Análisis del Autorretrato en el Arte Moderno PDF

CLASE 1 AUTORRETRATO Las redes sociales se han convertido en los grandes disparadores para el auge del autorretrato en el siglo XX. “Distintas versiones de nosotros mismos para mostrar al mundo” - Lo público y lo privado Auge relacionado con una sociedad narcisista occi...

CLASE 1 AUTORRETRATO Las redes sociales se han convertido en los grandes disparadores para el auge del autorretrato en el siglo XX. “Distintas versiones de nosotros mismos para mostrar al mundo” - Lo público y lo privado Auge relacionado con una sociedad narcisista occidental y un cambio en la percepción del pudor: la capacidad de diferenciar entre lo público y lo privado. El fenómeno del autorretrato, la auto-indulgencia visual y la necesidad de compartir con los demás nuestra apariencia ha sido una constante en la historia del arte. No es un género nuevo - todo artista de todo medio se ha aproximado a la exploración del ser. ¿Que es un autorretrato? ¿Cómo comunican los artistas su identidad por medio de estos? ¿Cómo puede un autorretrato expresar tu identidad? Implica la creación de una imagen cuyo sujeto es el propio artista que realiza la obra de arte. ○ No debemos aparecer si o si Representación de las emociones, una actualización externa de los sentimientos internos, un penetrante autoanálisis y una auto contemplación que otorgan inmortalidad al artista. ○ No necesariamente tragedia, pero hay tendencia a ella. Es una narrativa abierta a la interpretación del observador donde el artista propone su propia autorregulación, auto-preservación y una auto-creación. Vemos la invención que hace si mismo el autor, contemplamos una especie de “doble” (realidad vs ficción) inventado por el artista. Aunque este doble pueda ser una ficción, el autorretrato siempre delata las verdades más profundas de su creador. Aspectos psicológicos: la vida interior - indagación a la vida interior - es una invaluable pieza del alma del artista Funciones: - indagación sobre la psique - auto- examinación y auto- representación - rememorar el pasado, lograr una catarsis emocional, construir la propia identidad o indagar sobre ella, publicidad de las habilidades del autor, mencionar sus posibilidades experimentales para jugar con alguna técnica o forma de expresión. No todos los artistas han tomado la autorrepresentación como genuino leitmotiv. Autorretrato de FIRMA - artistas que trabajan mucho este concepto - reconocemos sus obras sin saberlo - tienen una identidad alrededor del autorretrato. El autorretrato como proyección/idealización: - no siempre ha sido una mimesis visual - captura las aspiraciones sociales de los artistas. La reafirmación de lo que el artista desea ser es una constante en el autorretrato. (auto promoción y proyección de una aire de importancia social) Muy común en la era de las redes sociales - obsesión por la apariencia personal, promovida por una sociedad de consumo cuyo máximo bien es el cuerpo convertido en mercadería. Performance y teatralidad: Es una teatralización de la representación del ser, es una performance que queda plasmada visualmente. El autorretrato como catarsis Puede convertirse en un ritual de purificación, en un mecanismo de liberación y transformación interior o una eliminación de recuerdos. Inicios en la fotografía Se hizo muy popular entre los primeros fotografía. Es el retrato como una forma de autoafirmación social. El siglo XXI - El mayor auge del autorretrato en los templados años del siglo. No florece solo de las redes sociales, sino también existe una extensa corriente de artistas que utilizan el autorretrato y la fotografía como su vehículo primario de expresión. - El cuerpo se ha ganado un papel importante en la atención de los autorretratistas recientes. Selfies peculiar variable del autorretrato. reflectogramas - forman parte de los juego de seducción y los rituales de comunicación de las nuevas subculturas urbanas. Las fotos ya no recogen recuerdos para guardar sino mensajes para enviar e intercambiar. Conclusión El autorretrato no es lineal, es orgánico, su historia y sus estilos se ramifican y entreveran. Todo autorretrato es un prisma ilusorio que arroja distintas realidades e irrealidades, fantasías e idealizaciones, supuestas formas de autovaloración io posibilidades de conexión interpersonal, reflejos y distorsiones de cómo pensamos los seres humanos y como nos auto-representamos.  CONSTRUCCION Y DECONSTRUCCION DE LO VISUAL Cultura de la IMAGEN - con la llegada de las cámaras digitales y los celulares ya no se privilegian q o seleccionan momentos para captar - la selfie se lleva todas las miradas, no participar de ella es sinónimo de quedar afuera. Las redes sociales son hacedoras de una personalidad digital centrada en lo visual. La línea entre la realidad y la ficción se vuelve difusa. Deconstruir no es lo mismo que destruir. no es un método sino una estrategia, muestra por que los conceptos, instituciones se han ido edificando a sí mismos hasta el punto de volverse incuestionables. Una crítica deconstructiva no significa rechazar una actividad ni dejar de ejercerla, sino des-sedimentar, devolverle su capacidad de resignificación y autocrítica. CLASE 2 PLANTA DE LUZ No utilizamos luz plena ➔ Buscamos contraste, textura, hay intención, volumen, queremos destacar cuerpo ◆ Hay una luz principal que manda, la elegimos nosotros Guía de distribución de los puntos de luz con respecto al objeto/persona a fotografiar Trabajamos la luz alrededor del personaje Vincular iluminación a la narración ESQUEMAS - Rembrandt - simula ser entrada de luz de ventana (45*, levemente por arriba del personaje) una de la que más se usa, genera volumen en el rostro. - Butterfly - viene del cine -m luz frontal y cenital, se intenta que haya difusor àra que no sea tan fuerte al ser frontal. le da altura al cuello - Loop - entre rembrandt y butterfly, luz de costado a 30*. La sombra no es tan dura - Lateral - mas dramatica, luz a 90* de costado. Rostro dividido - Contraluz - detrás, podemos o exponer correctamente al sujeto o sub exponer. Con dos fuentes - ➔ Las mismas puertas que antes + segunda luz iluminando al fondo - separamos al personaje de este. ◆ Para emparejar, rellenar el otro lado ponemos 5 en 1 MOODBOARD leer pp Sensorial Atmósfera que queremos crear PSICOLOGÍA GESTALT EN LA COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA Segregación Proximidad Sirve para componer de una manera más metafórica, interesante, atractivo, salir de lo figurativo, literal Todo está relacionado con la