Arte y Modernidad: Unidad 1 - Edad Moderna y Renacimiento

ARTE Y MODERNIDAD UNIDAD 1 EDAD MODERNA Y MODERNIDAD Edad Moderna etapa de la historia que va desde el siglo XV hasta el año 1789, cuando ocurre la Revolución Francesa. Algunos hechos importantes que marcan su inicio son la caída de Constantinopla (1453), la invención de la imprenta o el viaje de Cr...

ARTE Y MODERNIDAD UNIDAD 1 EDAD MODERNA Y MODERNIDAD Edad Moderna etapa de la historia que va desde el siglo XV hasta el año 1789, cuando ocurre la Revolución Francesa. Algunos hechos importantes que marcan su inicio son la caída de Constantinopla (1453), la invención de la imprenta o el viaje de Cristóbal Colón a América en 1492. La Edad Moderna fue un periodo de muchos cambios importantes, que ocurrió entre la Edad Media y la Edad Contemporánea. Durante esta época, hubo avances en varios campos como la geografía, la ciencia, la política, el arte y la filosofía, que ayudaron a formar el mundo tal como lo conocemos hoy. Uno de los cambios más grandes fue la exploración y conquista de nuevos territorios. Viajes como los de Cristóbal Colón y Magallanes permitieron a Europa descubrir nuevas tierras. Esto trajo riquezas (como oro y plata) a Europa, pero también causó explotación en los continentes conquistados. En esta época también hubo grandes avances científicos y tecnológicos. Galileo, por ejemplo, confirmó que la Tierra no era el centro del universo, sino que los planetas giraban alrededor del Sol. Esto cambió la manera de entender el universo. Además, la invención de la imprenta permitió que más personas pudieran acceder a libros y conocimientos, lo que ayudó a cambiar las ideas y la cultura. También cambió la forma en que las personas se veían a sí mismas. Con el humanismo del Renacimiento, el ser humano y la razón se volvieron el centro del pensamiento, influyendo en la política, la religión y las artes. Gracias a esto, surgieron nuevas ideas críticas y filosóficas. Sin embargo, no todo cambió. Algunas cosas de la Edad Media continuaron, como el poder absoluto de los reyes y la fuerte unión entre la Iglesia y el Estado. También seguía existiendo una sociedad dividida en clases, donde los nobles tenían privilegios y el pueblo era explotado y tenía pocas oportunidades. VER VIDEOS Modernidad no es una época como tal, sino un cambio en la forma de pensar y vivir en las sociedades de Occidente. Se empieza a notar desde el siglo XV, pero se hace más fuerte en el siglo XVIII con los pensadores de la Ilustración. La Modernidad sigue influyendo en la forma en que vemos el mundo hoy en día. La creación de los Estados Modernos Durante la Edad Moderna, hubo muchos cambios importantes en la forma en que se organizaban las sociedades. Uno de los más importantes fue la formación de los Estados modernos, donde el poder se concentró en manos de los reyes. Aprovechando el fin del feudalismo, los monarcas reorganizaron sus territorios, unificaron sus reinos y crearon nuevas formas de gobierno. Entre los siglos XV y XVI, los reyes fortalecieron su poder usando distintas estrategias: algunos hicieron acuerdos con los nobles, otros usaron la guerra para controlar más tierras. Este nuevo sistema, conocido como Antiguo Régimen, se caracterizaba por el absolutismo (el rey tenía todo el poder) y una sociedad dividida en clases sociales muy rígidas. La burguesía, que quería dejar atrás el feudalismo, apoyó a los reyes a cambio de más estabilidad y oportunidades para hacer negocios. Con el tiempo, los reinos se fueron unificando y los límites territoriales se marcaron mejor, dando lugar a las naciones modernas. Gracias a esta centralización del poder, se terminaron muchas guerras internas, como las guerras de religión entre católicos y protestantes, y la Guerra de los Treinta Años. Esto trajo más paz, estabilidad económica y crecimiento del comercio, sobre todo con las nuevas rutas creadas tras la colonización de América. Además, este proceso ayudó a cambiar la forma de pensar de la gente, preparándola para el desarrollo de nuevas ideas en el siglo XVIII, como las que surgieron durante la Ilustración. Burguesía La burguesía nació como una nueva clase social durante la Edad Moderna. Su nombre viene de las personas que vivían y trabajaban en las ciudades, llamadas "burgos". Al principio, la burguesía se enfrentó a la nobleza y al sistema feudal, y poco a poco fue ganando poder e influencia. Con la llegada de oro, plata y nuevos productos de América (como el maíz, la patata, el cacao y el tabaco), Europa cambió sus formas de consumo y comercio. La burguesía comercial y financiera se benefició mucho de estos cambios, gracias al mercantilismo y al crecimiento del comercio mundial. Se crearon las primeras Bolsas de valores, como la de Ámsterdam en 1602, lo que permitió a los comerciantes invertir y financiar grandes viajes y negocios. Más adelante, con las revoluciones industriales y políticas (como la Revolución Francesa y la americana), surgió una burguesía industrial que llegó a ser la clase dominante. Aunque al principio era una fuerza revolucionaria, luego se volvió más conservadora y comenzó a proteger sus intereses frente al nuevo grupo social en crecimiento: el proletariado (los trabajadores). La burguesía fue ganando cada vez más poder político y económico, y promovió ideas como la democracia, las leyes y la participación ciudadana. Sin embargo, esto no impidió que el Estado siguiera usando métodos represivos cuando lo consideraba necesario. El surgimiento de la burguesía fue distinto en cada región. En Europa se consolidó con la Revolución Industrial, mientras que en América Latina fue una clase social traída por los colonizadores europeos. La burguesía también cambió la forma de pensar y de vivir. Valoraban la educación, la cultura y el arte, y se colocaron como una clase media entre la nobleza y el pueblo. Esto cambió la forma en que se organizaba la sociedad. En resumen, la burguesía fue clave para crear el mundo moderno y tuvo un rol muy importante en el desarrollo de la Modernidad. La Ilustración fue un movimiento cultural e intelectual que surgió en Europa, especialmente en Francia, Inglaterra y Alemania, en la segunda mitad del siglo XVIII. Por eso, a este periodo se le llama el "Siglo de las Luces", ya que se valoraba mucho el conocimiento, la razón y la ciencia como formas de iluminar la mente y mejorar la sociedad. Los pensadores de la Ilustración, como filósofos y científicos, querían cambiar la manera en que las personas entendían el mundo. Defendían el uso de la razón para tomar decisiones, creían en el progreso humano a través del conocimiento, y pensaban que las personas podían mejorar su vida con esfuerzo y educación. Uno de los principios más importantes fue la defensa de los derechos naturales: vida, libertad y propiedad, que debían ser protegidos por el Estado. También promovieron la libertad de pensamiento, la tolerancia religiosa y la separación entre Iglesia y Estado, lo que redujo la influencia de la religión en la vida pública y en la ciencia. En política, los ilustrados proponían un Estado laico, con separación de poderes, para evitar abusos y tiranías. Estas ideas influyeron en grandes eventos como la Revolución Francesa y la Constitución de Estados Unidos. La Ilustración también impulsó la educación pública, la creación de escuelas y universidades, y el desarrollo de nuevas ciencias como la economía, la sociología y la política. Se creía que la educación y la ciencia podían llevar al ser humano a construir su propio destino. Sin embargo, la Ilustración tuvo sus límites: aunque hablaba de igualdad y libertad, excluía a las mujeres y a los pueblos no europeos, reforzando la desigualdad. Además, muchas veces, la idea de "razón" fue usada por las élites para justificar la opresión o el control social. Las guerras napoleónicas, por ejemplo, se hicieron en nombre de la libertad, pero también causaron mucha violencia. Por eso, es importante ver a la Ilustración como un movimiento que trajo grandes avances, pero también contradicciones que aún hoy afectan a nuestras sociedades. La modernidad como autorreflexión La Modernidad es un proceso social y cultural que cambió la manera en que los seres humanos entienden el mundo y a sí mismos. Se desarrolló sobre todo en Europa desde el siglo XV, pero fue entre los siglos XVII y XVIII cuando tomó más fuerza, especialmente con las ideas de La Ilustración. Una de las principales características de la Modernidad es que las personas comenzaron a reflexionar profundamente sobre su existencia, su relación con el mundo, la ciencia, el conocimiento, la economía y la política. El mundo empezó a verse como algo que se puede conocer, ordenar y transformar con la razón. Durante este tiempo, se dejó atrás la idea de que todo se explicaba solo por el “plan de Dios”, como lo decía la Iglesia en la Edad Media. En su lugar, nacieron nuevas formas de pensamiento: materialismo, cientificismo, racionalismo, que buscaban explicar la realidad usando la ciencia y la razón, en lugar de la religión. La Modernidad también trajo ideas importantes como:  Separación entre la Iglesia y el Estado (secularización).  