éstos tenían en aquella sociedad. Había instrumentos de viento, cuerda y percusión, destacando el aulos, la lira, la cítara y el tympanum. Aulos Instrumento de viento, era una especie de oboe doble. Estaba formado por dos tubos en los que había seis orificios. El sonido se producía al soplar a través de una lengüeta doble. Su sonido era estridente. Lira Instrumento de cuerda, evolucionó a partir del arpa primitiva. Al principio se elaboraba utilizando el caparazón de una tortuga como caja de resonancia y dos grandes arcos unidos en su parte superior para sujetar y tensar las cuerdas. Éstas estaban hechas con tripas de animal desecadas. Cítara Instrumento de cuerda, descendía de la lira. Se caracterizaba por una gran caja de resonancia que suponía la mitad del instrumento. De ella salían dos pequeños brazos unidos con una varilla y sobre la que se enrollaban las cuerdas. Esta caja disponía de una abertura que amplificaba la resonancia de las cuerdas pulsadas con los dedos. Se tocaba apoyando la lira sobre las rodillas. Tympanum Instrumento de percusión, consistía en una membrana de piel de animal tensada sobre un marco de madera circular, similar a los tambores actuales. El sonido se producía percutiendo el parche con la mano. Los instrumentos de percusión eran indispensables en las danzas para marcar el ritmo a los bailarines. 10  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Antigua Roma El poder de la Antigua Roma se fue extendiendo y acrecentando por todo el Mediterráneo cuando otras civilizaciones antiguas habían perdido ya su esplendor. La maquinaria militar permitió la conquista de nuevos territorios y el establecimiento de colonias, ciudades y provincias, ofreció riqueza en forma de tributos y tesoros de guerra, además de una extensa red de relaciones comerciales. Estas riquezas permitieron la alimentación gratuita a los El Imperio Romano en su ciudadanos, la construcción de época de máxima extensión con Trajano (s. I d.C.) grandiosas obras públicas y la celebración de espectáculos extraordinarios. La necesidad de mantener este elevado estatus de vida es una de las razones que explican el afán de expansión del imperio. Y así fue como en el año 146 a.C. Grecia se convirtió en provincia romana. La sociedad romana, acostumbrada a la guerra y a la lucha, no estaba preparada para el refinamiento de la Antigua Grecia. Los romanos quedaron fascinados por la filosofía, la sabiduría y las artes griegas. Entonces, la nobleza romana comenzó a copiar esculturas, representaciones teatrales, el idioma y la música, deleitándose con sus poesías cantadas y danzas. Sin embargo, al principio no todos los romanos acogieron de igual modo las innovaciones que habían desarrollado los griegos. Esta actitud duró poco, ya que Roma, tras asimilar la cultura griega y otras de Oriente como la mesopotámica y la egipcia, descubrió que la dominación militar que había extendido por el Mediterráneo era más fácil de consolidar con una superioridad cultural. Este fenómeno se denominó “romanización”. Los antiguos romanos no dedicaron ningún esfuerzo en hacer innovaciones en la música y se limitaron a reproducir lo que habían aprendido de otras civilizaciones, sobre todo, de la tradición griega. El canto era monofónico y la música se adaptaba al ritmo prosódico. Como no podía ser de otra forma en un pueblo bélico, la música se utilizó principalmente para la guerra (por ejemplo, el ritmo de los instrumentos de percusión alentaban a los soldados al combate) y para magnificar los desfiles militares y las entradas triunfales. Pero también se empleó en las ceremonias religiosas dedicadas a los dioses, en los espectáculos civiles muy populares (teatro, circo, anfiteatro) y en las grandes fiestas. 11  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Los instrumentos que se crearon en la Antigua Roma tenían una finalidad militar. De este modo, surgieron el lituus, la buccina, la tuba o el cornu, que se utilizaban para transmitir órdenes a distancia gracias a su potente sonoridad, y se adaptaron otros procedentes de la cultura griega, como la tibia, que imitaba el aulos, y el órgano, a partir del hydraulis griego. Instrumentos al servicio de la guerra En la batalla de Zama (202 a.C.), cerca de la actual Túnez, el general romano Publio Cornelio Escipión empleó los cornus para vencer al ejército cartaginés de Aníbal Barca y a sus elefantes de guerra. En la Antigua Roma hubo músicos virtuosos que se hicieron muy famosos. Las clases poderosas se disputaban sus actuaciones en las fiestas que organizaban, en las que estos artistas solían intercalar música y momentos de humor. Los músicos también triunfaban en teatros y anfiteatros, en cuyos espectáculos los actores bailaban acompañados de la tibia, el canto y la percusión. En la imagen, este mosaico romano de Pompeya muestra a tres músicos durante una fiesta tocando instrumentos típicos griegos: de izquierda a derecha, el aulos, los címbalos o crótalos y el tympanum. Scabillum Lira romana Tibia Órgano de tubos Címbalos o crótalos 12  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Tema 3. Edad Media La Edad Media es un periodo de la historia occidental que abarca desde la caída del Imperio Romano (476 d.C.) hasta la toma de Constantinopla (1453) por los turcos. Este gran espacio de tiempo comprende dos etapas: la El castillo de Almansa (Albacete) Alta Edad Media (siglos V a X) y la Baja Edad Media es un ejemplo de fortaleza medieval y Las catedrales, (siglos XI a XV). Entre los emblema del señor feudal como esta de Burgos, siglos V al X hubo una fueron centros de poder crisis generalizada en en la Edad todos los niveles. La Media inseguridad, el hambre, las migraciones, y las guerras originaron un retroceso intelectual, cultural y social. Por ello, habitualmente estos siglos se identifican con una etapa de oscuridad, una idea agravada por la extensión de la ignorancia, la superstición y el miedo al fin del mundo. La desfragmentación del Imperio Romano dio lugar a una dispersión del poder por todo su territorio (un hecho que sentaría la base para la posterior aparición de los países), mientras que el conocimiento clásico fue absorbido y reinterpretado por la cultura teocrática que ejerció su poder total sobre una sociedad analfabeta. El saber estuvo celosamente atesorado en los monasterios y la música, que se había fundamentado en los modos y en la teoría musical de la Antigua Grecia, se adaptó para ponerse al servicio de la religión. Nació así el canto gregoriano. Los siglos XI a XV, por el contrario, fue una etapa de prosperidad política, económica y cultural marcada por el feudalismo de los reyes y nobles medievales. Gracias a esta situación de bonanza se erigieron imponentes castillos y catedrales, y se desarrollaron las artes (románico y gótico) y, en particular, la música. La música predominante seguía siendo sacra o religiosa y continuó evolucionando hasta producirse una gran innovación: el nacimiento de la polifonía en el siglo XII. Sin embargo, la música profana consiguió hacerse un hueco, impulsada por la proliferación de juglares y trovadores (en la imagen), que actuaban en pueblos y palacios, respectivamente. También resurgieron los instrumentos tras varios siglos prohibidos por la iglesia. 