percepción visual - qué es lo que hace que una foto sea más interesante que otra, que nos llame mas la atencion Psicología de la forma Fórmula clave que define a la gestalt = EL TODO ES MAYOR QUE LA SUMA DE LAS PARTES ¿que es un todo? - entra en jurgo el bagaje cultural de cada uno PRINCIPIOS Emergencia Reificación - como llega cada uno a la contratación de la imagen Percepción múltiple Invariancia - percepción y búsqueda de figuras si vuelva a sacar un objeto con que nos quedamos composición mirada propia la sinécdoque vinculado al mundo gestalt: licencia jugar con segmentos, fragmentos la parte lo define, no hace falta mostrar todo la parte de esa imagen define el entorno definimos un mundo a partir de planos más cerrados posibilidad de la interpretación de l historia hace que el público se mas activo, que piense, que se interesante, no literal PLANTA DE LUZ - esquema de iluminación Guía de distribución de los puntos de luz con respecto al objeto/persona a iluminar. Importancia: - Seguridad que te aporta a la hora de realizar fotografías. - El manejo de la luz diferencia a un profesional. - Conocerlos nos permite tener un manejo correcto de la iluminación. - Guías definidas, también las puedes utilizar como puntos de partida. - Podes usarlos como un punto de partida para darle un sello personal.m Propiedades de la luz Es necesario conocer las propiedades para utilizar correctamente un esquema Tamaño de la fuente: determina la calidad de la luz que incide sobre el objeto. ○ Más pequeños - sombras con bordes más nítidos, luz dura. ○ Más grande - hombres con mayor gradación, luz más suave. Intensidad: indica la cantidad de luz que aporta la fuente. ○ Depende también de la distancia (+ distancia - intensidad) Temperatura color: luz fría o cálida. ○ Tiñe imagen y su sentido. Fríos asociados a la elegancia, cálidos transmiten emociones más pasionales. Dirección: según dirección tenemos distintos resultados. ○ Podemos jugar y obtener efectos variados. Cobertura: indica lo concentrada o dispersa que está la luz. ○ Afecta la cantidad de espacio que puede iluminar una fuente (+ concentrada - área) Nos ayudan a comprender cómo funciona la luz y de qué manera a manipularla dentro del esquema que escojamos. Retrato: el rostro puede ser totalmente transformado dependiendo de la disposición de las luces elegidas, al igual que en modo y foto producto. ESQUEMAS DE ILUMINACIÓN MÁS UTILIZADOS EN FOTOGRAFÍA Rembrandt - Uso del claroscuro, esquema más utilizado del pintor rembrandt - Característica principal es la del contraste: se ilumina un lado mientras que el otro permanece en sombra - Luz principal a 45* y a la altura del rostro. - Se puede agregar un reflector o una segunda fuente en el lado contrario, ayudaría a hacer menos densa la sombra del lado más oscuro. - Se crea un triángulo debajo del ojo contrario de donde viene la luz. Butterfly - Recibe este nombre por la sombra que genera la luz debajo de la matriz del modelo. - Fuente colocada frente al sujeto con una altura mayor y en picado. Loop - Combinación de los dos anteriores. - Colocar luz a camino intermedio entre el rembrandt y el butterfly, 30*, pero con mayor altura, obteniendo así una sombra más corta. Lateral/split - Colocar fuente al lateral del sujeto y a su misma altura. - Sombras muy intensas, transmite fuerza y dureza. Contraluz - Fuente detrás del sujeto. - Realizamos su contorno, su silueta.  - También se puede colocar de manera diagonal por detrás para realzar solo una de las partes de la silueta. - Podemos - exponer correctamente al sujeto:contraluz otorga una aura onírica. - Subexponer al sujeto: se muestra solo su silueta negra contorneada por el contraluz. ESQUEMAS DE ILUMINACIÓN CON 2 FUENTES DE LUZ 1 fuente + iluminar el fondo - cualquiera de los esquemas que vimos con una sola fuente se pueden complementar con un segundo flash que ilumine el fondo. - Este flash ayuda a quemar el fondo para conseguir que sea blanco puro. Tambien se puede agregar un gel de color para teñir el fondo. Luces a 45* y a -45* - Llenar las sombras que produce el esquema rembrandt con un flash contrario al flash principal, a -45* respecto a la nariz del sujeto. - Es importante que la luz de relleno tenga menos intensidad que la principal, para suavizar las sombras pero no matarlas del todo. - Podemos sustituir la luz de relleno por un 5 en 1. - Conseguimos que las sombras generadas por el esquema rembrandt no estén tan marcadas, generando un retrato menos duro, más compensado. Rembrandt + luz frontal - Si queremos bajar las sombras generadas por el esquema de rembrandt, situamos una fuente de luz de manera frontal. - Interesante que la luz frontal tenga intensidad más baja que la principal, para ganar información en esas sombras pero no eliminarlas. - La luz frontal actúa como luz de relleno. Rembrandt + luz lateral - Complementar esquema de rembrandt con una luz de relleno lateral del lado contrato. - Para paliar sombras y marcar contornos. Rembrandt + contraluz - Complementar esquema de rembrandt con un contraluz para realzar la silueta o darle volumen al cabello. - Colocarlo completamente detrás del sujeto o ladeado para marcar su contorno pero evitar el aura. Luz frontal + contraluz - Si queremos que nuestro sujeto no sea solamente una silueta podemos usar una luz frontal para ganar información en las sombras del contraluz. - Sirve para remarcar su silueta, despegarlo del fondo y darle vida al cabello. - Se puede usar también un 5 en 1 en lugar de la luz frontal y que rebote la contraluz. Luz lateral + luz frontal - Para ganar información en sombra cuando usamos una luz lateral. También podemos usar 5 en 1 para reflejar. - Ideal para conservar la fuerza que transmite la iluminación lateral pero también mostrar todo nuestro sujeto sin que se pierda en las sombras. 2 luces laterales - Realiza los dos lados de la silueta dejando en sombra la parte central. - Relleno del lado contrario al flash. Clamshell - Rellena las sombras de la iluminación butterfly. - Luz principal por esika del sujeto y picada, y la de relleno, con menos intensidad, por debajo de su barbilla mirando hacia el. - Creamos una almeja con las dos fundes, de ahí el nombre. - Podemos usar en 5 en 1 en vez de otra luz para que rebote la principal en el. - Conseguimos una iluminación muy plana y uniforme. - Pensada para retratos cercanos, beauty o moda. Butterfly + contraluz - Conservar el toque beauty del butterfly pero darle volumen al cabello y remarcar su silueta, despegando del fondo. Doble contraluz - En vez de un contraluz detrás del sujeto, dos a 45*. - Remarcar toda su silueta y que quede definida perfectamente sin crear el aura que se genera con el flash por detrás. ESQUEMA DE ILUMINACIÓN CON 3 FUENTES DE LUZ 1 fuente + doble contraluz Podemos usar cualquiera de los esquemas y agregarle el doble contraluz. 