Consolidación de los Estados nación.  Progreso científico y técnico.  Confianza en que el ser humano puede mejorar el mundo.  Valoración de las libertades individuales y la vida privada. La Ilustración fue un momento clave dentro de la Modernidad. Filósofos como Voltaire, Diderot, Montesquieu y Rousseau ayudaron a crear una nueva forma de pensar que influyó en grandes revoluciones, como la Revolución Francesa y las independencias en América Latina. En este continente, figuras como Belgrano, Castelli y Moreno leyeron a los ilustrados y aplicaron sus ideas. También apareció el Romanticismo, que sumó el sentimiento, el amor por la patria y la crítica a los gobiernos totalitarios a los ideales de libertad y progreso. Finalmente, la Modernidad se caracteriza por un proceso de "racionalización", es decir, por ver al mundo de manera lógica y científica. Este proceso, que el filósofo Max Weber llamó el “desencantamiento del mundo”, intentó dar al ser humano un sentido más claro a su vida, confiando en que el conocimiento y el progreso traerían una felicidad duradera. La Modernidad como época, estructura institucional, discurso y experiencia a) La Modernidad como época  Se refiere al tiempo histórico en el que se desarrolla la Modernidad.  No hay un acuerdo exacto sobre cuándo empieza o termina, pero muchos autores la ubican entre los siglos XV y XVIII.  Es una etapa marcada por transformaciones sociales, políticas, económicas y culturales, como: o La urbanización o La industrialización o La formación de los Estados nación o La secularización (separación entre Iglesia y Estado) o El surgimiento de la burguesía  La Modernidad se entiende como un proceso histórico largo, que implicó rupturas, pero también continuidades con el pasado. b) La Modernidad como estructura institucional  Aquí se analiza cómo cambiaron las formas de organización de la sociedad.  Se pasa de una sociedad tradicional, rural y religiosa a una sociedad moderna, urbana e industrial.  Se dieron tres grandes revoluciones: 1. Revolución democrática: luchas contra las monarquías absolutas. 2. Revolución industrial: avances tecnológicos, fábricas, máquinas. 3. Triunfo del capitalismo: consolidación del sistema económico basado en la propiedad privada y el mercado.   Estas revoluciones crearon nuevas instituciones y formas de organización social que aún hoy nos marcan. c) La Modernidad como discurso  Se refiere a cómo la Modernidad también es un modo de pensar y hablar sobre el mundo.  El centro del discurso moderno es la razón: se empieza a creer que todo puede explicarse por la lógica y la ciencia, no por la religión o la tradición.  Nacen los “grandes relatos” que guían el pensamiento moderno: o El relato de la igualdad o El relato de la revolución o El relato de la democracia  Estos discursos buscaron transformar la sociedad y se relacionan con luchas por los derechos humanos, la libertad y la justicia social.  La Modernidad articula tres áreas del conocimiento: o La cognitiva (ciencia) o La normativa (ética, leyes, política) o La expresiva (arte y cultura) d) La Modernidad como experiencia  Es una nueva forma de vivir y sentir el mundo, tanto a nivel individual como colectivo.  El ser humano moderno vive con horarios, reglas, funciones sociales, y está influenciado por los medios de comunicación y la vida urbana.  Se cambia la forma de ver el mundo: o Se cuestionan los dogmas religiosos. o Se deja atrás el teocentrismo (Dios como centro de todo) y se pasa a un antropocentrismo (el ser humano como centro).  Se vive un proceso de “desencantamiento del mundo”, como dice el filósofo Max Weber: el mundo ya no se explica con mitos o creencias, sino con razón y ciencia. Crisis de la moderniad ……………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………… ……………………… UNIDAD 2 El Renacimiento El Renacimiento fue un periodo de renovación cultural, artística, y científica que se desarrolló principalmente en Europa entre los siglos XV y XVI. Este movimiento implicó transformaciones profundas en cómo los seres humanos percibían su mundo, su relación con lo divino, y su papel en el universo. A continuación, organizamos el Renacimiento en torno a cuatro ejes clave y destacamos algunos de los cambios significativos que se produjeron en el siglo XVI: Ejes del Renacimiento: 1. El Descubrimiento: Avances Científicos y Expansión Geográfica  Avances en la Ciencia y Tecnología: Durante el Renacimiento, se producen importantes avances en áreas como la astronomía, la física, la anatomía, y la ingeniería. Estos descubrimientos fueron posibles gracias al uso de nuevas herramientas científicas como el telescopio y el microscopio, así como el redescubrimiento de métodos empíricos de investigación.  Expansión Geográfica: El Renacimiento también se caracteriza por la exploración del mundo. Los viajes de descubrimiento, como los realizados por Cristóbal Colón, Vasco da Gama, y Fernando de Magallanes, expandieron las fronteras del conocimiento geográfico. Estos viajes trajeron consigo nuevos territorios y culturas, lo que transformó la visión europea del "mundo". La llegada de las naves europeas a América es un ejemplo de cómo la expansión geográfica y los avances tecnológicos en navegación cambiaron la concepción de la humanidad y su lugar en el planeta.  Impacto en la percepción del mundo: A medida que los europeos descubrían nuevos continentes y culturas, su visión del mundo se  diversificaba, cuestionando las fronteras previamente concebidas y haciendo surgir nuevos debates sobre la tierra, la religión y el conocimiento. 2. Del Teocentrismo al Antropocentrismo  Teocentrismo (centrado en Dios): Durante la Edad Media, la visión del mundo estaba dominada por el teocentrismo, es decir, la creencia de que Dios era el centro del universo y la humanidad existía para cumplir su voluntad.  Antropocentrismo (centrado en el ser humano): En el Renacimiento, se produjo un cambio radical hacia el antropocentrismo, lo que significa que el ser humano comenzó a verse a sí mismo como el centro de la creación. Este cambio fue alimentado por un renovado interés en la filosofía griega y romana, que destacaba el potencial del individuo y la razón humana. Los seres humanos comenzaron a verse como agentes activos en su propio destino, con la capacidad de razonar, explorar y transformar el mundo.  Impacto en la ciencia y la filosofía: La adopción del antropocentrismo contribuyó a los avances científicos, como los estudios de Copérnico, que propuso un modelo heliocéntrico del universo (donde el Sol, no la Tierra, es el centro del sistema solar). Esto destituyó la visión medieval del universo centrado en la Tierra, y significó un desafío a la autoridad religiosa y teológica. 3. El Mecenazgo y el Arte  Mecenazgo como motor del arte: En el Renacimiento, el mecenazgo se convierte en un sistema fundamental para la producción artística. Los mecenas eran individuos ricos, nobles o instituciones poderosas, como la Iglesia o los gobiernos locales, que patrocinaban a los artistas a cambio de obras de arte que promovieran su poder y prestigio.  Relación entre Arte y Poder Político: Las obras de arte, ya sea en pintura, escultura o arquitectura, eran utilizadas como símbolos de poder y prestigio político. Un ejemplo destacado de esto es la familia Medici en Florencia, que fue crucial en el patrocinio de artistas como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Botticelli.  