13  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Música sacra: el canto gregoriano El canto gregoriano es un tipo de canto llano utilizado en la liturgia de la Iglesia Católica Romana. Su origen ha sido atribuido al Papa Gregorio El Magno, ya que durante su papado (590-604 d.C.) comenzó la recopilación de los diferentes cantos litúrgicos de las comunidades cristianas. Sin embargo, no fue hasta el siglo IX cuando se añadió a estos cantos el sobrenombre de “gregoriano”, en honor de este Papa que le dio un gran prestigio a la Iglesia Romana. Características del canto gregoriano  Latín (idioma oficial de la Iglesia Católica Romana)  Ritmo libre (sin compás)  A capella (sin acompañamiento instrumental)  Canto monofónico (1 melodía)  Oración cantada (la música no puede entenderse sin el texto)  Anónimo  Tetragrama (escritura sobre 4 líneas)  Neuma (notación cuadrada basada en los puntos) Evolución de la música religiosa El progreso que experimentó la música durante esta época se debió principalmente al desarrollo de la notación y de la técnica musical. Sin estos avances no hubiera sido posible la aparición de la polifonía. S. IX Desarrollo de la notación musical. Guido D’Arezzo El nombre de las notas y la mano guidoniana El monje Guido D’Arezzo inventó el primer sistema para aprender música. Fijó a cada nota un nombre y luego escribió las notas sobre un tetragrama para representar la altura del sonido. También utilizó su mano, Guido d’Arezzo puso el nombre a las notas musicales a partir de las iniciales de asignando a cada parte una nota. un salmo dedicado a San Juan Bautista. Así, señalaba a los cantantes las Con el tiempo se mantuvo el nombre de La mano guidoniana, las 7 notas musicales a excepción de “Ut” notas a interpretar y les facilitaba precursora de la que se cambió por la actual “Do”. la memorización de canciones. fononimia moderna. 14  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical S. XI Organum y Discantus 1 2 Vox organalis Vox principalis San-cti - po - tens ge - El Organum (1) es una forma polifónica vocal muy rudimentaria. Consistía en la repetición paralela de una melodía gregoriana (vox principalis) nota a nota. Sobre esa melodía original se añadía una voz por encima (vox organalis) a una distancia de cinco notas. En el Discantus (2) las dos voces (vox organalis y principalis) no se movían de forma paralela, sino por movimiento contrario. El Discantus sentó las bases del contrapunto. S. XII - XIII Nacimiento de la polifonía. Ars Antiqua La polifonía es la unión de varios sonidos que suenan simultáneamente, ya sea de forma independiente o imitativa entre sí (por ejemplo, el canon). Su invención en el siglo XII, a partir del desarrollo del Organum y el Discantus, revolucionó la música. A falta de música original, esta primigenia polifonía usaba la combinación de cantos monofónicos gregorianos. Los dos músicos de mayor relevancia dentro del movimiento Ars Antiqua fueron Leonin y Perotin. La polifonía se gestó en la Escuela de Notre Dame de Paris. Apareció el motete (composición religiosa polifónica contrapuntística a 2 o 3 voces). S. XIV Apogeo de la polifonía. Ars Nova Surgieron nuevas técnicas de composición y los signos de compás como unidad sobre la que se ordenaba el movimiento. Se produjo la transición a la música renacentista. El compositor más importante fue Machaut. Guillaume de Machaut (1300-1377) compuso la primera misa polifónica. Se perfeccionó el motete llegando cada voz a tener un texto diferente. 15  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Música profana: juglares y trovadores La música profana convivió con la música sacra durante la Edad Media. Sin embargo, poco se conoce de ella porque estuvo eclipsada por la hegemonía de la música religiosa. A finales de esta época el poder de la iglesia fue reemplazado paulatinamente por el de los señores feudales. En este contexto, aparecieron los juglares y trovadores que practicaban una música muy distinta a la establecida por los cánones eclesiásticos. Los juglares (como el de la imagen) eran músicos ambulantes que tocaban numerosos instrumentos y cantaban canciones de pueblo en pueblo. Pertenecían a la clase baja y no componían las canciones, sino que imitaban las que cantaban los trovadores en los palacios y castillos. También recitaban y cantaban poemas que aprendían en los lugares por los que pasaban y que iban acrecentando con su ingenio. Los juglares solían amenizar sus actuaciones con humor, acrobacias y danzas por lo que eran muy apreciados por el pueblo llano. Otra opinión de ellos tenía la nobleza y el clero que los descalificaban por utilizar en sus canciones un lenguaje vulgar y una temática considerada inmoral. Los trovadores, por el contrario, eran poetas-músicos y pertenecían a la nobleza. Su alto linaje le aseguraba una refinada educación por lo que componían sus propias canciones dedicadas al amor platónico o a temas caballerescos. Surgieron en el sur de Francia en el siglo XII, en la Provenza, y empleaban la lengua provenzal. En el norte de Francia aparecieron los troveros que utilizaban la misma temática que los trovadores, pero cantaban en la lengua d'Oil (antecesor del francés actual). El carácter de sus composiciones era rápido y alegre. La música tenía una textura monódica con acompañamiento instrumental basado en los modos gregorianos, pero con un ritmo bien marcado. En España, los trovadores fueron muy populares en la zona de Galicia donde las canciones se denominaron cantigas. Cantigas a Santa María de Alfonso X El Sabio (S. XIII)  Cancionero medieval en galaico-portugués.  Variedad de canciones: instrumentales, vocales, temas gregorianos y trovadorescos.  417 composiciones que relatan leyendas o milagros Las Cantigas son una muestra de la Virgen María. representativa del arte trovadoresco medieval. Son documentos de gran  Las cantigas laudatorias son las que terminan en 0. valor literario, musical y pictórico. 16  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Instrumentos medievales A finales del Medievo los instrumentos comenzaron a aflorar. Durante siglos habían estado perseguidos por la iglesia al ser considerados impuros y elementos distractores de la fe. El progresivo cambio de pensamiento a lo largo de la Baja Edad Media permitió que los instrumentos, que siempre habían sido utilizados por el pueblo llano, fueran visibles. Viela Instrumento de cuerda frotada. Se tocaba con un arco. Es el antecedente del violín. Laúd Instrumento de cuerda con clavijero y caja de resonancia abombada. El sonido se producía pulsando las cuerdas con los dedos. Zanfona Instrumento mecánico de tres cuerdas que vibran por la fricción de una rueda enresinada situada dentro de la caja de resonancia. Esta rueda gira gracias a una manivela externa. Las notas cambian al presionar una serie de teclas que acortan las cuerdas. El sonido producido se acompaña de una nota grave tenida llamada bordón, al igual que hace la gaita. Añafil Instrumento de viento procedente de la tuba romana. Tenía forma de tubo recto de metal y se utilizaba en las batallas y los torneos. Sobre este instrumento solía colocarse el estandarte del noble o señor feudal al que representaban. Salterio Arpa Cornamusa Flauta travesera Instrumento de Instrumento de Instrumento de Instrumento de cuerda pulsada con cuerda pulsada de viento, parecido viento, se hacían forma de cítara. forma triangular. a la gaita. de madera. 