2 fuente + iluminar el fondo - Le podemos agregar a los esquemas anteriores un tercer flash encarado hacia el fondo, para quemarlo o teñirlo con algun gel de color. Luce a 45* y -45* + contraluz - Las de 45* crean un retrato compensado y equilibrado - al añadir un contraluz despegamos el sujeto del fondo, remarcar su silueta y le damos volumen al cabello. - Detrás del sujeto o ladeado para darle volumen de un lado y evitar el aura. Rembrandt + luz lateral/frontal + contraluz - El contraluz nos despega al sujeto del fondo, remarca su silueta y le da volumen a su cabello. - Detrás del sujeto o ladeado para darle volumen de un lado y evitar el aura. 2 luces laterales + luz frontal - Las laterales crean una iluminación curiosa, dejando una franja oscuro en el centro - Colocamos luz frontal para ganar información en esa sombra, de baja intensidad para no quemarla 2 luces laterales + contraluz - Mantenemos franja en sombra - Enmarcamos aún más la silueta del sujeto Clamshell + contraluz - Para darle volumen al cabello y despegarlo del fondo al sujeto ya que clamshell proporciona una ilu muy suave y plana. ESQUEMA DE ILUMINACIÓN CON 4 O MÁS FUENTES DE LUZ Iluminar fondo Complementar lso esquemas anteriores con una cuarta fuente que mire directamente al fondo. Rellenará el fondo o las sombras que se producen. Conseguimos quemar un fondo blanco o teñirlo de color con gelatinas. - Doble contraluz - realzar ambos lados de su contorno, en vez de uno Utilizando diferentes propiedades de la luz, con un mismo esquema puede generar fotos muy distintas Efecto lateral: Ubicando luz principal y el efecto del mismo lado, orientando al sujeto hacia la luz, se consigue un efecto lateral. Efecto tienda: dos luces suaves de igual potencia, desde arriba y desde abajo, se consigue efecto high key que no deja sombras. BRAINSTORMING Lanzar ideas/palabras aisladas y luego buscar una conexión entre ellas. Estimular nuestra imaginación y encontrar ideas a desarrollar Proceso didáctico práctico a través del cual se busca incentivar la creatividad mental en torno a un tema específico - Proceso donde se busca un pensamiento rápido y espontáneo para verter las ideas de cada uno y relacionarlas con un tema. - Proceso colaborativo y creativo para reforzar el trabajo en equipo - Ayuda a democratizar la información y amplía la comunicación entre colaboradores. Dos tipos de brainstorming para fotografía 1. Partir de una idea clara Servirá para tomar notas, añadir detalles y planificar sesión. 2. Partir de cero Para decir que camino tomar. Anotar palabras que surjan en tu mente. Técnica del collage Crear moodboards o panel de inspiración. Cómo avanza el proceso… ➔ Escribir el concepto base y alrededor palabras relacionadas, sinónimos, significados, elementos que podrían acompañar la idea. ➔ A partir de las palabras puedes crear más notas alrededor. Usar colores según el nivel de información, subrayar conceptos claves, marcar algunas especiales. COLORES Amarillo: claridad, calidesz y optimismo, alegria Naranja: amistad, felicidad, confianza, diversión, vitalidad Rojo: juventud, valentía, emoción, pasión, peligro, acción Violeta: creatividad, sabiduría, imaginación, misterio, reflexión, fantasia Azul: confianza, fuerza, seguridad, serenidad Verde: paz, crecimiento, salud, naturaleza, frescura Gris: equilibrio, calma, neutral Blanco: inocencia, paz, pureza Negro: sofisticacion, muerte, eternidad Preguntas para guiarte en la toma de decisiones ¿Cuántas personas aparecen? ¿Qué tipos de planos quiero usar? ¿El modelo estará de pie o sentado? ¿La foto es en el interior o en el exterior? Bocetos y planeación Al terminar las notas, leer todo de nuevo y surgirán más ideas/ más claras. Crear un boceto esquemático para trasladar ahí las ideas que surgieron en el brainstorming. ○ Para evitar olvidar elementos clave de tu fotografía,. ○ Descubrir cómo se va formando la narrativa de la imagen. ○ Puedes añadir notas de las cosas a tomar en cuenta en el shooting ¿Para qué sirve la lluvia de ideas? ➔ Resolver un problema mediante estrategias creativas no solo refleja una mejora en tu proceso interno, sino también ayuda a generar una visión holística de un tema en particular. ➔ Al involucrar distintas áreas en la resolución de un problema, se logra brindar una solución que abarque un gran número de segmentos. ➔ La contribución de todas las áreas genera resultado que engloba varios puntos de vista, robusteciendo la propuesta. ➔ Al ser un proceso menos estructurado y rígido que otras herramientas didácticas, permite generar soluciones aplicables a los procesos o resultados. Para empezar se necesita: Plantear reglas - conocer el problema a resolver - ubicar el mejor espacio para la dinámica - elegir a los participantes - dejar salir tu creatividad. TÉCNICAS 1. Establecer objetivos - elegir metas medibles y definirlas 2. Define tu tiempo limite 3. Define tu grupo - colaboradors, 4. Elige un moderador - conductor que guíe la dinámica, encamina la dinámica hacia resultados tangibles ANÁLISIS SWOT Beneficios para tu organización. Ayuda a conocer las fortalezas que tus colaboradores ven. - Strength - Weakness - Opportunities - Threats Materiales didácticos - buscar generar impacto visual, acerca de elementos que despierten la creatividad en tus colaboradores. MOODBOARD Recortes - frases - telas - fotos - color - sentimientos - texturas - tipografías - objetos Panel de tendencias: herramienta visual que ayuda a plasmar una idea. Pueden ser interactivos e ir modificándose - analógicos o digitales. Se crean a partir de una investigación para tener una idea previa Formados por diferentes componentes pero en su conjunto forman una sola idea dando lugar a la estética y escénica. Collage hecho con estrategia, intención, como síntesis de ideas. Puede ser de inspiración, ambiente, materiales y mobiliario Un moodboard es una herramienta visual, como un collage estratégico que representan tus ideas, tu proyecto. Nos permite: - Aclarar nuestras ideas - Baja a papel o pantalla nuestra inspiración - Expresar nuestra creatividad - Descubrir nuestro estilo y definir una mezcla de estos - Comunicar ideas - Organizar ideas y definir conceptos VISUAL Y SENSORIAL LA SINÉCDOQUE EN LA FOTOGRAFÍA Es una licencia retórica mediante la