Establecimiento de la carrera artística: El Renacimiento permitió que los artistas alcanzaran un estatus profesional y social más elevado, pasando de ser considerados meros artesanos a ser reconocidos como genios. Esto transformó las disciplinas artísticas en una parte esencial de la cultura renacentista. 4. Recuperación de la Cultura Greco-Romana  Estudio de los clásicos: El Renacimiento se caracteriza por el redescubrimiento y la reinterpretación de la cultura greco-romana. Los  humanistas renacentistas, como Petrarca y Erasmo de Rotterdam, estudiaron los textos clásicos de la filosofía, la poesía y la historia, buscando un modelo para la educación y el pensamiento.  Impacto en las formas estéticas: La recuperación de la filosofía y el arte clásico tuvo un profundo impacto en las formas artísticas, con la adopción de proporciones armoniosas, la representación naturalista del cuerpo humano y la perspectiva lineal en la pintura. Artistas como Rafael y Leonardo da Vinci adoptaron estos principios en su trabajo, creando obras que reflejaban la perfección de las formas clásicas.  Simbolismo y mitología clásica: Además de la adopción de formas estéticas, los temas mitológicos y filosóficos de la antigua Grecia y Roma se integraron en las obras renacentistas, destacando los ideales de belleza, virtud y razón. La Crisis del Siglo XVI y sus Consecuencias A medida que el Renacimiento se adentraba en el siglo XVI, comenzaron a surgir importantes cambios que cuestionaron las certezas previamente establecidas, lo que llevó a una transformación profunda en la sociedad europea. Algunos de los principales eventos y cambios de este período fueron: 1. Cisma Protestante (1517): La división de la Iglesia Católica en Europa, desencadenada por las reformas de Martín Lutero, marcó el fin de la autoridad indiscutida del Papa y la Iglesia. Este cisma provocó transformaciones sociales, culturales, políticas y económicas, así como un cambio en la relación de las personas con lo divino. 2. El modelo heliocéntrico de Copérnico: En astronomía, Nicolás Copérnico propuso el modelo heliocéntrico, que sostenía que el Sol, y no la Tierra, era el centro del universo. Este descubrimiento desafiaba el paradigma medieval y religioso, que consideraba que la Tierra era el centro del cosmos. 3. Transformaciones políticas y sociales: El siglo XVI también vio el auge del Estado-nación y la centralización del poder en monarquías absolutas, lo que contribuyó a los cambios en la estructura política y social de Europa. Del gótico al renacimiento El Renacimiento no empezó de un día para otro. Fue un cambio que pasó despacito, desde el final de la Edad Media. En el tiempo del arte Gótico, ya empezaban a cambiar cosas en la forma de pensar, en la sociedad, en la economía y en la política. A fines de la Edad Media, Europa empezó a cambiar. Por ejemplo, la Peste Negra mató a mucha gente, y los viajes, como los de Marco Polo, trajeron ideas nuevas. La economía creció, la gente empezó a usar más dinero y la burguesía (personas ricas que no eran nobles) se volvió más importante. El Renacimiento comenzó en Italia en el siglo XV. La palabra significa “volver a nacer” porque se retomaron ideas de los griegos y romanos antiguos, que habían quedado olvidadas en la Edad Media. No se copiaban exactamente, pero sí se admiraban. En ciudades como Florencia, familias ricas (como los Médici) empezaron a tener poder. Estas familias no eran nobles, sino burgueses. Ellos pagaban a artistas para que hicieran obras de arte y así mostraban su riqueza y fama. Esto se llama mecenazgo. Gracias a esto, los artistas dejaron de ser solo artesanos y pasaron a ser personas con ideas. Estudiaban y creaban obras usando formas perfectas, proporciones, y belleza. Firmaban sus obras y eran famosos por su talento. El Humanismo El Humanismo fue una forma nueva de pensar que nació en Europa (especialmente en Italia) entre los siglos XIV y XVII. Fue muy importante durante el Renacimiento. ¿Qué proponía?  Centrarse en el ser humano, sus ideas, su creatividad y su valor individual.  Volver a estudiar los libros de los antiguos griegos y romanos (como Platón o Aristóteles).  Confiar en la razón, la educación y el pensamiento crítico.  Creer que las personas pueden aprender, mejorar y lograr cosas grandes por sí mismas. ¿Por qué fue importante en el Renacimiento?  Ayudó a que renacieran el arte, la ciencia y la filosofía.  Cambió la forma de ver al ser humano: ya no era solo un siervo de Dios, sino alguien con valor propio y muchas capacidades.  Se empezó a estudiar más allá de la religión, incluyendo arte, ciencias, literatura y política.  Se creó una nueva forma de educación, más completa, que todavía usamos hoy. ¿Qué cambió?  El arte se volvió más realista y centrado en el cuerpo y la figura humana.   Se buscaba expresar emociones e ideas propias.  En la ciencia, se empezó a observar la naturaleza y a experimentar para entender el mundo (esto ayudó a crear el método científico). El ojo como dispositivo El Humanismo fue una forma nueva de pensar que nació en Europa (especialmente en Italia) entre los siglos XIV y XVII. Fue muy importante durante el Renacimiento. ¿Qué proponía?  Centrarse en el ser humano, sus ideas, su creatividad y su valor individual.  Volver a estudiar los libros de los antiguos griegos y romanos (como Platón o Aristóteles).  Confiar en la razón, la educación y el pensamiento crítico.  Creer que las personas pueden aprender, mejorar y lograr cosas grandes por sí mismas. ¿Por qué fue importante en el Renacimiento?  Ayudó a que renacieran el arte, la ciencia y la filosofía.  Cambió la forma de ver al ser humano: ya no era solo un siervo de Dios, sino alguien con valor propio y muchas capacidades.  Se empezó a estudiar más allá de la religión, incluyendo arte, ciencias, literatura y política.  Se creó una nueva forma de educación, más completa, que todavía usamos hoy. ¿Qué cambió?  El arte se volvió más realista y centrado en el cuerpo y la figura humana.  Se buscaba expresar emociones e ideas propias.  En la ciencia, se empezó a observar la naturaleza y a experimentar para entender el mundo (esto ayudó a crear el método científico). Etapas del renacimiento El Renacimiento es un periodo histórico que se expande por gran parte del territorio europeo, pero en cada estado o nación se desarrolla con sus particularidades, de acuerdo a cada contexto y cultura local. Si bien hay ciertos aspectos y características que pueden generalizarse, no es lo mismo el Renacimiento italiano -incluso hay diferencias muy grandes, sobre todo en la forma de pintar entre el Renacimiento florentino y el veneciano- que el Renacimiento alemán o el Renacimiento de los Países Bajos (Flandes). Por cuestiones de tiempo, vamos a centrarnos sobre todo en Italia que es donde surge con más fuerza y, particularmente, en la zona Toscana donde analizaremos algunos de los artistas más paradigmáticos del Renacimiento. El Renacimiento (italiano) se extiende sobre todo a lo largo del siglo XV y XVI. Los historiadores suelen dividir este periodo en dos etapas: el Quattrocento y el Cinquecento. * El Quattrocento, que corresponde al siglo XV, es decir, los años [mil] cuatrocientos (1400 al 1499). En este momento el arte era apoyado por los mecenas que eran las familias más ricas y poderosas de Florencia (capital renacentista), como los Medici y los Pazzi. Algunos de los artistas más representativos de esta etapa fueron, entre otros, Masaccio, Fra Angélico, Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Paolo Uccello, Andrea Mantegna, Filippo Brunelleschi, Leon Battista Alberti, Donatello y Lorenzo Ghiberti. Durante el Quattrocento podemos distinguir, a su vez, dos fases diferentes. Una primera más experimental al comienzo del siglo, en la cual los artistas buscan y desarrollan diferentes soluciones a los mismos problemas, utilizan diversos modos representación y diversos sistemas visuales, experimentan con la perspectiva y la geometría, sin adoptar aún un sistema único y permanente (Masaccio, Fra Angélico, Uccello, Donatello y Brunelleschi). En la segunda fase de sistematización (segunda mitad del