17  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Tema 4. Renacimiento El Renacimiento surgió en Italia alrededor de 1400 y se prolongó hasta finales del siglo XVI. Fue una época de relativa paz y de progreso económico, un hecho que facilitó el desarrollo de la cultura y de las artes. Los avances en los medios de transporte y, sobre todo, la invención de la imprenta (1440), permitieron la difusión de las ideas renacentistas por toda Europa. Acabado el feudalismo, la nobleza y la aristocracia se convirtieron en mecenas de los artistas, a quienes contrataban para trabajar en sus cortes. En el ámbito cultural, el descubrimiento de las ruinas de la antigua Roma propició una vuelta a los cánones clásicos grecolatinos al ser considerados de una gran superioridad artística e intelectual. Se desarrolló entonces el Humanismo, que consideraba al hombre como centro del universo y que superaba la concepción teocrática medieval. Ejemplo de ello es el fresco “La creación de Adán” que Michelangelo pintó en la Capilla Sixtina del Vaticano. El arte dejó de percibirse como un tributo a Dios para ser entendido como una búsqueda de la belleza. Los artistas, a diferencia de los de la Edad Media, empezaron a firmar sus obras, reclamando así su estatus de creadores. En cuanto a la música, la impresión de las primeras partituras permitió una difusión de la música como nunca antes se había podido hacer. La música profana e instrumental tuvo un gran desarrollo, fruto de la afirmación de la corriente humanista y por oposición a la música religiosa. La música fue complicándose cada vez más, por lo que impulsó a los músicos a especializarse y a profesionalizarse para interpretar las composiciones renacentistas. La polifonía siguió evolucionando con la introducción de timbres y de las cuatro voces (soprano, contralto, tenor y bajo) que llegan hasta la actualidad. En las obras se utilizaron acordes consonantes y armonías de complejidad creciente que precisaron del establecimiento de un ritmo fijo. Entre los compositores más importantes destacaron Palestrina y Tomás Luis de Victoria. 18  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical La música religiosa renacentista La música sacra de esta época estuvo muy influenciada por el protestantismo de Lutero y la Contrarreforma de la Iglesia Católica. La función de esta música seguía siendo la difusión de la fe, por lo que se empleaba como propaganda de la religión. El latín se mantenía en el texto de las obras, mientras que el único instrumento permitido era el órgano. Compositores destacados Los autores reconocidos de este periodo se dedicaron principalmente a la música religiosa. Giovanni Da Palestrina Tomás Luis de Victoria (1525-1594) (1548-1611) Compositor y organista Compositor, organista y italiano. maestro de capilla español. Realizó más de 100 misas y unos 300 Su gran producción musical se motetes, pero también obras profanas identifica por la sobriedad de acuerdo como madrigales. Su estilo se a la escuela de Palestrina. Construye caracteriza por el tratamiento melodías de carácter dramático y prosódico del texto, es decir, haciendo místico, estableciendo voces coincidir una sílaba con una nota. independientes unas de otras. Las danzas en el Renacimiento La danza tuvo una gran importancia durante el Renacimiento. Estaba presente en todas las celebraciones y entretenía por igual a todas las clases sociales. Danzando en la corte La danza cortesana se practicaba en los grandes salones de los palacios. Los nobles vestían sus mejores galas, pero los trajes eran tan aparatosos que los movimientos no podían ser rápidos. La pavana era la danza preferida por la clase alta porque era un baile muy elegante y reposado, ideal para mostrar sus vestidos. Por el contrario, la danza que bailaba el pueblo llano, como la gallarda, era menos refinada pero mucho más alegre. Se danzaba con paso saltado. 19  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Formas musicales La forma musical es la estructura de una obra, como por ejemplo: sonata, concierto, sinfonía, suite, danza, preludio, nocturno o fantasía. En el Renacimiento destacan:  Formas religiosas: misa, motete y coral. La misa es una composición coral que musicaliza las partes de la liturgia. El motete es una obra breve cantada a varias voces, con o sin acompañamiento musical. El coral es el canto utilizado en la iglesia luterana.  Formas profanas: madrigal y villancico. En este periodo, aparecieron canciones escritas en lengua vernácula. El madrigal es una forma polifónica para cuatro voces, a capella o con algunos instrumentos, y texto en italiano. El villancico es una forma a cuatro voces con estructura estribillo-estrofa-estribillo. Originario de España, al principio no tenía temática religiosa. Instrumentos renacentistas Una de las características más importantes del Renacimiento fue el resurgir de la música instrumental que hasta entonces había estado marginada. En este periodo, los instrumentos poco a poco ganarán prestigio y relevancia debido en gran medida a la laicización de la música que promovía el pensamiento humanista. Por primera vez en la historia se compuso música instrumental pura, sin ningún otro fin que el deleite del oído, que redundará en la proliferación de las composiciones instrumentales. 20  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Tema 5. Barroco La transición a la Edad Moderna que supuso el Renacimiento se consolidó durante el Barroco (1600-1750). Las monarquías absolutistas, en su lucha por la hegemonía política continental, sumieron a Europa en una etapa de guerras y conflictos. Sin embargo, en el ámbito de las artes fue un periodo de prosperidad. Tal es así, que el Barroco se ha enmarcado entre dos hitos clave relacionados con la historia de la música: la primera ópera (Orfeo, 1607) y la muerte del gran genio de la época, Johann Sebastian Bach (1750). El término “barroco” surgió originariamente en la arquitectura para designar una construcción recargada o muy elaborada, basada en la idea del horror vacui, miedo al vacío. Más tarde, se extendió a la literatura, escultura, arquitectura, pintura, danza y la música. A diferencia del Renacimiento en el que el ideal era la búsqueda de la belleza, el pensamiento del Barroco Fachada barroca de la catedral se fundamentó en la razón y el sentimiento. En el de Santiago de Compostela campo musical, la asociación razón-sentimiento repercutirá directamente en la racionalización de la música y en el establecimiento de parámetros musicales como el ritmo o la tonalidad que siguen vigentes en la actualidad. También se crearon nuevas técnicas para facilitar la expresión de sentimientos (monodia, agógica, dinámica, entre otros), que se potenciaron por medio de la ópera, una especie de teatro dramático cantado. Novedades introducidas por el Barroco Monodia: una sola melodía acompañada de instrumentos, como respuesta a la complejidad polifónica renacentista. Se mejora la comprensión del texto. Música “recargada” mediante el empleo de adornos y figuras (semicorcheas). Mayor importancia de los instrumentos (violín, clave,…). Formas complejas: sonata, concierto, ópera, oratorio, suite. Concerto orquestal: contraposición de planos sonoros y timbres (solo vs. tutti). Nacimiento de la ópera (Monteverdi: Orfeo, 1607). Uso del bajo continuo: notas graves desde el principio al final de la obra, que sustentan la melodía principal y crean una armonía tonal. 