cual se expresa la parte por el todo. Descripción de una sola parte o característica. def: “Designación de una cosa con el nombre de otra, aplicando a un todo el nombre de una de sus parte, o viceversa” Sinecdoque fotografica Debe mostrar dentro de la sinécdoque una parte de una imagen que comunique un entorno, una manifestación pequeña que habla de todo el elemento al que pertenece, mediante rasgos característicos que definen bien “el todo” o “el entorno” Podemos trascender el espacio físico de la fotografía mediante la sinécdoque. Figura mediante la cual podemos ampliar, connotar más allá de sus límites. Posibilidad de ampliar la historia mediante la sugestión. La imagen, la parte del todo, dejará abierta la posibilidad a la interpretación de la historia completa. PSICOLOGÍA GESTALT - en la composición fotográfica Segregación - proximidad. semejanza , cierre - continuidad- pregnancia - unidad Percepción visual Algunas imágenes nos llaman más la atención que otras, funcionan y otras no. ¿Cómo podemos mejorar nuestras fotos desde el punto de vista visual? ¿cómo las podemos hacer más interesantes? ¿Cómo podemos reforzar lo que estamos expresando con los medios visuales? Psicología de la forma/ de la configuración Percibimos la imagen como un todo y no la construimos a partir de sus diferentes partes. (no la vemos de ixq a der o de arriba a abajo) El todo es mayor que la suma de las partes. ¿Que es un todo? - Es mucho más que la información que nos llega a los sentidos. - Lo que vemos y lo que entendemos está definido por nuestra experiencia visual anterior, nuestra cultura visual. - Influye el contexto en el que vemos la imagen (exposicion, revista) - Depende del objetivo que tenemos al mirar la foto. - Tener la capacidad de utilizar el pensamiento visual. ¿Qué es Gestalt? - Del alemán, significa patrón, figura, forma o estructura unificada. - La psicología de gestalt busca darle sentido a cómo nuestras mentes perciben las cosas como un todo, en lugar de cada uno de los elementos. Principios fundamentales de la escuela de Gestalt EMERGENCIA + Proceso por el cual percibimos una imagen como un todo, de una sola vez, en lugar de percibir antes las distintas partes que la componen y que infieran luego la imagen en su totalidad. RIFICACIÓN + Aspecto constructivo o generativo de la percepción por el cual, gracias a la experiencia previa, a la hora de percibir un objeto la mente añade una mayot información espacial de la que realmente muestra la realidad percibida. PERCEPCIÓN MÚLTIPLE + La capacidad de poder darle una imagen dos o más interpretaciones. INVARIANCIA + Propiedad de la percepción por la cual los objetos geométricos simples son reconocidos independientemente de su movimiento de rotación, traslación y escala, , y otras variaciones, diferencias de iluminación, composición. Nos aportan: Composición - innovación - estilo - mirada propia - elemento sorpresa La ley de la pregnancia Principio de la buena forma, principio fundamental de la percepción, nuestra mente intenta ordenar las cosas de manera simétrica y simplificarlas para ahorrar esfuerzos. Las partes de una figura que indican una dirección forman con claridad unidades autónomas en el conjunto. Intentar hacer nuestras imágenes sencillas para facilitar la lectura. FACTOR DE PROXIMIDAD - Nuestra mente agrupa los elementos que se encuentran próximos entre sí, en nuestra percepción forman una unidad. FACTOR DE LA SEMEJANZA - Cuando los elementos son parecidos la mente los agrupa en una sola entidad. La semejanza se refiere al tamaño, color o forma de los objetos. Nuestra mente crea dos grupos por colores. FACTOR DEL CERRAMIENTO O DEL CIERRE - Las formas que no se encuentran completas, nuestra mente las intenta completar, , teniendo en cuenta a la ley de la pregnancias. Facto de la SIMETRÍA - Tenemos la tendencia a situar los objetos de una manera simétrica alrededor de un punto central. Es más fácil y agradable para los ojos agrupar los objetos parecidos creando simetrías Factor de la DIRECCIÓN COMÚN ➔ Los elementos de una imagen que van todos en la misma dirección se perciben como un todo. Y si aparece otro elemento que no sigue esta dirección se crea una tensión. Factor de la CONTINUIDAD ➔ Los elementos de un objeto/s que están bien alineados se perciben como un todo. Los detalles que mantiene un patrón o dirección tienden a agruparse juntos, como parte de una figura. Pasa lo mismo con los elementos continuos aunque estén interrumpidos entre sí. Factor de la RELACIÓN ENTRE LA FIGURA Y FONDO ➔ El cerebro no puede concebir un objeto como figura o fondo al mismo tiempo. La mente siempre intenta separarlo. Por eso en nuestra fotografía hay que evitar crear confusiones, a través del contraste tonal o enfoque-desenfoque. CLASE 3 FOTOGRAFÍA DE AUTOR Utiliza códigos de interpretación, de realización, de desarrollo y, por lo tanto, de valorización, más ricos que los códigos de la fotografía artística, más cercanos a los de la literatura y el cine. Tiene una amyot complejidad de valoración , de interpretación y de disfrute. Los proyectos de autor no son necesariamente amables, pero te trasladan a un universo emocional, como el cine. (historia áspera, negra, dolorosa, negativa) En cambio, la fotografía artística busca un formalismo más estético y de premio, más fácil de comprender. El fotógrafo tiene que acreditar un sentido crítico , es decir, ante determinado tema a tratar, acreditar con tu obra que tener una perspectiva de dicho tema y que no hable de los sujeto o hechos de la imágenes, sino que es proyecto hable de vos ante el mundo, deja clara tu posición ideológica, moral, política, sentimental y emocional. - Agarran la barrera de la subjetividad y la visión parcial. - Difícil de digerir para el espectador ENSAYO La fotografía de autor establece una narrativa visual orientada al ensayo fotográfico, aunque no obligatoria. Ya que cualquier obra se impregna de nuestras experiencia vitales, cultura visual y la formación que recibimos, condicionando nuestro trabajo fotográfico en cualquiera de las disciplinas que realicemos. Los ensayos difieren de otros formatos de la fotografía por su función principal: transmitir intencionadamente una sensación, sentimiento y concepto. - Lo Que prima es comunicar algo que invite a evocar un pensamiento y reflexión, ya no tiene porque ser bonita, por ende habrá muchos discursos, significantes, sentidos y afirmaciones de la misma foto. - Las capas de significación de cada imagen vendrán medidas por el propio ojo del que las resuelve visualmente. Ya no tiene porque ser bonita, sino que lo que prima es comunicar algo que invite a evocar un pensamiento/reflexión. “El producto más habitual de la fotografía de autor es el ensayo fotográfico, sea este publicado o expuesto. En el siglo XX, el periodismo fotográfico deriva de producciones por encargo y temas específicos a una de¡forma más artísticamente completa, donde el fotógrafo, con el objetivo de un libro o una exposición, produce una serie de obras con cierta coherencia estética, dejando totalmente la intención objetiva de la fotografía ya portando to su subjetividad” EL COLOR EN LA FOTOGRAFÍA El color comunica Uno de los principales elementos de composición ○ Puede transformar el aspecto de una imagen, capturar la atención del observador, guiar la mirada, crear conexiones.  