S. XV) se organizan y estructuran todas las experimentaciones de comienzos de siglo en un sistema clásico único que sintetiza  lo antiguo y lo moderno. Alberti y Piero della Francesca fueron artistas representativos de esta fase y los principales teóricos que sistematizaron el uso de la perspectiva lineal, la geometría, la búsqueda de proporciones, cánones y reglas, tanto teóricas como prácticas, capaces de orientar el trabajo de los artistas. * El Cinquecento corresponde a los años [mil] quinientos, pero en el Renacimiento nos referimos a los últimos años del siglo XV y las primeras décadas del siglo XVI. En este momento hay un mayor clasicismo, la capital Renacentista pasa de Florencia a Roma y es el papado quien encarga la mayoría de las obras más importantes de este periodo. Los artistas más representativos de esta etapa son Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y Rafael di Sanzio. También podemos nombrar a Tiziano de la escuela veneciana. En esta etapa podemos hablar de apogeo y crisis del Renacimiento, ya que si bien entra en crisis el lenguaje renacentista, muchas de las obras más importantes de este periodo han sido realizadas en las primeras décadas del siglo XVI. QUATTROCENTO. Primer Renacimiento: Experimentación (primera mitad del siglo XV) El artista al comienzo del Renacimiento (siglo XV)  Al empezar el Renacimiento, los artistas todavía eran vistos como artesanos comunes, no como genios.  Su educación era práctica: aprendían en talleres con un maestro, trabajando por años.  Iban a talleres específicos, buscando a los mejores maestros. Ya no era cualquier lugar.  En los talleres no solo se hacía pintura: también se hacían armas, decoraciones, banderas, etc.  La obra de arte aún no era vista como algo personal, sino como parte de un trabajo en grupo.  En Italia, los artistas vivían un poco mejor porque trabajaban para familias ricas y cortesanos. 🏛️Arquitectura del Renacimiento  Los edificios del Renacimiento muestran orden, equilibrio y proporción.  Se usaban formas geométricas y medidas basadas en el cuerpo humano.  A diferencia del Gótico (que era alto y apuntaba al cielo), el Renacimiento era más horizontal y armonioso.  Los edificios eran claros, organizados y simétricos. Cada parte se destacaba por sí misma.  El espacio era centralizado: todo gira alrededor de un punto central (como una cúpula).  No buscaban que el espectador caminara mucho dentro del edificio; al pararse en el centro, podía ver todo. 👷‍♂️Brunelleschi y sus aportes  Filippo Brunelleschi fue un arquitecto italiano y uno de los grandes del Renacimiento.  Su obra más famosa es la cúpula de la Catedral de Florencia (Santa María del Fiore).  Estudió las ruinas romanas para recuperar formas clásicas: arcos, columnas, proporciones.  Mezcló lo antiguo con ideas nuevas para lograr una belleza moderna.  Separó dos cosas: la invención (diseño y creatividad) y la ejecución (construcción).  Fue el primero en hacer proyectos bien pensados antes de construir (incluyendo decoración).  Desarrolló la perspectiva lineal, que usa matemáticas para representar la realidad en 3D (como en los dibujos con punto de fuga).  Usó una retícula ortogonal (rejilla de líneas rectas) para organizar el espacio en arquitectura, escultura y pintura.  Gracias a esto, también cambió el diseño de las ciudades, haciéndolas más ordenadas y menos caóticas que en la Edad Media. QUATTROCENTO Sistematización (segunda mitad del S. XV) El artista en el Renacimiento (segunda mitad del siglo XV)  Al final del siglo XV, el estatus del artista empieza a subir.  Reciben más dinero por sus obras, sobre todo gracias al mecenazgo de familias ricas como los Medici.  Los artistas se alejan de los gremios y empiezan a ser vistos como personas cultas e inteligentes, como los poetas o los sabios.  Esto pasó en parte porque se unieron a los humanistas, que valoraban su trabajo como una forma de transmitir ideas. 💡 Cambio en la educación del artista  Empiezan a recibir una educación más completa, con teoría, matemática, ciencias y perspectiva.  Pintura y escultura dejan de ser "trabajo manual" y se ven como arte verdadero.  Nace la idea del "genio-artista", alguien con un talento único, casi un regalo divino.  El artista ya no es solo un trabajador, sino una figura creativa que se expresa a través de su obra.  Aparecen las firmas, los autorretratos y la idea de que la obra tiene un autor con una visión personal. 🕊️Mayor libertad artística  El arte se libera del control total de la Iglesia.  Se sigue hablando de temas religiosos, pero el enfoque cambia: importa cómo está hecho (forma) más que el tema en sí (contenido).  El arte se vuelve más científico y racional, pero también más personal. 🧠 Los artistas del Quattrocento (segunda etapa del Renacimiento)  Usan más matemática, geometría, perspectiva, claroscuro y escorzo para dar profundidad, luz y realismo a las obras. ✍️Conceptos clave:  Escorzo: técnica para que algo se vea en profundidad, como una mano que apunta hacia adelante.  Claroscuro: luces y sombras para dar volumen y realismo. 🎨 Piero della Francesca (1415–1492)  Fue pintor y matemático. Usaba la geometría para planear cada detalle de sus obras.  Para él, todo debía estar en armonía matemática: desde la figura humana hasta los paisajes.  Le gustaban tanto las formas geométricas que ¡hasta las ponía en los sombreros de sus personajes!  Logró una gran claridad visual y equilibrio en sus obras.  Sus pinturas transmiten paz, serenidad y orden, con personajes que parecen tranquilos y muy humanos. ¿Por qué es importante?  Representa al ser humano como el centro del mundo, reflejando el pensamiento humanista del Renacimiento.  El paisaje y el entorno también se vuelven importantes, reflejando el interés en conocer y entender la naturaleza. ✨ En resumen:  El artista pasa de ser un simple trabajador a ser un creador valorado y admirado.  La pintura se transforma en una ciencia y un arte, con reglas y teoría.  Surgen nuevas técnicas para lograr realismo y belleza.  Piero della Francesca representa este cambio: mezcla arte y matemáticas, y pone al ser humano como figura principal. 🎨 El artista en el Renacimiento (finales del siglo XV) Hacia el último cuarto del siglo XV, la figura del artista comienza a cambiar notablemente. De ser considerado un simple artesano, pasa a tener un reconocimiento social más alto, gracias principalmente al mecenazgo de familias ricas como los Medici, que financiaban sus obras y los posicionaban en espacios de prestigio. Este ascenso social se debió también a su vínculo con los humanistas, quienes valoraban su trabajo como una forma de difundir ideas culturales y filosóficas. Gracias a esta alianza, la pintura y la escultura empiezan a considerarse artes liberales, no solo oficios manuales. 📚 Educación, teoría y el nacimiento del “genio artístico” A partir de este momento, los artistas ya no se forman únicamente en talleres, sino que incorporan teoría a su educación, especialmente en áreas como:  Matemáticas  Geometría  Perspectiva  Ciencias naturales Surge la idea del “genio artístico”: un creador con talento único, casi un don divino. Se comienza a valorar más la personalidad del artista que solo la obra en sí. Esto se nota en:  Las firmas en las obras  La aparición de autorretratos  La valoración del estilo personal y la originalidad Además, el artista empieza a liberarse de los temas impuestos por la Iglesia y comienza a trabajar con más independencia creativa, aunque aún dentro del marco racional y científico del Renacimiento. 🧑‍🎨 Segunda generación del Quattrocento Con las bases puestas por Brunelleschi (en arquitectura) y Masaccio (en pintura), surge una nueva generación de artistas florentinos que exploran más profundamente:  La perspectiva geométrica  El uso del escorzo (representar objetos en profundidad acortando sus formas)  El claroscuro (juego de luces y sombras para dar volumen) Estas técnicas permiten lograr una representación más realista y tridimensional del mundo. ✨ Piero della Francesca (1415–1492) Piero della Francesca es una figura clave en esta etapa. Fue tanto artista como matemático, y combinó ambas disciplinas de forma ejemplar.  Creía que el mundo podía explicarse y representarse a través de proporciones matemáticas.  