21  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Compositores del Barroco Aunque durante este periodo proliferaron los compositores, existieron unos autores considerados como genios que eclipsaron a los demás. Estos músicos excepcionales trabajaban en zonas geográficas distintas con lo que, a pesar de seguir el estilo establecido en los tratados armónicos de la época, sus composiciones presentan características diferenciadoras. Así, entre los corrientes más importantes se encuentran el barroco alemán, el barroco italiano, el barroco inglés y el barroco español. Barroco alemán Johann Sebastian Bach (1685-1750)  Figura clave y uno de los mayores genios de la historia de la música.  Su música está muy influida por la religión.  Compuso misas, cantatas, oratorios, conciertos, suites y el coral, género musical del protestantismo.  Virtuoso del órgano, instrumento de la liturgia.  Especialista en la forma musical fuga (tema que aparece y Bach fue un maestro de desparece a lo largo la obra). la improvisación. Se le considera el padre de la  Otros compositores: Telemann, C. Ph. Bach, Pachelbel. música tonal. Obras destacadas: Pasión según San Mateo, Tocata y fuga, Conciertos de Brandemburgo, Clave bien temperado. Barroco italiano Antonio Vivaldi (1678-1741)  Virtuoso del violín.  Uso de melodías recargadas, rítmicas y vitalistas.  Sus composiciones son preferentemente instrumentales.  Establece el concerto con los movimientos rápido-lento- rápido y el solista vs. ripieno.  Es el precursor de la música programática, un tipo de Vivaldi, conocido como il composición en el que la música describe un texto. petre rosso, compaginó su labor de sacerdote en  Compuso casi 500 conciertos. Venecia con la música.  Otros compositores: Monteverdi, Scarlatti, Albinioni. Obras destacadas: Las cuatro estaciones. 22  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Barroco inglés George F. Haendel (1685-1759)  Sucesor y continuador de Purcell.  De origen alemán, estudió en Italia y trabajó en Inglaterra, por lo que su música es una mezcla de estilos.  Destacó en la composición de óperas, en las que dio mayor importancia al coro, aunque después se decantó por el oratorio. El género favorito de  Su música fue más ligera que la de Bach, con un Haendel fue el oratorio, una contrapunto menos elaborado y un estilo ceremonial. especie de ópera religiosa  Compuso música de encargo para la realeza inglesa. que no se escenifica. Obras destacadas: Música para los reales fuegos de artificio, Música acuática, Aleluya de El Mesías. Barroco español Antonio Soler (1729-1783)  Sacerdote, compositor y clavecenista.  Fue organista y director del coro del Monasterio de El Escorial.  Alumno de Scarlatti, introdujo en España el Barroco, pero con influencias del folclore popular.  Utilizaba la repetición de temas breves, destacando en el contrapunto. A pesar de su dedicación religiosa, el padre Soler  Compuso música religiosa vocal en latín y villancicos. cultivó el estilo galante,  Realizó también música para clavecín y música teatral. una música más sencilla y menos virtuosa, que ya  Escribió un tratado de armonía en el que reflexionaba adelantaba el Clasicismo. sobre la creación artística. Obra destacada: Fandango en Re menor. La ópera A finales del siglo XVI la música polifónica había llegado a una complejidad tan grande que la hacía prácticamente ininteligible. Entonces, un grupo de artistas auspiciados por un mecenas de Florencia se propuso crear una música más emotiva y comprensible y, para ello, pusieron su atención en la música de la Antigua Grecia. Para ellos, aquella música era capaz de transmitir sentimientos mediante el empleo de melodías claras que eran 23  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical interpretadas con la voz y acompañadas de instrumentos. También encontraron en las representaciones teatrales de la Antigua Grecia un arte expresivo ideal, pues permitía combinar diferentes artes como poesía, música, teatro y danza. Estas reflexiones se extendieron a otros centros culturales como la corte de Mantua, en el norte de Italia. Claudio Monteverdi, que trabajaba allí como director musical y compositor, asumió estos avances y en 1607 estrenó “Orfeo”, la primera obra considerada como una ópera al contar con los requisitos técnicos y estructurales que tienen las actuales. Partes de la ópera Obertura: parte inicial de la ópera interpretada por instrumentos. En ella se presentan los temas principales de la obra. Recitativo: parte cantada por un solista y acompañada por un grupo pequeño de instrumentos. Aria: momento de solista y orquesta pensado para el lucimiento del cantante. Coro: parte en la que interviene un grupo numeroso de cantantes y la orquesta. Interludio: parte instrumental entre actos en los que se retoman o presentan los temas. Dúo, trío: momento en el que intervienen dos o tres cantantes y un conjunto reducido de instrumentos. El argumento de la primera ópera, Orfeo, se basaba en la mitología griega. Se trataba de una “ópera seria” que presentaba un estilo dramático muy complejo tanto en argumento como en escenografía. La nobleza acogió de buen grado este género al considerarlo muy refinado, facilitándose así su difusión por las cortes europeas. Un siglo más tarde, surgiría la “ópera bufa”, que fue la preferida por el pueblo, ya que utilizaba tramas entendibles y argumentos cotidianos o de crítica social ante las injusticias de los poderosos. La puesta en escena era modesta y económica, con lo que este espectáculo se hizo muy popular. Los castrati: voz dulce de niño, voz potente de adulto La prohibición eclesiástica de emplear voces femeninas durante la Edad Media continuó hasta el Barroco. A lo largo de varios siglos, se recurrió a la castración de los niños para que conservaran su voz blanca al llegar a la edad adulta. Cantaban música profana y ópera. Eran muy conocidos y ganaban grandes cantidades de dinero. Farinelli (en la imagen) fue el castrato más famoso. Trabajó para el rey Felipe V, a quien le cantó todas las noches durante 10 años las mismas canciones para aliviar su melancolía. 24  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Instrumentos del Barroco La evolución técnica de los instrumentos y la agrupación organizada de los mismos dieron lugar a la aparición de la orquesta de cámara, que contaba con un número reducido de instrumentos que actuaban en salas pequeñas; y a la orquesta, que tenía mayor tamaño y que reunía a instrumentos de las familias de cuerda, viento y percusión. Instrumentos de la familia de viento 1) Oboe: instrumento de lengüeta 1 2 doble, surgió en torno a 1650 a 3 partir de la chirimía renacentista. 2) Clarinete: instrumento de lengüeta simple evolucionó del antiguo chalumeau. Hacia 1700 se añadieron más agujeros y llaves, ampliándose las posibilidades sonoras del clarinete. 