Es la capacidad del ojo humano de percibir distintas longitudes de ondas. Cada longitud de nuestro cerebro se asocia a diferentes colores. Teoria del color El mejor modo de establecer un estado emocional y atraer la atención en tus fotos. Aspecto que nos ayuda a entender como algunos colores crean más impacto en una imagen. Cada color siempre responde a un arquetipo universal - interpretación de cada uno. Algunos colores tienen relevancia arquetípica y de consecuencia efectos psíquicos, emocionales, afectivos, interpretativos y expresivos. (colores de la naturaleza) PSICOLOGIA DEL COLOR Estudio de cómo puede afectar el color al comportamiento humano. Campo que afecta muchas disciplinas: el arte, el diseño. el marketing, la comunicación, la fotografía, la medicina, etc. 1. Los colores cálidos estimulan, mientras que los fríos relajan. 2. Vemos algunos colores más rápido que otros. 3. La presencia del color verde acelera la curación. 4. Una habitación roja la sentimos 10* mas calida y una azul 10* más fría. La conforman factores: universales, culturales, regionales, comunales e individuales. La edad, el sexo, el momento historico - influyen en como una oersona percibe o interactue frente a un color. Como fotógrafos hay que aprovechar esa baza para hacer que nuestras fotografías destaquen o comuniquen. TEORIA DEL COLOR. Conjunto de principios que sirven para elegir las mejores combinaciones de color. Esa relación armoniosa se representa de forma visual en el círculo cromático. ○ Colores cálidos - alegría, pasión, entusiasmo. ○ Colores fríos - relajación, éxito, profesionalidad. Según el RGB existen 3 tipos de colores: Primarios: rojo, amarillo y azul - no se pueden formar con ningun otro color. Secundarios: verde, naranja y violeta - surgen de la combinación de los colores primarios. Terciarios: amrillo verdoso, azul verdoso, azul violáceo, rojo violáceo, rojo anaranjado, amarillo anaranjado - surgen de la combinacion de los colores primarios y secundarios. Relaciones armoniosas Hacer caso a las combinaciones con una relación fija dentro del círculo cromático. 1. Esquema cuadrado 2. Complementarios: colores opuestos, generan contraste. 3. Triádica: tres colores equidistantes en el círculo, no tanto contraste, ofrece una buena armonía. 4. Análogos: a ambos lados de un color en el círculo que es el común denominador. 5. Tetrádica (doble complementaria): dos pares de colores complementarios. EL COLOR COMO HERRAMIENTA DE COMUNICACIÓN Para evocar una respuesta corporal, mental o emocional. Evocan estados de ánimo y provocan un impacto. Bueno para la publicidad, el marketing. En el cine se usan paletas determinadas para homogeneizar el estilo de un film y generar sensaciones. - Favorecer la inmersión dentro de la película y facilitar la comprensión del mensaje y del contexto. El color y la fotografía Cuando nacio la fotografia todo era blaco y negro - no se podia contar con el para construir sus composiciones. Se centraban en la luz, las líneas, texturas para que las fotos destaquen. Algunos empleaban el color por medio del coloreado manual. A partir de la película diapositiva en color (Kodachrome-1935)se abrió un mundo de posibilidades, posible una representación más realista de las escena, atraer la atención y agregar impacto. ¿Es capaz la cámara de captar todos los colores que ve el ojo humano? El SENSOR es el encargado de captar los fotones (partículas de luz) y de traducirlos en información, en formas y colores. Megapixeles y la calidad del sensor - capacidad de captar y traducir mejor o peor los colores. En la época analógica se lograba usando diferentes tipos de películas fotosensibles. El color no debe condicionarse y no debemos responsabilizarlo del éxito o fracaso de una obra, es un complemento más. La fórmula de una buena composición cromática es aquella en la que hay un color dominante y el resto de colores son compatibles con ese principal. El significado de los colores y su uso en fotografía Aprovechar la simbología para conmutar historias. ○ Colores cálidos - sensación de calor y efecto expansivo, avanza hacia el espectador, son activos y llaman más nuestra atención. ○ Colores fríos - frialdad, absorben la luz, crean un efecto regresivo, de alejamiento. COLORES PRIMARIOS - No se pueden obtener con la mezcla de otros colores - amarillo, azul, rojo. COLORES SECUNDARIOS - Mezcla de dos colores primarios - Cada pareja de primarios genera un secundario. - amarillo + rojo = naranja - amarillo + azil = verde - rojo + azul = violeta COLORES TERCIARIOS - Mezclando los colores secundarios con los primarios adyacentes. - amarillo + verde = verde amarillento…. LA LUMINOSIDAD Y SATURACIÓN Luminosidad: depende de la distancia de un color con el blaco. (amarillo es brillante y el violeta que esta mas cerca del negro es mas oscuro) El blanco puro refleja toda la luz y el negro la absorbe, la mezcla de estos nos da una escala de grises. Saturación: indica el grado de pureza de los colores, más puro mientras más se aleja del gris (que es un color acromático). Los colores espectrales (los del arco iris) son considerados puros ya que son producidos por mezclas y no tiene gris. CONTRASTE DE COLORES Cuando se advierten diferencias e intervalos entre dos efectos cromáticos. Contraste claro y oscuro: el principal es el b&w Contraste entre colores fríos y cálidos: mayor posibilidad expresiva. CLASE 5 ALBUM FAMILIAR Concepto: ★ Repercusiones en la formación de la personalidad del individuo. ★ Distintos usos y posibilidades. ★ Uso de la fotografía como objeto, en su uso doméstico y social fundamental para la construcción de la identidad individual y personal del individuo moderno que forma parte de la identidad colectiva familiar. ★ Es un espacio donde se desdibujan los límites