En sus pinturas, todo está calculado con precisión: la posición de cada figura, los fondos, las luces, todo sigue un plan matemático.  Usaba elementos geométricos visibles incluso en detalles como sombreros o partes del cuerpo. Sus obras se destacan por:  El uso preciso de la perspectiva  La armonía y claridad de las composiciones  Un estilo sobrio, equilibrado y tranquilo  El uso de claroscuro y colores suaves para crear una atmósfera casi mística Además, las figuras humanas suelen tener gran protagonismo, muchas veces ocupando el centro de la composición o apareciendo en gran escala, como una forma de representar el valor del ser humano (antropocentrismo del Renacimiento). También es notable el detalle en los paisajes, lo que refleja el interés renacentista por conocer, observar y representar la naturaleza.. CINQUECENTO Apogeo y crisis del lenguaje renacentista Leonardo Da Vinci (1452–1519) Leonardo fue uno de los personajes más completos del Renacimiento. Representa el ideal del "hombre renacentista", es decir, una persona interesada por todos los campos del saber y con un profundo deseo de comprender el mundo a través de la razón y la observación científica. 🔬 Un genio multifacético Leonardo no fue solo pintor: también fue científico, inventor, ingeniero, anatomista, músico, botánico, filósofo, arquitecto, urbanista y poeta. Se adelantó a su época con sus estudios e ideas en muchas áreas, como:  Anatomía humana  Vuelo de aves e insectos  Hidrodinámica (estudio del agua)  Óptica y luz  Clima y atmósfera  Inventos mecánicos: diseñó máquinas como un helicóptero, un automóvil y un submarino, aunque en su tiempo no se podían construir todavía. Dejó miles de apuntes, dibujos, diagramas y reflexiones en sus cuadernos, que hoy se consideran obras de gran valor científico y artístico. 🎨 Su visión de la pintura Para Leonardo, la pintura era una forma de conocimiento, no solo una técnica. Decía que era “una ciencia” porque combinaba observación, análisis y sensibilidad artística. Aunque siguió usando técnicas del Quattrocento como la perspectiva lineal y el claroscuro, las perfeccionó y además creó nuevas formas de representación: 🌫️Sfumato (esfumado)  Técnica para suavizar los contornos.  En lugar de líneas duras, usa transiciones suaves entre luz y sombra, como si el objeto se desvaneciera en el aire.  Da un efecto más natural, realista y atmosférico.  Ejemplo: La Gioconda (Mona Lisa). 💨 Perspectiva aérea  Observa que en la realidad, los objetos lejanos se ven más borrosos y menos coloridos que los cercanos.  Esto se debe a cómo la luz y el aire afectan nuestra visión.  Representa la profundidad del paisaje usando gradaciones de color y nitidez.  Ejemplo: La Virgen de las Rocas. 💡 Claroscuro  Técnica ya usada antes, pero Leonardo la lleva más lejos.  Usa luces y sombras muy suaves para dar volumen a las figuras y hacer que parezcan vivas. 🖼️Un espacio más realista y dinámico En obras como La última cena, Leonardo logra una sensación espacial más profunda y creíble que otros artistas anteriores. Ya no se trata solo de líneas de fuga, sino también de cómo la luz, el color y el aire afectan nuestra percepción del espacio. ✨ En resumen:  Leonardo encarna el ideal del hombre universal del Renacimiento: curioso, creativo, científico y artista a la vez.  Su pintura se basa en el estudio del mundo real y en el deseo de representar la vida con mayor fidelidad.  Con técnicas como el sfumato y la perspectiva aérea, da un paso más allá del arte del Quattrocento, creando imágenes más naturales, suaves y emocionales.  Su obra marca una revolución en el arte y deja un legado que va más allá de la pintura: un puente entre ciencia y arte. UNIDAD 3 Contexto de los siglos XV y XVI – Antes del Barroco Para entender el Barroco, primero hay que conocer algunos cambios importantes que ocurrieron en Europa a fines del siglo XV y durante el XVI. Tres hechos clave marcaron esta época: 1. La Era de los Descubrimientos Los europeos (sobre todo portugueses, españoles e ingleses) empezaron a explorar el mundo buscando nuevas rutas comerciales. En ese proceso, llegaron a tierras desconocidas para ellos, como América, y lograron hacer mapas más completos del planeta. Aunque ya estaban habitadas, muchas de estas tierras fueron conquistadas y saqueadas. Todo esto ayudó a cambiar la idea de que la Tierra era el centro del universo y de que era plana. 2. El Giro Copernicano En el campo de la ciencia, Copérnico propuso en 1543 que el Sol, y no la Tierra, era el centro del universo (heliocentrismo). Esta idea fue rechazada por la Iglesia, pero abrió paso a una nueva forma de ver el mundo. Otros científicos importantes de este cambio fueron Galileo Galilei y Johannes Kepler. 3. La Reforma Protestante En 1517, Martín Lutero inició una gran crítica a la Iglesia Católica. Cuestionó prácticas como la venta de indulgencias y propuso volver a una fe más personal, basada en la Biblia. Esto causó una gran división en la Iglesia y el surgimiento del protestantismo, que se expandió rápidamente con la ayuda de la imprenta. 1.1. Manierismo – Un arte en crisis El Manierismo surge a mediados del siglo XVI, cuando comienza a romperse el equilibrio del Renacimiento. En ese momento, Italia ya no era el centro del mundo: perdió poder económico, sufrió guerras (como el saqueo de Roma) y vivía una gran crisis religiosa por la Reforma Protestante. Todo esto hizo que ya no se creyera tanto en el orden y la armonía del arte clásico. Los artistas no querían abandonar por completo las formas del Renacimiento, pero tampoco podían seguir creyendo en ellas como antes. Por eso, crearon un estilo más complejo, exagerado y dramático, con figuras retorcidas, poses raras y composiciones inestables. Querían hacer algo nuevo, pero sin dejar atrás a maestros como Miguel Ángel. Características del Manierismo:  Se inspira en los grandes del Renacimiento, pero complica sus formas.  Usa figuras alargadas, posturas forzadas (escorzos) y líneas curvas (línea serpentinata).  Las composiciones suelen ser inestables y poco naturales.  Busca una belleza sofisticada, rara y llamativa.  Tiene un estilo intelectual y elitista, más alejado del realismo.  Es como una reacción al equilibrio del Renacimiento, mostrando tensión, crisis y dramatismo. 1.2. Reforma y Contrarreforma – Cambios en la religión y en el arte Durante los siglos XVI y XVII, la Iglesia Católica vivió una gran crisis de poder por culpa de la Reforma Protestante, iniciada por Martín Lutero en 1517. Él criticaba muchas prácticas de la Iglesia, como la venta de indulgencias (perdón de pecados a cambio de dinero), y proponía una vuelta a la fe individual, la lectura personal de la Biblia y una religión más simple. Esto causó una división religiosa en Europa:  En países como Holanda e Inglaterra, el arte religioso fue rechazado y se desarrolló un arte profano (no religioso), centrado en escenas de la vida diaria.  Algunas ramas, como la de Calvino, fueron aún más estrictas y prohibieron totalmente las imágenes religiosas. ¿Qué hizo la Iglesia Católica? → La Contrarreforma Para responder a la Reforma, la Iglesia organizó el Concilio de Trento (1545– 1563), donde:   Refuerza la figura del Papa.  Crea la Inquisición Romana para castigar la herejía.  Reorganiza la Iglesia para volver a ganar credibilidad.  Usa el arte como herramienta de persuasión. Esto da origen al arte barroco católico, que busca emocionar, impactar y convencer al público con imágenes dramáticas, realistas y llenas de fuerza. El Barroco como arte de propaganda Tanto la Iglesia Católica como las monarquías absolutas usan el arte con fines políticos y religiosos:  La Iglesia lo usa para reconquistar fieles, mostrar poder y promover sus ideas.  Los reyes absolutos lo usan para glorificarse a sí mismos, ya que se consideraban elegidos por Dios y dueños del poder total. Así, el arte barroco mezcla realidad e ilusión, apela a lo emocional y busca que el espectador se sienta parte de la escena, para convencerlo y someterlo. Resumen clave:  Reforma: ruptura de la Iglesia por Lutero → se rechazan imágenes religiosas en países protestantes.  Contrarreforma: respuesta católica → usa el arte para recuperar poder.  