3) Órgano: instrumento de viento mecánico, formado por tubos y teclado. Durante el Barroco se recargó de adornos. El violín es un instrumento de cuerda descendiente de la viela medieval. Alcanzó tal perfección en el Barroco que ha seguido construyéndose igual hasta la actualidad. La familia de cuerda frotada (violín, viola, violoncello y contrabajo) se convirtió en la gran protagonista de la música barroca. Otro instrumento por excelencia de este periodo es el clave o clavecín. Con apariencia de piano, se trataba de un instrumento de cuerda pulsada. Se tocaba con un teclado que accionaba el punteo de las cuerdas interiores con una púa. Antonio Stradivari, el mejor luthier del mundo Antonio Stradivari pertenecía a una familia de constructores de instrumentos de Cremona (Italia). Realizó más de 1000 instrumentos de cuerda, principalmente violines, pero sólo se conservan unos 500. Son considerados como los mejores instrumentos de cuerda de la historia y se piensa que el secreto de su sonoridad inigualable está en el barniz Los Stradivarius tienen un valor utilizado. Aunque tuvo muchos imitadores, los Stradivarius incalculable, como este violín son únicos, ya que además de su sonido, su acabado es llamado “El español” que se encuentra en el Palacio Real de exquisito, llevan grabado el año y el lugar de realización, y la Madrid, junto a otro violín, una madera presenta unos matices de color de gran belleza. viola y un violoncello. 25  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Tema 6. Clasicismo El Clasicismo fue un periodo corto (1750-1800) dentro la historia de la música culta europea, que en el resto de las artes se conoció como Neoclasicismo. En esta época se volvió a los ideales de la cultura antigua grecorromana, basados en el equilibrio, el orden y la proporción. El Clasicismo supuso la transición de la Edad Moderna a la Contemporánea y estuvo sustentado por la Ilustración, el movimiento La Puerta de Alcalá, de estilo neoclásico, se intelectual que desencadenó la Revolución Francesa finalizó en 1778. (1789). La burguesía, que cada vez tenía más pujanza social y económica, comenzó a demandar actividades culturales y musicales. Así, llenó los teatros y las salas de concierto para disfrutar de espectáculos sencillos, sin los artificios del Barroco, de acuerdo a la estética racionalista de la Ilustración. La música practicada en los palacios e iglesias entró en declive, al mismo tiempo que se convertía en un arte mayoritario. Los compositores comenzaron a independizarse de sus mecenas, obteniendo así mayor libertad creativa, pero por el contrario, tuvieron que depender del favor del público para poder subsistir. Características principales  Música equilibrada, sin adornos que distraigan la idea central de la música.  Escasas disonancias (sonidos que se perciben con tensión, por lo que suenan desagradables para el oído).  Predominio de la línea melódica principal.  Melodías más asequibles y “cantables”.  Texturas y estructuras claras, como la Cuarteto de cuerdas típico del Clasicismo forma Sonata.  Desarrollo de la Sinfonía, interpretada por la orquesta sinfónica.  Desaparece el clave.  Se perfeccionan instrumentos como clarinete o la trompa.   Principales compositores: Haydn, Mozart y Beethoven (primeras obras). 26  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Joseph Haydn Compositor austriaco (1732-1809) de origen muy humilde, su prodigiosa voz le llevó a Viena para ser niño cantor en esta ciudad, labor que compaginó con el aprendizaje del violín y el clave. Acabada su etapa como cantante, comenzó a desarrollar su talento musical como compositor. Fue mentor de Mozart y profesor de Beethoven. Trabajó al servicio de los Esterházy, una familia de nobles húngaros, convirtiéndose en uno de los compositores más famosos de la época y uno de los mejores representantes del Clasicismo. Entre sus aportaciones, se le considera el padre de la sinfonía, del cuarteto de cuerdas y de la sonata. Respecto a la sinfonía, escribió 106 obras de este tipo, muchas de ellas con un sobrenombre como Sorpresa, El reloj o El milagro. En cuanto al cuarteto de cuerdas y la sonata, Haydn no fue su inventor, pero sí que contribuyó a su establecimiento. Así, instauró el cuarteto con dos violines, viola y violoncello, mientras que organizó la forma sonata en tres partes: exposición, desarrollo y reexposición. Wolfgang Amadeus Mozart Compositor y músico austriaco (1756-1791), está considerado como uno de los más influyentes de la historia de la música. Creó un estilo reconocible con melodías sencillas, equilibradas y vitalistas. Compuso más de 600 obras de todos los géneros (sinfonías, conciertos, óperas, música de cámara). Mozart fue un niño prodigio. Realizó sus primeras composiciones con 5 años, edad en la que empezó también a tocar el violín y el clave. Su padre, que era también músico, presentó la genialidad de su hijo por todas las cortes europeas. Los continuos viajes explican una forma de componer única, con influencia de la música italiana, alemana y francesa. Trabajó para el arzobispo de Salzburgo, su ciudad natal, hasta que se trasladó a vivir a Viena, siendo el primer compositor que se estableció por su cuenta al margen de la nobleza. Mozart cultivó los tres géneros operísticos de moda: singspiel (alemán), ópera bufa (comedia) y ópera seria (dramática). Escribió 22 óperas, entre las que destacan: El rapto del serrallo, Don Giovanni, Las bodas de Fígaro, La clemencia de Tito y La flauta mágica. También realizó una gran cantidad de sinfonías, 41 en total. Las tres últimas se consideran obras maestras. Otras joyas de Mozart: Pequeña serenata nocturna, Marcha Alla Turca (Sonata para piano nº 11), Concierto para piano nº 21, Sonata fácil (Sonata para piano nº 16). 27  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical La ópera bufa en tiempos de Mozart Los números cómicos que se intercalaban en algunas óperas serias fueron adquiriendo mayor importancia hasta que dieron lugar a la ópera bufa. Este tipo de ópera tenía como misión la de entretener a un público con escasos conocimientos musicales. Por este motivo, los argumentos se basaban en la vida cotidiana, se empleaba la letra del idioma del país y no en italiano como era lo habitual hasta entonces en la ópera, los recitativos eran a veces hablados y los finales se caracterizaban por la intervención gradual de todos los cantantes hasta la resolución apoteósica de la trama. Mozart llevó al culmen la ópera bufa, aunque también cultivó una variante denominada singspiel. Escrito en alemán y con partes habladas, fue muy popular ya que era una obra ligera y asequible para todo tipo de público. La flauta mágica, obra maestra del género de las óperas, pertenece al singspiel. La flauta mágica (1791) Personajes principales: Tamino, Pamina, Reina de la Noche, Sarastro, Papageno. Argumento: El príncipe Tamino, perseguido por una serpiente, llega a los dominios de la Reina de la Noche. Ésta se le aparece enseñándole un retrato de su hija Pamina, que Aria “La Reina de la noche” ha sido secuestrada por Sarastro. Tamino al ver el cuadro se para soprano de coloratura. enamora de Pamina y la Reina de la Noche le promete Se trata de una voz de entregarle la mano de su hija a cambio de liberarla. Para extraordinarias caracterís- superar los peligros le entrega una flauta mágica. Tamino se ticas, muy rara entre las adentra en el reino de Sarastro acompañado por Papageno, sopranos por su amplísima mitad hombre, mitad pájaro. Allí se da cuenta de que, en tesitura. Posee unos graves con mucha sonoridad y un realidad, el mal lo encarna la Reina de la Noche y no gran alcance en los agudos. Sarastro. Pero para quedarse lejos de la Reina con su En la imagen, Diana Damrau amada, Tamino ha de superar una serie de pruebas. Al final, caracterizada como La Reina triunfa el bien sobre el mal. de la noche. El misterioso Réquiem de Mozart Durante el Clasicismo, apenas se hacían composiciones eclesiásticas. Sin embargo, hubo un género religioso, el Réquiem o misa de difuntos, que alcanzó una gran importancia en manos de Mozart. Según la leyenda, el genio austriaco recibió el encargo de un desconocido para componer una misa de réquiem. El compositor, que estaba gravemente enfermo, se obsesionó con esta obra, ya que creyó que hacía el trabajo para un mensajero del destino y que la obra era en realidad para su propio funeral. Murió cuando estaba trabajando en el famoso “Lacrimosa”, hacia la mitad Partitura manuscrita del de la obra, con lo que el Réquiem tuvo que ser completado por su Réquiem (1791). discípulo Süsmayr a partir de las anotaciones que dejó Mozart. 