entre el recuerdo, la invención y el olvido, las fronteras entre los familiares y lo que no lo es. ★ Se dilatan los márgenes entre lo individual y social, lo personal y lo histórico. ★ Se cuestiona el alcance del propio álbum como archivo y registro vital. Contemporáneo - plantea intervención sobre los límites e interviene, apropia, del archivo y hacerlo propio. - Muestra el pasado y su reflejo de cómo nos impacta en el presente - Identidad Es un sistema de archivo casero que discrimina - Las propuestas artísticas plantean una reflexión sobre los límites, los márgenes y las fronteras del álbum de familia y proyectan una mirada nostálgica sobre el archivo de fotos familiar como objeto y sobre su capacidad para construir un relato visual personalmente significativo. - Expone las vivencias de la familia, solo suele incluir la parte feliz, lo demás lo oculta, tanto personas como circunstancias - por este motivo EL ÁLBUM DE FAMILIA ES UN SISTEMA DE ARCHIVO CASERO QUE DISCRIMINA. - Historia oficial, de manera cronológica, se fijan valores en ella y una continuidad de estos. Códigos propios y ese modelo de valores moldean nuestra forma de ser y de vernos. Es un archivo, una colección de imágenes, una narración visual desde la que construir la identidad familiar. Herramienta de gestión de la memoria, nos proporciona elementos para interpretar y asimilar la existencia de nuestros ancestros y nos permite dejar un registro de vivencias transmisibles a los que nos suceden. También es un espacio para la desmemoria en el que se desdibuja los límites entre el recuerdo, la invención y el olvido. Lo familiar y lo que no es. Las fotografías nos muestran el pasado, pero lo que sentimos y hacemos con ellas tiene que ver con el presente. Es un proceso de construcción y reconstrucción de nosotros mismos. Fuente de informacion y comunicacion, hoy en día ha cambiado  Los márgenes y los límites se han movido y se reflejan en obras códigos propios: representar identidad, el ser o la presencia y la ausencia, lo visible y lo invisible. FOUND PHOTOGRAPHY Se basa en la recuperación y (posible exhibición) de fotografías perdidas, o reclamadas o descartadas. El “presentador” de las fotos no dispara la fotografía en si, no sabe nada del fotógrafo y en general tampoco del tema de ellas. el atractivo vien del misterio con respecto al fotógrafo y al tema Arte de objetos encontrados. Usa objetos encontrados para generar obras de arte. trata de la descontextualización del arte, de la forma o la forma de la obra de arte crea el significado en lugar del contexto. Línea entre el arte objeto encontrado y el collage debido a su relación entre forma y contexto (resignificación). Carece de la cualidad tridimensional del objeto encontrado, pero conserva la forma como significado. Requiere que el espectador participe activamente en la visualización para desenterrar el contexto como un significado que siempre estará limitado por sus orígenes desconocidos. CLASE 6 CLAVE ALTA Y CLAVE BAJA Herramienta para provocar algo en el espectador. Claves tonales Maneras de elaborar el tono general de una fotografía. Tono: la gana completa de grises (de blanco puro a negro intenso)o tonalidades que hya en una imagen. 3 tipos: clave alta, clave media y clave baja. Clave alta: - Predominan los tonos más claros. - No es una imagen sobreexpuesta - Histograma a la derecha - Sentimientos positivos, paz,felicidad, ternura. - Mucha luz - FOndo blanco - Diafragma lo más abierto posible. Clave baja: - Predominan los tonos más oscuros - No es una imagen subexpuesta - Histograma a la izquierda - Sentimiento de intriga y misterio, efecto drástico - FOndo negro, que no se refleje ninguna luz  - Cantidad mínima de luz distribuida de forma estratégica a partes de interés Tiene carga emocional RETRATOS DE FAMILIA La imagen como memoria Palabras claves - Tiempo - Memoria - Álbum familiar - Fotografía - Pintura Referentes pictóricos Los retratos de El Fayum - reproducen el aspecto físico con la mayot fidelización, con el objetivo de poder ser recordados póstumamente. Cualidades: cómo consigue que el espectador se centre en la expresión del rostro y en la profundidad de la mirada. Su objetivo era representar la inmortalidad de los retratados aportandoles gran viveza en sus caras. Características: sobre tableros de madera y a temple. Las personas retratadas en una pose casi frontal y se representa el rostro y parte de los hombros. RETRATO Identidad Fascinación por la capacidad de poder revivir la presencia de una persona, recuperando de algún modo reminiscencias del pasado a través de la memoria. Los retratos en miniatura: pequeños de carácter íntimo, con gran facilidad de transporte. Detallista. Se usaba en el ámbito privado como un obsequio, la imagen representaba sustituir de algún modo la ausencia del sujeto. El retrato como huella de memoria. Función: llevarlo encima, también puede tener un uso decorativo. El avance de la tecnología fue haciendo desaparecer este tipo de retratos. LA FAMILIA Uno de los elementos más importantes para el desarrollo y configuración de la propia identidad. ○ Nuestra identidad está vinculada con la familia y para eso necesitamos una memoria. Álbum familiar - conservación de la memoria doméstica, archivar historia de la familia. - Elemento de memoria èrsonal, forma legado familiar. (contenedor final de experiencias) Los artistas se apropian del concepto para desarrollar obras vinculadas a la memoria, familiar e identidad. POESÍA VISUAL ➔ Abarca varias partes en una: la escritura, la fotografía, la pintura o la escultura. ◆ Pueden dar forma a una idea o mensaje que se expresa apoyándose en la simbología de una metáfora que implica ingenio, implica tener creatividad. El arte plástico, las imágenes o formas pictóricas definen el poema y viceversa, híbrido visual. Ej: collage Es experimental, juguetona y creativa. Relación entre lo visual y las letras, se solapan hasta adquirir un resultado impactante, intimista e incluso oportunista. Solo topográfica: + Se usan letras para formar creaciones originales, que capten la atención, distribuyendo las letras de una manera determinada, dándole color a las que se quieran resaltar. Combina letras y dibujos: + No sólo las palabras son importantes, sino las propias imágenes, que suelen tener relación con las palabras. La que dibuja con letras (poesia visual más pura, ya que se basa en los caligramas) + Los caligramas que le dieron origen a la poesía visual. Combina letras y pintura: + Poesía visual entre imagen y palabras, entra en juego la pintura, creada para el conjunto visual o utilizando otra dándole ese toque poético. Combina letras y fotografía: + Se usan fotografías reales de objetos. Son más realistas e impactan más. Realiza un collage: - Un collage es un conjunto de fotografías que se colocan de una determinada manera para crear una composición. Junto con las palabras se pueden convertir en una forma de poesía visual. Poesía visual en video: - Corriente relativamente nueva, se basa en la animación para conseguir darle más consistencia a los diseños. COLLAGE Concepto Es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos en un todo unificado. Manipulando diversos materiales utilizados como materia prima y disponerlos sobre un espacio.  ○ A través de estos materiales se logra como resultado la creación de una composición original e imaginativa. Origen China pero luego se convierte en una práctica artística de relevancia. Es parte de las expresiones más significativas del siglo xx y su importancia se aprecia en expresiones posteriores. Collage creativo - brainstorming de ideas. 1. Superposición de recortes o fotografía: realizar una composición con ellos. 2. Diarios 3. Transforma la realidad: crear y transformar la realidad a través del collage. Combinar imágenes de época con actuales o recortes que no tengan conexión. 4. Crear figuras con objetos: cara con botones. 5. Combina la realidad con fantasía: Así como guardamos recortes es importante aprender a coleccionar nuestras referencias. CLASE 7 LIBRO DE ARTISTA Es una obra de arte, realizada mayormente por artistas plásticos. Es una forma de expresión, simbiosis de posibles combinaciones de distintos lenguajes y sistemas de comunicación. Un soporte más, un lienzo pero con posibilidades más amplias: el juego con el tiempo (al poder pasar sus páginas, retroceder), la posibilidad de unión entre la pintura, la escultura, la poesía experimental, las artes aplicadas, el libro de edición normal. Todas estas combinaciones proporcionan un sentido lúdico y participativo a la obra, el libro de artista se puede ver, tocar, oler, hojear, manipular y sentir.lm Carácter interdisciplinario (usar distintos soportes, materiales, técnica) permite ser el libro de artista el medio de expresión de cualquier movimiento del arte contemporáneo. Libertad creativa. TIPOS Libro de ejemplar único: + Obra de un solo ejemplar normalmente firmado por el autor + Podría subdividirse en: - Libro de artista original: estructura similar a la de algunos soportes tradicionales literarios. Obra plástica única por cualquier procedimiento. - Libro objeto: vocación tridimensional, contemplándose como una totalidad en su forma. - Libro-montaje: situadas en un espacio, actúan sobre él o sus dimensiones tridimensionales sobrepasan el formato tradicional del libro, condicionando al espectador en su relación con el entorno. - Libro reciclado: parte de un libro de edición normalizada, el artista manipula este hasta convertirlo en una obra propia. Libro seriado: + Artista plástico usa las más diversas técnicas de reproducción (serigrafía, aguafuerte, impresoras), pero siempre manipuladas por él. + O edición del libro por una editorial especializada en libros de artista. Esta debería estar pensada, diseñada por el artista mismo, quedando la editorial encargada de poner los medios para la reproducción exacta. Libro de artista /> libro de bibliografía La edición de bibliografía a cargo del editor en cuanto a la decisión temática, formato, materiales, etc. Clasificación según su contenido, el movimiento al que pertenecen, el destino al que están realizados o materiales empleados - libro de viaje, conceptuales, minimalistas, móviles, constructivistas, etc. Creada por un artista visual e implica que la obra mantenga alguna conexión de ideas. Dependerá de lo que quiera reflejar el artista. Objetivos: Democratización del arte y protagonizar cambios sociales. Predomina la imagen sobre el texto, se conjugan. El propio artista diseña, piensa y desarrolla el proyecto /libro de arte. - Variedad de materiales y elementos (no solo papel como un libro tradicional). - Técnicas numerosas, dan libertad e independencia (pintura, serigrafía, aguafuerte). - Forma de expresión artística visual y conceptual. Se inspiran en la estructura de un libro. - Requiere ser manipulado para su observación y lectura. - Es una obra de arte. Producto de entender lo artístico como un instrumento de análisis, una nueva conciencia de uso del arte y de una crítica a este como negocio. + Reinterpretan la concepción tradicional del libro a partir del cruce de lenguajes y formas + Puede o no parecerse a un libro. + No necesariamente pensado para ser leído. No precisa de lectores sino de espectadores activos. + Tiene su propia temporalidad. No marca la cantidad de palabras. + No tiene una función cont cierta, nos impulsa a inventar nuestra propia forma de hacer algo con él. Capta nuestra atención cuando desafía nuestros límites de los sentidos. ENSAYO FOTOGRÁFICO Contar una historia Forma de hacer fotografía que incluye generalmente algo de protesta social o poesía. Concepto Es un grupo de fotografías realizadas con la intención de mostrar la visión del autor acerca de un tema de su interés y del que tiene una opinión que quiere transmitir buscando una coherencia estética a la hora de exponerlo. Cuando con una sola imagen no logras transmitir todo lo que te gustaría. El hilo de una historia Forma evidente de realizar fotografía narrativa. Trata de tomar fotografías que lleven el hilo de una historia. Deben seguir algún tipo de secuencia, la más común es cronológica. ○ Diferentes tipos de hilos generan diferentes tipos de reacciones y percepciones en el espectador. Es una herramienta para contar una vida o historia. Puede incluir descripciones bajo cada imagen (accion, emocion, pensamiento). Los ensayos sin escritura requieren más contemplación. Ensayo fotografico /> fotografia narrativa La fotografía narrativa puede presentarse en forma de ensayo: el ensayo rara vez no es narrativo. Pero cuando queremos plasmar toda una idea en un solo encuadre se complica. Los ensayos requieren más tiempo, recursos, energía, ya que implica realizar varias fotos de un proceso. Tema Interesante y posible de contar con imágenes. Accesible y realizable. Si no tienes tema, buscalo a ver que encuentras en la calle, juega con tu bagaje cultural, emociones, realidad, etc. Ayudas a elegir tema Luz, iluminación, ritmos, texturas, retratos, color, protestas, vida, soledad, alegría. Motivaciones: dejarse sorprender por el tema, pensarlo