Barroco: estilo al servicio de la Iglesia y los reyes → arte emocional, teatral y propagandístico. 2. El Barroco – Un arte emocional, teatral y diverso El término “Barroco” se usó al principio como algo negativo, para describir un arte recargado y exagerado. Solo a fines del siglo XIX empezó a valorarse como una gran etapa artística. Aunque el Barroco se desarrolló en muchos países y disciplinas (pintura, escultura, arquitectura, música, teatro, ópera, etc.), no fue un estilo único y uniforme. Variaba mucho según el contexto político, religioso y cultural:  En los países católicos era más espectacular, decorativo y monumental (como en Italia o España).  En los países protestantes o burgueses, el estilo era más sobrio, íntimo o cotidiano (como en Holanda). Rasgos comunes del Barroco: A pesar de las diferencias, el Barroco tiene algunas características que lo unifican: 🔸 Movimiento y dramatismo → Las obras parecen estar en acción. Todo transmite tensión o energía. 🔸 Ilusión y teatralidad → Se busca sorprender al espectador, mezclar lo real con lo ficticio y emocionar. 🔸 Profundidad y diagonales → La perspectiva y la luz se usan para crear efectos de profundidad e infinito. 🔸 Relación con lo infinito y lo divino → El arte quiere trascender los límites humanos y conectar con algo más grande. 🔸 Unidad total → Las obras parecen organismos vivos, donde todo está conectado y tiene un propósito. Ejemplo clave del Barroco pictórico: 🖼️Artemisia Gentileschi – Judit decapitando a Holofernes  Una escena intensa, violenta y teatral.  Colores fuertes, luz y sombra muy contrastadas (técnica del claroscuro).  El gesto de los personajes y la sangre impactan directamente al espectador.  Muestra a una mujer fuerte, desafiando los roles tradicionales. El sentido del arte Barroco: El Barroco no solo quiere mostrar belleza: quiere impactar, persuadir, hacer pensar. Según Peña Gómez, busca que el espectador se cuestione la realidad misma. Si el cuadro es solo apariencia… ¿y si la vida también lo es? Así, el Barroco mezcla arte, emoción y reflexión. Resumen clave:  El Barroco varía según el lugar y el contexto, pero tiene rasgos comunes.  Es un arte emocional, dramático, teatral y persuasivo.  Busca mover al espectador, romper con el equilibrio del Renacimiento y mostrar un mundo en crisis. 3. Barroco Católico – Diversidad en Europa y América El Barroco Católico se desarrolló en varios lugares de Europa y América, pero los centros principales fueron dos: Roma y la corte de Luis XIV en Versalles. 1. Roma – El corazón del Barroco Católico En la primera mitad del siglo XVII, Roma fue el centro principal del arte Barroco Católico, ya que era la sede del papado. La Iglesia Católica utilizó el arte para fortalecer su poder y atraer nuevamente a los fieles después de la Reforma Protestante. Roma se convirtió en un escenario de grandes obras artísticas y arquitectónicas, impulsadas por el Papa y la Iglesia. Artistas como Caravaggio, Bernini y Borromini fueron claves en esta fase del Barroco, utilizando el arte para comunicar fe, drama y emoción. 2. La corte de Luis XIV en Versalles En la segunda mitad del siglo XVII, Francia empieza a tomar el protagonismo. El poder del Rey Sol, Luis XIV, convirtió a Versalles en un centro artístico donde se impulsó un Barroco más monumental, ordenado y decorativo. La monarquía francesa se apoyó en el arte para proyectar su poder absoluto. 3. El Barroco en España y América Latina  España también tuvo un importante desarrollo del Barroco, especialmente en la pintura, la escultura y la arquitectura. En este país, el arte se utilizó para reforzar la religiosidad católica.  En América Latina, los colonizadores europeos trajeron el Barroco y lo fusionaron con las tradiciones locales. Esto dio lugar a una forma artística única y sincrética que combinaba el arte europeo con las influencias precolombinas y africanas. o Barroco Latinoamericano: Un arte adornado y emotivo, donde las tradiciones religiosas del catolicismo se mezclaban con las costumbres y creencias de los pueblos indígenas y africanos. Esta fusión creó un arte visual profundamente conectado con la cultura local. Resumen:  El Barroco Católico se desarrolló principalmente en Roma (papado) y Versalles (Francia), pero también tuvo una gran presencia en España y América Latina.  El arte Barroco en Roma fue impulsado por la Iglesia Católica para reforzar la fe tras la Reforma Protestante.  En Versalles, bajo Luis XIV, el Barroco se usó como herramienta de poder absoluto.  En España y América Latina, el Barroco mostró una fusión de influencias europeas con culturas locales, creando una identidad artística propia. Barroco Católico: El Arte al Servicio de la Fe El Barroco Católico se desarrolla en un momento en que la Iglesia Católica quiere recuperar poder y reafirmar su influencia después de la Reforma Protestante. El arte se convierte en una herramienta clave para emocionar y convencer a los fieles de la importancia de la fe católica. 1. Roma como Centro del Arte Barroco Roma, siendo la sede del Papa, se convierte en el corazón del arte religioso. En esta ciudad, la Iglesia utiliza el arte para mostrar su poder y reconquistar la confianza de los fieles. A diferencia del Renacimiento, que idealizaba la perfección, el arte barroco busca generar emociones fuertes y conectar a los espectadores con lo divino. 2. Arte Realista y Teatral El Barroco presenta una visión más realista y emocional. Las obras no solo representan escenas religiosas, sino que intentan que el espectador sienta que está presenciando algo real y dramático. La ilusión es una parte importante: el arte crea una experiencia sensorial que parece casi real. Por ejemplo, en obras como Las Meninas de Velázquez, la pintura rompe la frontera entre el observador y la obra, haciendo que el espectador se sienta parte de la escena. 3. El Realismo y la Fe en la Vida Cotidiana En el Barroco, el arte busca representar lo sobrenatural de manera realista. La Iglesia quiere que la gente vea lo divino no solo en el cielo, sino también en su vida diaria. A través de representaciones detalladas de santos, vírgenes, y milagros, el arte ayuda a los fieles a creer que la salvación está al alcance de todos. 4. La Teatralidad y el Dramatismo El Barroco Católico utiliza la teatralidad para que las obras de arte sean dramáticas y emocionantes. Las pinturas y esculturas buscan impactar al espectador y captar su atención, usando colores brillantes, luces dramáticas y escenas intensas. Esto hace que el arte no solo sea un objeto visual, sino una experiencia emocional que invita a la reflexión espiritual. Artistas Importantes del Barroco Católico  Caravaggio (pintura): Sus obras son conocidas por su realismo y por hacer que las escenas religiosas se vean muy realistas y dramáticas, involucrando al espectador en la escena.  Bernini (escultura): Creador de esculturas muy dramáticas, como el Éxtasis de Santa Teresa, que muestran la experiencia mística de los santos y hacen que el espectador sienta lo divino.  Borromini (arquitectura): En su arquitectura dinámica, como en la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane, crea espacios que invitan al espectador a sentirse parte del arte y de la experiencia religiosa. 3. Barroco Católico - Caravaggio (1571-1610) Michelangelo Merisi da Caravaggio Caravaggio fue un pintor italiano conocido por su realismo crudo y su uso dramático de la luz. Sus obras se centran en la observación anatómica y la representación de figuras humanas de manera naturalista, sin idealizaciones. Utilizaba una técnica llamada tenebrismo, que se caracteriza por fuertes contrastes de luz y sombra. Principales Obras de Caravaggio 1. La Incredulidad de Santo Tomás (1602) o En este cuadro, Caravaggio muestra a Tomás dudando de la resurrección de Cristo. Jesús le ofrece que toque sus heridas, lo que enfatiza el naturalismo del pintor, mostrando a los personajes como  seres humanos comunes, con gestos realistas y detalles anatómicos. o La obra tiene un fuerte contraste de luz, lo que destaca la figura de Tomás y crea un efecto dramático. "Los apóstoles, representados como jornaleros, chocaban con la idea tradicional de figuras religiosas solemnes. Caravaggio usó un estilo directo y realista para acercar lo divino a la gente común" (Gombrich, 1999). 