Música y Teoría en la Antigua Grecia y Renacimiento

Un tipo de canto llano usado en la liturgia de la Iglesia Católica Romana.

El idioma oficial de la Iglesia Católica Romana, en el que se canta el canto gregoriano.

El canto gregoriano no tiene un ritmo definido, se caracteriza por su flexibilidad y adaptabilidad.

El canto gregoriano se presenta sin acompañamiento instrumental, solo con la voz.

El canto gregoriano tiene una sola línea melódica.

El canto gregoriano es una oración cantada , donde la música y el texto se complementan.

El canto gregoriano no está asociado a un autor específico.

Un sistema de notación musical que utiliza cuatro líneas para representar la altura de los sonidos, en el canto gregoriano.

La notación griega utilizaba letras del alfabeto griego para representar la altura de los sonidos. El ritmo se indicaba con rayas y puntos para señalar valores largos y cortos.

El Ethos se refería a escalas y modos musicales que se creía que transmitían emociones y sentimientos.

Una canción inscrita en una columna funeraria del siglo II-I a.C., es el ejemplo más antiguo de música escrita.

Se refiere a una sola línea melódica, donde la voz y el instrumento interpretan la misma melodía.

Una escala musical donde la distancia entre los sonidos está basada en intervalos precisos y relaciones matemáticas.

Un ritmo con un tempo básico de corchea de 2 tiempos, dividido en 3 partes iguales.

Un intervalo musical que abarca la totalidad de las notas de una octava, desde la nota más baja hasta la más alta.

Un instrumento musical de cuerda que se toca con la mano.

Período histórico que comenzó en Italia en el año 1400 y duró hasta finales del siglo XVI, caracterizado por un florecimiento cultural y artístico.

Movimiento cultural que destacó la importancia del ser humano como centro del universo y enfatizaba el conocimiento basado en la razón.

El arte renacentista dejaba de ser dominado por la temática religiosa y se enfocaba en la representación de la belleza ideal.

La invención de la imprenta en 1440 fue crucial para difundir las ideas del Renacimiento por toda Europa.

La polifonía renacentista se caracterizaba por la utilización de cuatro voces principales: soprano, contralto, tenor y bajo.

Los artistas del Renacimiento, a diferencia de los medievales, firmaban sus obras, reivindicando su individualidad y creatividad.

Música instrumental y profana cobraron importancia, mostrando un cambio de enfoque hacia lo secular.

El desarrollo de la música renacentista impulsó la especialización de los músicos, quienes se dedicaron profesionalmente a la interpretación.

Un tipo de música con un estilo equilibrado y sencillo, libre de adornos innecesarios, centrando la atención en la idea principal de la música.

Los sonidos que se perciben como tensos o desagradables para el oído.

La melodía principal de una pieza musical. En la música clásica, suele ser la parte más importante y memorable.

Un tipo de pieza musical que consiste en cuatro instrumentos de cuerda: dos violines, una viola y un violonchelo.

Una forma musical que se compone de tres partes: Exposición, Desarrollo y Reexposición.

Una pieza musical interpretada por una orquesta compuesta por instrumentos de viento, cuerda y percusión.

Un compositor austriaco (1732-1809) considerado padre de la sinfonía, el cuarteto de cuerdas y la sonata. Fue mentor de Mozart y profesor de Beethoven.

Un compositor austriaco (1756-1791) conocido por su estilo musical reconocible con melodías sencillas, equilibradas y vitalistas.

El "concerto" es un tipo de composición musical que presenta un instrumento solista acompañado por una orquesta. Es caracterizado por una estructura de tres movimientos (rápido-lento-rápido) y la alternancia entre el solista y el "ripieno" (la orquesta completa).

La "música programática" utiliza la música para contar una historia o describir un tema específico, como un poema, una pintura o una escena de la naturaleza.

Antonio Vivaldi fue un compositor italiano del período Barroco, famoso por sus conciertos para violín y sus famosas "Las Cuatro Estaciones".

Un "oratorio" es una composición musical a gran escala, similar a una ópera, pero sin escenografía, que presenta una historia bíblica o religiosa.

George Frideric Händel fue un compositor alemán famoso por sus oratorios, óperas y música para la realeza inglesa. Su música es conocida por su estilo ceremonial y alegre.

Antonio Soler fue un compositor español del siglo XVIII, famoso por su música religiosa y para teclado. Su estilo estaba influenciado por el Barroco italiano y el folclore español.

El "contrapunto" es una técnica musical en la que se combinan varias líneas melódicas independientes.

El "estilo galante" es un estilo musical que surgió a finales del Barroco, caracterizado por su sencillez, melodías agradables y menos virtuosismo.

Un compositor alemán del siglo XIX, famoso por sus óperas monumentales y su uso del leitmotiv. Sus musicales incluyen "El anillo del nibelungo" y "Tanhäuser".

Un recurso musical que utiliza un tema melódico corto asociado a un personaje, objeto o idea, para crear una atmósfera y un significado dramático.

Teatro construido por Richard Wagner en Bayreuth, Alemania, que revolucionó el diseño de las salas de ópera. Eliminaba los palcos, los pasillos y las luces durante las presentaciones.

Compositor austriaco del siglo XIX, conocido por sus lieder. También compuso sinfonías y música de cámara.

Un compositor y pianista alemán del siglo XIX, conocido por su estilo romántico y sus composiciones para piano. Sufría de depresión y una lesión en la mano.

Compositor y pianista húngaro del siglo XIX, conocido por sus innovaciones en la música sinfónica. Fue un gran amigo de Wagner.

Un tipo de composición musical que combina música y un texto o programa narrativo para evocar emociones e imágenes.