28  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical La orquesta clásica La orquesta creció en instrumentos de viento durante el Clasicismo debido al desarrollo técnico del clarinete o la trompa, que habían aparecido en el Barroco. Los luthiers introdujeron innovaciones en estos instrumentos que posibilitaron el aumento de su registro, la mejora de su timbre, y sobre todo, una mayor capacidad expresiva. Mozart realizó composiciones para todos los instrumentos de la orquesta clásica, pero destaca por su belleza su último concierto, el Concierto para clarinete y orquesta, escrito con un estilo nuevo que anunciaba el siguiente periodo, el Romanticismo. La orquesta que ya se había constituido durante el Barroco evolucionó en el Clasicismo hasta convertirse en uno de los medios de expresión preferidos por los compositores. Se estableció una sección de cuerda (violín, viola, violoncello y contrabajo), otra de viento (flauta, oboe, clarinete, fagot, trompeta, trompa y trombón) y otra de percusión (timbal y platillos). La Escuela de Mannhein situada en esta localidad alemana contaba con la mejor orquesta de la época. Stamitz, director de esta orquesta, introdujo innovaciones que se mantienen vigentes en la actualidad. Así, estableció ensayos por secciones de instrumentos, buscó el color de la orquesta para que sonora como un único instrumento e incorporó recursos tímbricos y de dinámica (crescendo y diminuendo). Formas instrumentales del Clasicismo Durante el Clasicismo alcanzaron su esplendor formas que ya habían surgido en el Barroco. Sonata. Es una obra musical compuesta para teclado (primero clave, después piano) o para un instrumento acompañado de teclado. Consta de cuatro movimientos: rápido (allegro), lento (andante), ligero (minueto) y rápido (allegro). Sinfonía. Obra compleja compuesta para orquesta, en la que no destaca un instrumento por encima de otro. Tiene tres o cuatro movimientos al estilo de la sonata. Las sinfonías se concibieron para ser interpretadas por la orquesta sinfónica. Concierto para instrumento solista y orquesta. Forma musical que combina un instrumento protagonista con el resto de la orquesta. Habitualmente consta de tres movimientos. Era la forma preferida por los compositores del Clasicismo, que aprovechaban el perfeccionamiento técnico y expresivo que habían alcanzado los instrumentos. 29  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Tema 7. Romanticismo El Romanticismo musical abarcó todo el siglo XIX, si bien convivió durante su desarrollo con otros movimientos como el Nacionalismo y el Impresionismo. El estilo romántico aún continuaría durante las primeras décadas del siglo XX bajo El caminante sobre el mar de nubes. Esta pintura de C. Friedrich (1774-1840) plasma el mundo el nombre de Post-romanticismo. A finales del siglo XVIII, la emocional romántico. Revolución Francesa y sus ideales de libertad, así como la revolución industrial, fueron transformando la economía, la cultura y la sociedad, liderada definitivamente por la burguesía. Los músicos y compositores del Romanticismo tomaron conciencia de su autonomía creativa, independizándose así de los mecenas para los que siempre habían trabajado. La música adquirió entonces un carácter más emocional, en contraposición con la perfección formal del Clasicismo. Se crearon grandes melodías, que reflejaban tanto el mundo interior del compositor como sus sentimientos, y las obras, más largas y complejas, se concibieron para grandes orquestas. Pero el instrumento romántico por excelencia fue el piano, ya que las mejoras técnicas que introducía, como el control de la intensidad, permitía implicar emocionalmente a los oyentes con su música. El piano procede de la abreviatura de pianoforte (suave-fuerte), en referencia a los matices que podía lograr. Se trata de un instrumento de cuerda percutida cuyo mecanismo se acciona con un teclado. El Romanticismo fue un periodo brillante para la música, destacando sobre otras artes. El nuevo estatus social alcanzado por los músicos facilitó la aparición de un considerable número de grandes compositores que gozaron de fama y prestigio. Entre estos autores se pueden citar: Beethoven, Chopin, Schubert, Liszt, Rossini, Berlioz, Mendelssohn, Schumman, Weber, Verdi, Offenbach y Wagner. Los compositores realizaban obras de encargo, pero otras veces, tomaban la iniciativa en la creación de sus obras más personales. La música sobrepasó la mera función expresiva de periodos anteriores y adquirió además un valor narrativo, utilizándose para plasmar ideas, historias o textos literarios. Apareció así el poema sinfónico, una de las grandes aportaciones románticas. 30  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Formas musicales del Romanticismo La cantidad y variedad de formas musicales que surgieron durante este periodo ofrecen una idea de las inquietudes creativas de los compositores, que estaban en una constante búsqueda de nuevas vías de expresión. Estas formas musicales se caracterizaron por una mayor libertad en comparación con las clasicistas. Preludio. Pieza en un solo tiempo, de corta duración y con características de virtuosismo, escrita para piano. Bagatela. Composición ágil y corta para piano. Estudio. Obra breve en donde un motivo va adquiriendo cada vez mayor dificultad. Lied. Canción culta, refinada y de sugerencias líricas, con estructura A-B-A. Nocturno. Composición de carácter apacible y sentimental con una delicada y expresiva línea melódica. Fantasía/impromptu. Obra no sujeta a ninguna norma y en la que el ejecutante tiene libertad de improvisación. Sinfonía y concierto. Sinfonía (importancia de todos los instrumentos) y concierto (solista vs. orquesta). Se adaptan a los ideales románticos. Música programática. La música pretende expresar una idea o historia por medio de un programa que sirve de argumento. Dio origen al poema sinfónico. Poema sinfónico. Obra orquestal de un solo movimiento en el que se desarrolla musicalmente un argumento. Es la gran forma romántica, que establece una unión entre la poesía y la música. La orquesta romántica y las grandes sinfonías La orquesta romántica también fue conocida como orquesta sinfónica porque se especializó en la interpretación de esta forma musical. Tomaba como base la orquesta clásica, pero incorporaba un gran número de instrumentos de las tres familias, llegando en ocasiones hasta la centena. Los instrumentos de cuerda era la sección predominante y constituían la masa sonora; los instrumentos de viento aportaban timbres variados y efectos sonoros; y los de percusión se encargaban director de la parte rítmica de la obra. 31  