2. La Vocación de San Mateo (1601) o Esta pintura muestra el momento en que Jesús llama a Mateo, un recaudador de impuestos, para seguirlo. Caravaggio usa el contraste de luz para iluminar a Mateo, mientras está rodeado de personas comunes. La escena se presenta en un entorno mundano, pero el milagro se resalta por la luz divina sobre Mateo. o 3. La Muerte de la Virgen (1604–1606) o En esta obra, Caravaggio representa a la Virgen María en su lecho de muerte, rodeada de apóstoles que expresan dolor humano. La pintura evita la idealización y muestra una visión realista y conmovedora de la muerte de la Virgen, destacando la humanidad y transitoriedad de la vida. o Esta obra fue polémica porque Caravaggio rompió con las tradiciones iconográficas de la Iglesia, mostrando a personajes sagrados con características humanas y comunes, como pies sucios. o 4. Cena de Emaús (1596-1601) o Caravaggio muestra a Jesús resucitado revelándose a dos discípulos durante una comida. La reacción de los discípulos y el uso de luz y sombra dan dramatismo a la escena, haciendo que el momento de revelación sea emocionalmente impactante. El Naturalismo de Caravaggio: Impacto en la Fe Caravaggio utilizó el realismo crudo para representar a los personajes sagrados como seres humanos comunes, lo que permitió que los fieles se sintieran identificados con ellos. Su estilo ayudó a humanizar la religión y la figura de los santos, haciendo que el arte barroco fuera más accesible a las personas. Aunque a menudo fue rechazado por la Iglesia, su trabajo se convirtió en una poderosa herramienta de propaganda religiosa, logrando conectar emocionalmente con el espectador. Legado y Crítica Caravaggio fue innovador en su enfoque, y su estilo naturalista influyó en muchos artistas posteriores. Sin embargo, su trabajo también fue controvertido. Su representación de lo divino de una forma realista y humana fue vista por algunos como irreverente. A pesar de esto, sus obras fueron fundamentales en el Barroco Católico, ayudando a transmitir emociones fuertes y acercar lo divino a la realidad cotidiana de las personas. 3. Barroco Católico - Bernini (1598-1680) Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) Bernini fue un escultor y arquitecto italiano, uno de los artistas más importantes del Barroco. Trabajó principalmente en Roma para la Iglesia católica y fue uno de los máximos exponentes del estilo barroco. Su habilidad para tallar el mármol, el detallismo anatómico y su uso de la luz en sus esculturas le permitieron crear obras de gran intensidad emocional y mística. Principales Obras de Bernini 1. Fuente de los Cuatro Ríos (1648-1651) o Esta fuente, ubicada en la Piazza Navona en Roma, representa cuatro grandes ríos que personifican los continentes conocidos en ese momento: Nilo (África), Ganges (Asia), Danubio (Europa) y Río de la Plata (América). o Las figuras están sentadas en poses dramáticas, rodeadas de símbolos geográficos y culturales.  o Es un ejemplo clásico del estilo barroco, con una combinación de escultura, arquitectura y elementos acuáticos que reflejan dinamismo y teatralidad. 2. Éxtasis de Santa Teresa (1647-1652) o Esta famosa escultura, ubicada en la Iglesia de Santa Maria della Vittoria en Roma, representa el momento en que Santa Teresa de Ávila experimenta una visión divina, un momento místico de transverberación (cuando un ángel le atraviesa el corazón con una flecha de oro). o Bernini utiliza mármol blanco con un nivel de detalle impresionante en la textura de las figuras, el ropaje y las nubes. La obra transmite un fuerte componente emocional y dramático, con un toque de teatralidad al utilizar la luz natural que entra a través de una ventana cenital, creando un efecto de realismo y misticismo en la escena. Características del Estilo Barroco de Bernini  Realismo y detalles anatómicos: Bernini capturaba con gran precisión los detalles de los cuerpos, las texturas y las expresiones faciales, lo que otorgaba a sus esculturas una apariencia de realidad palpable.  Teatralidad: Las composiciones de Bernini se caracterizan por un dinamismo dramático, como en el caso de la Fuente de los Cuatro Ríos y el Éxtasis de Santa Teresa, donde las figuras parecen interactuar con el espectador y la luz se utiliza para enfatizar la emoción de la escena.  Integración de elementos arquitectónicos: Sus esculturas no solo se limitan al tallado en mármol, sino que integran elementos arquitectónicos, como columnas, ventanas o rayos de luz, para crear una experiencia espacial completa que interactúa con el entorno. Legado Bernini fue fundamental para dar forma al estilo barroco en Roma y sus obras son símbolos del poder y la magnificencia de la Iglesia Católica durante la Contrarreforma. Su habilidad para combinar arte, arquitectura y emoción dejó una marca perdurable en la historia del arte, influyendo en generaciones de artistas posteriores. 3. Barroco Católico - Borromini (1599-1667) Francesco Borromini (1599-1667) Francesco Borromini fue un arquitecto italiano destacado del Barroco católico en Roma, reconocido por su innovador enfoque arquitectónico. Junto a Bernini, es uno de los principales exponentes de esta época. Características del Estilo de Borromini  Formas curvas y movimiento: Borromini rompió con la simetría clásica y utilizó formas curvas y dinámicas. Sus edificios parecen estar en movimiento, con paredes que se curvan y se retuercen como si estuvieran hechas de yeso.  Uso de la luz: Jugó con la luz natural y las sombras para darle vida y dramatismo a sus obras, creando efectos de claroscuro en las superficies.  Relación con el entorno urbano: Sus diseños se integraron estrechamente con la ciudad, haciendo que sus edificios interactuaran con el paisaje urbano. Obra Destacada: Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane (1638- 1641) La Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane es una de las obras más conocidas de Borromini. Con una planta elíptica y una fachada ondulada, muestra cómo el arquitecto usó formas curvas para crear una sensación de movimiento. La luz natural resalta las superficies onduladas y da un efecto dramático, mientras que el edificio se integra perfectamente al entorno urbano de Roma. 3. Barroco Católico - Francia El Barroco en Francia se caracteriza por un estilo más clásico y está ligado a la glorificación de la monarquía absoluta, con un enfoque en el orden y la unidad. Se manifiesta en un arte más controlado, con mayor claridad y obediencia a las normas establecidas por el Estado. El poder del arte en Francia El arte en Francia durante el Barroco no solo tenía un fin religioso, sino que también servía para ostentar el poder del rey, especialmente del rey Luis XIV, conocido como el Rey Sol. Luis XIV utilizó el arte para demostrar su gloria y poder divino, buscando siempre que la monarquía se presentara como un poder supremo. El papel del Estado Francia se convirtió en el modelo de un Estado centralizado durante el reinado de Luis XIV. Desde 1661, el Estado controlaba todos los aspectos de la vida pública, incluida la arte. En 1648 se creó la Académie Royale de Peinture et Sculpture, la cual estableció normas y regulaciones para los artistas, buscando que el arte se alineara con los intereses de la monarquía. El arte como propaganda Las obras de arte en Francia fueron usadas como herramientas de propaganda para glorificar al rey. A través de pinturas, monumentos, ballets, y otras formas de espectáculo, la imagen de Luis XIV se construyó como omnipotente y divina. Estilo Barroco en Francia El Barroco francés es más ordenado y clásico que el romano. Se caracteriza por su monumentalidad y su enfoque en la exaltación de la figura del rey. El arte en Francia se convirtió en un medio para mostrar el poder del Estado. Pintura en Francia En la pintura francesa había dos tendencias principales: 1. Realismo: Artistas como Georges de la Tour y los hermanos Le Nain representaban escenas más realistas, con un enfoque en el tenebrismo y temas de costumbres y religiosos. 