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical La época dorada de la ópera El Romanticismo vio cómo la ópera llegaba a su máximo esplendor. Italia, lugar de origen de la ópera en el Barroco, ejerció una notable influencia sobre la producción operística europea. Se levantaron ostentosos teatros por toda Europa, a los que asistía la burguesía con sus mejores galas. Ir a la ópera se convirtió en un auténtico acontecimiento social. Se cantaba habitualmente en italiano, ya que se identificaba con un gran refinamiento, aunque también se realizaron óperas en otros idiomas como el alemán o el francés. Se produjeron tres momentos en la ópera romántica: bel canto, plenitud y verismo. Bel canto El bel canto (canto bello) exigía el virtuosismo vocal de los cantantes, que necesitaban una gran técnica para llegar, sobre todo, a los agudos. No obstante, los cantantes se podían lucir en las arias, que estaban plagadas de melodías complejas y adornos vocales. Rossini, Bellini y Donizetti fueron los mejores compositores de este género. En la fotografía, el libreto de El elixir de amor de Donizetti. Plenitud Este periodo se identifica con Verdi y Wagner, los grandes autores de la ópera italiana y alemana, respectivamente. Ambos usaban melodías recurrentes a lo largo de toda la ópera para integrar sus distintas partes (recitativos, arias y coros), así como temas históricos, a excepción de La Traviata de Verdi, un drama realista. También dieron importancia a las oberturas para la presentación de las tramas. Verismo En oposición a los excesos belcantistas y las temáticas históricas de la etapa de plenitud, surgió el verismo (de vero, real), que mostraba la vida cotidiana, pero con final trágico. Las tramas, llenas de pobreza y enfermedades como en La Boheme, presentaban las emociones y las miserias de los personajes, sin la idealización típica romántica. Puccini fue el compositor más destacado del verismo. En España, la burguesía disfrutaba con la ópera italiana, pero entre el pueblo llano triunfó la zarzuela, conocida como Género chico. Tomaba su nombre del palacio madrileño de la Zarzuela, en cuyo teatro surgió. Tenía partes instrumentales, vocales y habladas (como el singspiel) y usaba temas cotidianos y momentos cómicos. Entre el gran número de zarzuelas compuestas, destacan por su calidad: La Revoltosa, de Chapí; La verbena de la Paloma, de Bretón; La rosa del azafrán, de Guerrero; La Gran Vía, de Chueca; Bohemios, de Vives. 32  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Ludwig van Beethoven Compositor, director de orquesta y pianista alemán (1770-1827). Su música se situó entre el Clasicismo y el Romanticismo. Sus dos primeras sinfonías fueron escritas en estilo clásico y a partir de la tercera sinfonía, su obra se volvió claramente romántica, en cuanto a la expresión de sentimientos por medio de la música y la utilización de formas más libres. Beethoven no tuvo una infancia fácil, ya que estuvo condicionada por el alcoholismo de su padre, los frecuentes episodios de violencia y la muerte prematura de su madre. Todo ello, forjaría en él un carácter antisocial y huraño. Sin embargo, lo que más afectó al joven Beethoven fueron las duras sesiones de piano a las que le sometió su padre, maestro de capilla, que al darse cuenta del talento musical de su hijo pretendió que se convirtiera en un nuevo Mozart. Ya en Viena, Beethoven estudió con Haydn los fundamentos compositivos de la música clásica. Pero fue con el nuevo estilo de música, el Romanticismo, donde encontró un medio ideal para canalizar su atormentado, pero desbordante mundo interior. A principios de 1800 comenzó con los problemas de sordera, que se fueron agravando hasta quedarse completamente sordo, algo terrible para un artista que trabaja con el sonido. Sin embargo, su genio creativo no tuvo límites y gracias a su oído absoluto pudo componer obras maestras. Su obra Beethoven fue un compositor excesivamente perfeccionista, por lo que revisaba sus trabajos una y otra vez. Este hecho explica que su producción no sea extensa, pero sí de enorme calidad. Destacan sus obras para piano como la sonata Claro de luna o la bagatela Para Elisa, la música de cámara y sus 9 sinfonías, sobresaliendo la 5ª y la 9ª. Frédéric Chopin Compositor y pianista polaco (1810-1849). Representa el prototipo de artista romántico, marcado por una vida corta, afectada por la enfermedad y la inestabilidad emocional. Empezó a estudiar piano con cuatro años y con siete realizó su primera composición. Aunque asistió al conservatorio, su formación fue autodidacta. Desde muy joven, tocaba en las veladas de piano, muy frecuentes entre la alta sociedad de la época, en las que mostraba su virtuosismo ante una pequeña audiencia, culta y melómana. Con 20 años se marchó de 33  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical viaje de estudios por Europa y ya nunca regresó a su país. Tras recorrer varias ciudades europeas, finalmente se estableció en París. Allí cosechó un gran éxito como pianista, que compaginaba dando clases particulares y componiendo. Sin embargo, los problemas económicos y de salud le llevaron a tener una vida muy desdichada, un hecho que se evidenció en su música, habitualmente melancólica e intimista. Su obra Chopin desarrolló una técnica pianística perfecta. Su obra se caracteriza por el refinamiento y la delicadeza. Compuso música para ser tocada en los salones, entre la que destacan los valses (Gran vals brillante), las danzas, las mazurcas y las polonesas (Heroica), estas últimas denominadas así en honor a su país de origen. Felix Mendelssohn Compositor, director de orquesta y pianista alemán (1809-1847). Admirador de la obra de Johann Sebastian Bach desde que se la mostró su profesor en la niñez, a él se debe la recuperación del genio del Barroco, que había permanecido en el olvido durante casi un siglo. De hecho, el estreno en 1829 de la Pasión según San Mateo de Bach con dirección del propio Mendelsshon asombró al mundo. Niño prodigio, creció en una familia rica de intelectuales. A los seis años ya tocaba el piano, componía y dibujaba. Viajó por Gran Bretaña e Italia, donde realizó obras inspirándose en lugares lejanos o pintorescos. Sin embargo, su música fue considerada como conservadora por sus coetáneos como Wagner, Liszt o Berlioz, por lo que apenas tuvo comunicación con ellos. La imagen de Mendelsshon era la de una persona culta y serena, pero la mala salud, el exceso de trabajo y las crisis nerviosas afectaron a su estado de ánimo, haciéndole emocionalmente inestable. Su obra Mendelsshon, que se había alejado de las tendencias que seguían sus contemporáneos, estuvo muy influenciado por Bach, Mozart o Beethoven. Por este motivo, su obra no tuvo repercusión en otros compositores ni en su época, aunque sí que gozó del favor popular. Compuso 5 sinfonías, que se ordenaron por fecha de publicación, así que su tercera sinfonía, llamada escocesa, fue su última obra de este tipo. Realizó numerosos conciertos (Concierto para violín en mi menor), oratorios y música para piano (Romanza sin palabras). También hizo oberturas (Las Hébridas) y música incidental para obras de teatro como Sueño de una noche de verano, con su famosa y vigente Marcha nupcial. 34  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Giuseppe Verdi Compositor de óperas italiano (1813-1901). Su obra se sitúa en una etapa de plenitud de este género, a medio camino entre el bel canto y el verismo. De origen humilde, recibió la protección y las primeras clases de un comerciante aficionado a la música que supo ver las dotes del pequeño Verdi. Ayudado por este comerciante se trasladó a Milán para entrar en el conservatorio, pero no lo consiguió. Tras recibir clases, hizo su primera ópera, que le supuso un contrato con La Scala de Milán. Se casó con la hija de su protector, cuando estaba en el inicio de una brillante carrera musical. Sin embargo, el fallecimiento de su esposa, le sumió en una profunda depresión que le llevó a plantearse abandonar la música. Sobrepuesto por el dolor, retomó de nuevo la composición. Sus óperas tuvieron un gran éxito popular al ensalzar el carácter nacionalista italiano, en un momento en el que se estaba produciendo la reunificación política de Italia. Llegó a ser un compositor admirado y respetado, lo que le permitió desarrollar un estilo más personal en sus obras e influir sobre libretistas y empresarios. Su obra Verdi fue un compositor dramático, pero a diferencia del revolucionario Wagner, consideraba que la renovación de la ópera debía buscarse en la tradición. Realizó óperas muy famosas que siguen representándose en la actualidad con gran éxito, como Rigoletto, La Traviata, Il Trovatore, Aida, Nabucco y Don Carlo. Gioacchino Rossini Compositor de óperas italiano (1792-1868). Cultivó el bel canto, un género operístico que resaltaba la belleza melódica y que exigía a los cantantes una gran técnica vocal. Rossini mostró unas extraordinarias cualidades musicales desde niño. Aprendió a tocar el clave y, después de estudiar con varios profesores, comenzó a componer. A los 25 años, sus óperas triunfaban en la Scala de Milán, donde había grandes cantantes que probaban las melodías que iba componiendo. Se retiró en lo más alto del éxito cuando no había cumplido los 40 años, al parecer, debido al cansancio artístico, la riqueza y los problemas de salud. Su obra El barbero de Sevilla, La gazza ladra o Guillermo Tell son algunas de sus famosas óperas. 35  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Richard Wagner Compositor, director de orquesta, dramaturgo y teórico musical alemán (1813-1883). Transformó el pensamiento musical de su época con la idea de “arte total”, que defendía la unión de todas las artes (escénica, visual, poética y musical) en un mismo espectáculo. Wagner representó el culmen del Romanticismo y de la música tonal. Su influencia se extendió a la filosofía, la literatura, la dramaturgia y la música. Como empresario mandó construir su propio teatro de la ópera en Bayreuth para representar sus obras. Este edificio introducía importantes novedades como la forma de teatro clásico (sin palcos), la ausencia de pasillos, los asientos incómodos y estrechos, el foso de la orquesta que ocultaba a los músicos y el apagado de las luces durante el espectáculo. Todo ello, para mantener la atención en sus interminables óperas, repletas de melodías “infinitas” y de varias horas de duración. Wagner tuvo una vida agitada, marcada por el exilio político, las relaciones amorosas turbulentas, la pobreza y la huida de sus acreedores. Su personalidad arrolladora, temperamental y directa hizo de él un personaje controvertido y polémico. Su obra Las óperas de Wagner presentan una esmerada orquestación, una gran riqueza armónica y cromática, y sobre todo, el uso del leitmotiv, o caracterización musical que identifica a los personajes, un recurso creado por Wagner. Entre sus óperas, se puede destacar: El holandés errante, Tannhäuser, El anillo del nibelungo (tetralogía). Otros compositores románticos Franz Schubert (1797-1828). Compositor austriaco, destacó en el lied (canción para voz y piano), como La bella molinera, La trucha, o el famoso Ave María. Robert Schumann (1810-1856). Compositor y pianista alemán. Su vida estuvo marcada por la depresión, acrecentada por la lesión en una mano tras largas sesiones de estudio. Compuso para piano solo (Álbum para la juventud), sinfonías y conciertos. Franz Liszt (1811-1886). Compositor y pianista austro-húngaro. Influyó y ayudó a otros compositores como Wagner. Creó el poema sinfónico, composición en la que la música seguía un texto y pretendía inspirar emociones, así como evocar imágenes a los oyentes. Destaca el poema sinfónico Los preludios. Johannes Brahms (1883-1897). Compositor y pianista alemán. Su obra se encuadra en un Romanticismo tardío. Su obra, de influencia clásica, no fue bien recibida. Su música es nostálgica, con aire nacionalista como en las Danzas húngaras nº 4 y nº 5. 36  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Tema 8. Nacionalismo e impresionismo El nacionalismo y el impresionismo musical fueron dos movimientos que se produjeron durante el Romanticismo, el primero a partir de mediados del siglo XIX y el segundo, hacia el último tercio de ese siglo. Estos movimientos convivieron con la música romántica. El nacionalismo musical surgió como reacción a la hegemonía de la tradición centroeuropea, en un momento en el que el nacionalismo político se extendía por toda Europa. Los países de la periferia europea como Rusia, Noruega, Hungría, Finlandia o España pusieron la atención en su música como elemento significativo de su identidad nacional, una realidad que se ejemplifica en la escena costumbrista de la imagen. Estos países habían estado hasta entonces eclipsados por la escuela clásica, y aunque cultivaban su propia música, las modas imperantes les obligaban a importar la que se hacía en otros países. Esta situación cambió con el nacionalismo. Se reivindicó la música popular, representada por melodías, ritmos y armonías característicos de las distintas zonas geográficas, al mismo tiempo que el folclore se convirtió en la base de las obras programáticas y óperas. No obstante, algunos compositores románticos ya utilizaban o se inspiraban en el folclore de su país, como Chopin con sus polonesas o Brahms con sus danzas húngaras. Durante el nacionalismo musical se produjo la recopilación y el estudio de las canciones populares, naciendo así la etnomusicología. Además, los compositores nacionalistas apostaron por temas legendarios o exóticos, un hecho de influencia romántica. Entre los diferentes centros de producción de música nacionalista destacaron las escuelas escandinava, checa, rusa y española. Compositores de las escuelas nacionalistas Rusa Escandinava Checa Española Tchaikovsky Grieg Smetana Falla Rimsky-Korsakov Sibelius Dvorak Albéniz Mussorgsky Granados Balakirev Turina Borodin Guridi Cui Rodrigo 37  EDUCACIÓN MUSICAL · Temas de Cultura Musical Escuela rusa El nacionalismo musical, que había aparecido en Rusia, tuvo una escuela muy fructífera en este país. Glinka fue el precursor de esta corriente que sintetizaba la tradición occidental con las melodías rusas y exóticas. Glinka impulsó el llamado Grupo de los cinco formado por músicos no profesionales (Balakirev, Cui, Borodin, Mussorgsky y Rimsky-Korsakov), a los que estimuló en la búsqueda del folclore ruso y de sus ricos temas tradicionales. Mussorgsky y Rimsky-Korsakov sobresalieron entre los miembros del grupo. Modest Mussorgsky (1839-1881). Trabajó como militar y tocaba el piano. Se decantó por la música programática centrada en el folclore popular ruso. Sus principales obras son: Cuadros para una exposic