2. Clasicismo: Artistas como Nicolas Poussin y Claude Lorrain seguían principios más racionales, con géneros como historia, mitología y paisaje. Este estilo se vio reflejado en la Real Academia de Pintura y Escultura, que se fundó en 1648. Arquitectura en Francia La arquitectura barroca en Francia se desarrolló bajo la influencia del absolutismo. Su objetivo era representar el poder real. En esta época, París y la corte francesa marcaron las pautas para la arquitectura europea. El estilo clásico francés era más racional, con una predilección por las líneas rectas y la simetría, rechazando las formas curvas y la iluminación dramática que predominaban en el Barroco romano. 3. Barroco Católico - España Aunque España atravesaba una crisis de poder en el siglo XVII, con varios problemas durante los reinados de Felipe III, Felipe IV y Carlos II, este período también es conocido como el Siglo de Oro español, marcado por un esplendor artístico, especialmente en literatura y pintura. La pintura barroca en España La pintura barroca española comienza con un estilo realista influenciado por el caravaggismo y el tenebrismo. Artistas como Francisco de Zurbarán y José de Ribera fueron pioneros en este estilo, pero poco a poco, la pintura se orienta hacia una interpretación más visual de la realidad, destacándose Diego de Velázquez. Diego Velázquez (1599-1660) Velázquez es considerado el pintor barroco español más importante y uno de los mayores exponentes del arte occidental. Nació en Sevilla y se trasladó a Madrid en 1622, donde fue nombrado pintor oficial de la Corte de Felipe IV, realizando retratos de la familia real y decoraciones para los palacios reales. Su arte se distinguió por abandonar el tenebrismo y utilizar manchas de color que el espectador debe recomponer al alejarse del cuadro. Esta técnica le permitió capturar la realidad visual más que la literal. Las Meninas (1656) Una de las obras más famosas de Velázquez es Las Meninas. En este cuadro, Velázquez se muestra a sí mismo pintando mientras otros personajes del Palacio Real se encuentran en la escena. A través de un espejo en la pared, se refleja a Felipe IV y su esposa, la Reina, quienes están siendo retratados. La obra juega con la perspectiva y el espacio, mostrando un grupo de personas que interactúan mientras observan al pintor. Las Meninas no solo muestra a la familia real, sino también a los enanos y otros miembros de la corte, creando una compleja interacción visual. 4. Barroco Protestante - Países Bajos En Holanda (Países Bajos), el arte del Barroco fue muy diferente al de otros lugares de Europa. En lugar de ser impulsado por la Iglesia o los monarcas, el arte en Holanda lo promovió una burguesía rica y creciente, que compraba las obras de arte para decorar sus casas. Características del Arte en Holanda:  Protestantismo: Como la Iglesia Protestante no usaba imágenes en los templos, los artistas no pintaban temas religiosos. En su lugar, se enfocaron  en temas profanos (no religiosos), como retratos, paisajes, escenas cotidianas y bodegones (naturaleza muerta).  Realismo: Los pintores eran muy detallados y mostraban la vida tal como era. A diferencia del arte dramático de otras partes de Europa, el arte holandés era más tranquilo y realista.  Tamaño pequeño: Las obras eran de tamaño pequeño o mediano, ideales para las casas privadas de la gente rica. La Pintura como Negocio: En lugar de hacer encargos para la Iglesia o el gobierno, los artistas vendían sus cuadros a los burgueses que querían tener arte en sus hogares. Esto les permitió ser más libres con los temas que elegían, centrados en la vida diaria. 4.1. Rembrandt (1606-1669) Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) es considerado el artista más destacado del Barroco protestante y uno de los pintores más importantes de la historia del arte. Su obra se caracteriza por un enfoque único al realismo, enfocándose no solo en la representación visual, sino también en la expresión de los sentimientos humanos profundos, lo cual anticipa la evolución del arte hacia el Romanticismo. Características de su pintura:  Tenebrismo: Utilizó el contraste de luz y sombra de manera diferente a Caravaggio. En lugar de crear una luz que venía del exterior, Rembrandt hacía que la luz surgiera de las mismas figuras, mostrando sus luchas internas.  Enfoque emocional: Sus cuadros no buscan persuadir ni impresionar como en el arte católico, sino transmitir un sentimiento humano. Las figuras parecen reales y expresan el sufrimiento y las dificultades de la vida diaria.   Uso del color y la textura: Rembrandt usaba pinceladas gruesas y colores no brillantes para crear texturas, lo que hacía que la luz y la sombra no fueran solo accesorios, sino parte integral de la estructura de la obra. Autorretratos (1628-1669):  Sus autorretratos muestran su evolución personal y artística a lo largo de su vida. Empezando como un joven atribulado y talentoso, pasando por su éxito en los años 30, hasta llegar a retratos más sombríos y psicológicos de su vejez.  Estos retratos reflejan la intensidad de sus experiencias personales, mostrando la profundidad emocional y las dificultades que atravesó a lo largo de su vida. Los síndicos de los pañeros (1662):  En esta obra, Rembrandt retrata a cinco miembros de la guilda de los pañeros de Ámsterdam, conocidos como los Staalmeesters. Están sentados alrededor de una mesa discutiendo asuntos del gremio.  Rembrandt captura magistralmente la dignidad y autoridad de estos hombres a través de expresiones detalladas y una luz que resalta sus figuras, haciendo de esta pintura un excelente ejemplo de su capacidad para reflejar la vida y el carácter humano en sus obras. 4.2. Vermeer (1632-1675) Johannes Vermeer van Delft (1632-1675) fue un pintor del Barroco Protestante, conocido por sus escenas costumbristas que muestran la vida cotidiana de los burgueses en las sociedades protestantes del norte de Europa. Se destaca por su maestría en el uso de la luz y una técnica meticulosa, lenta y detallista. Sus obras suelen representar interiores domésticos, donde las figuras, especialmente mujeres realizando tareas cotidianas, son los protagonistas. Características de su obra:  Uso de la luz: Vermeer es reconocido por la forma en que captura la luz, creando atmósferas tranquilas y delicadas. La luz entra por las ventanas y resalta los detalles, como en el caso de los bodegones o en los objetos cotidianos que se encuentran en las escenas de la vida diaria.   Precisión y suavidad: Aunque Vermeer es muy preciso en su trabajo, sus cuadros nunca parecen duros o sobrecargados. Logra una combinación rara de precisión y suavidad, lo que le da a sus obras una calidad casi etérea.  Composiciones sencillas pero profundas: Muchas de sus pinturas presentan escenas simples, como una mujer vertiendo leche o tocando un instrumento, pero la forma en que captura la luz y los detalles hace que estas escenas parezcan llenas de significado y belleza. Obra destacada: "La Lechera" (1657-1658) Esta es una de las obras más conocidas de Vermeer. En ella se muestra a una mujer, probablemente una sirvienta, vertiendo leche en una habitación sencilla pero detallada. Los elementos en la habitación son mínimos, como una cesta de mimbre y algunos pedazos de pan, pero la luz natural que entra por la ventana crea una atmósfera muy especial. La obra destaca por su realismo detallado y la habilidad del pintor para capturar la luz que refleja la sencillez y la belleza de la vida cotidiana.  Técnica: Óleo sobre lienzo.  Dimensiones: 46 cm x 41 cm.  Ubicación actual: Rijksmuseum, Ámsterdam. La Influencia del Barroco en el Cine El estilo de Vermeer y otros pintores barrocos ha influido en las artes visuales modernas, como se puede ver en algunas películas. Un ejemplo es "El cuento de la criada" (2017), dirigida por Reed Morano. En una de las escenas, la luz que entra por la ventana enmarca a la protagonista, Offred, mientras reflexiona sobre su vida. Esta iluminación, junto con la composición de la escena, recuerda a las pinturas de Vermeer, especialmente su capacidad para capturar la atmósfera a través de la luz. El director de fotografía, Colin Watkinson, mencionó que se inspiró en Vermeer para crear una iluminación similar a la de los viejos pintores de óleo, utilizando un foco especial que produce una iluminación volumétrica para resaltar la atmósfera de la escena.