en el momento. Cantidad de fotos que lo integran - toma de decisiones Con 4 o 6 es suficiente - seleccionar. Preproducción y producción Pensar y preparar elementos para las tomas nos evita inconvenientes Investigación previa ○ Imagen mental de lo querés lograr y pensar los elementos necesarios para ella (trípode, fondo, luces, modelos) Edición  ○ Ya debes tener una idea a esta altura de como queres mostrar las imágenes (monocromo, alto contraste, suave) ○ Lo que solemos decidir para una sola foto, ahora lo debemos pensar de manera coherente a todo el conjunto. Cronograma, fechas ➔ Elegí entre un enfoque temático o narrativo. Cual es la mejor forma de abordar el tema. Esto nos permite considerar tomas específicas a partir de las necesidades. ◆ Temáticos - observan el panorama general del tema y muestran ejemplos específicos ◆ Narrativos - cuenta una historia con un principio, un medio y un fin. ➔ Cada imagen debe añadir algo nuevo. Organizar la sesión de fotos Pedir permiso a las personas fotografiadas y a los lugares Consejos 1. Elegir un buentema 2. Elegir protagonistas adecuadamente Conceptos claros - Te enseña a delimitar las acciones en los encuadres y a componer de forma significativa para mostrar una historia. - Para comprobar si has tenido éxito, ponele nombre. Se conceptualiza mejor y el espectador entiende más tu punto de vista. - Paciencia y planificación. Storytelling - estrategia narrativa en el fotoensayo y las diferencias entre sujeto y tema. Dos grandes ejes: sujeto y tema Sujeto: que o quien ○ protagonista principal, el centro de la historia. ○ constituye el vínculo con el tema. ○ vehículo desde el cual se reflexiona un tema. Tema: ○ es el asunto que sirve como base para explorar una situación en la que se encuentra el protagonista ○ idea principal o significado subyacente ○ fotógrafo expone su punto de vista sobre el. ○ tema principal convive con temas secundarios ○ idea acerca de la cual se reflexiona y opina: puede incluir mensaje o moraleja Mensaje ○ que se desea transmitir, comunicar al mundo Conexión entre sujeto y tema La narrativa Vehiculo de opinión visual Herramienta  Estrategia No es obligatorio en el foto ensayo pero da un resultado efectivo Punto de vista Para que avance la historia se necesita un problema, una trama, cuanto más grande el conflicto, más poderosa es la resolución. La opinión constituye la esencia del foto ensayo, la narrativa es efectiva para acercarse al público. Trama ➔ Conjunto de eventos y acciones que determinan y cambian el rumbo de una narración. ➔ Ilación, conecta eventos, situaciones, sujeto y consecuencias. El conflicto ➔ Choque de intereses, con el mundo exterior o emocional, interno, personal. Mapa narrativo Acto 1: situación presente, crisi, decisión Acto 2: acción, ruina Acto 3: conflicto, resolution. Objetivos: lo que quiere lograr Externos: lo que le mundo espera Internos: lo que él realmente quiere Tema Sujeto: protagonista Cualidades que lo vuelven único Defectos, conflictos internos Conflicto: lo que se opone Pitch Discurso mínimo, frase concisa y breve. Conseguir involucrar a otros Que trata el proyecto, que opinión desea expresar, cuál es su sujeto y que tema explorara. FOTOGRAFIA CONTEMPORANEA ➔ Conjunto de fotografías realizadas desde la década de 1980 hasta hoy. 1839 a 1920: fotografia antigua 1920 a 1980: fotografía moderna 1980 a hoy: fotografía contemporánea ➔ Adquiere el estatus de arte en su totalidad. Arte como medio de expresión.  ➔ Ofrece nuevas posibilidades a los artistas ➔ Nuevos conceptos ◆ La distorsión ◆ El fotomontaje ◆ La polaroid ◆ Nuevos materiales ◆ La renovación estilística ◆ Las artes tecnológicas VIDEOARTE ➔ Concepto que no forma parte del diccionario ➔ Es un movimiento que se empezó a desarrollar en la de ➔ cada de 1960 ➔ Consiste en crear manifestaciones artísticas ,mediante sonidos e imágenes en movimiento. Se puede registrar o plasmar de diferentes maneras (distintos soportes, dvd, youtube, performances en vivo) Complejo definir o acotar su alcance, se puede manifestar de múltiples maneras. ○ Contar o no con diálogos, actores, usar grabaciones, música en vivo Característica principal - USO DE IMÁGENES EN MOVIMIENTO Y DE AUDIO SESROREAL Origen - Vinculado a la intención de hallar una aplicación artística o estética de los medios de comunicación. Que la tv hubiera imágenes dispuestas por el artista, no solo noticias, eventos… Puede no tener narración No se propone contar una historia, sino transmitir un concepto o generar sensaciones. ○ Por eso, más allá de que sus características formales se acerquen al cine experimental, se lo suele asociar más a la pintura y a la fotografía - por su intención. Para comprenderlo Contextualizarse: la irrupción de la tecnología en el mundo del arte siempre se caracterizó por ser polémica y controversial. Cuando los artistas se adueñaron de los medios de producción de masas para grabar con libertad, surgieron las primeras piezas de videoarte (muchas veces dirigidas a los medios masivos de comunicación) Evolución de la mano con la sofisticación de la tecnología, fue integrando nuevos formatos. Comenzó a hacer equipo con otras disciplinas artísticas (danza, escultura, poesía, pintura)y se multiplicaron sus posibilidades. Características Explota y explora un concepto o transmite sensaciones de manera creativa dejando de lado lo que se considera visualmente correcto. Va en contra de las reglas típicas en lo audiovisual (ruptura cronológica, metáfora, repetición) Multidisciplinario FOTOLIBRO El libro es un medio de comunicación ○ Activa la lectura ○ Aumenta la experiencia ○ Puede ser una obra de arte ○ El libro articula imágenes ○ Comunica el autor con el lector ○ Se activa cuando se lee - sin lector está incompleto Elementos básicos: FORMATO y ESPACIO EN BLANCO ○ Ordena el contenido y o hace expresivo TIEMPO ○ Las páginas forman secuencias de imágenes ○ Su lógica es la continuidad ○ Pasado, presente y futuro Las imágenes forman un relato ○ Una sucesión de estímulos ordenados Tiempo + espacio = RITMO - Juega con llenos y vacíos - Disposición y tamaño - Empieza a sonar - se transforma en MÚSICA. Las páginas - enfrentan elementos - generan nuevas imagenes - crean relaciones, modifican significado, procesan recursos y materiales - lograr EXPRESIÓN Y RELATO - Transformar el trabajo en FOTOLIBRO Un objeto valioso Una historia que interesa, cuenta, agita, enseña, abre, cuestiona Unión con otras disciplinas La tensión narrativa genera interés visual Lenguaje NO LINEAL Capacidad de crear sensaciones y resonancias en lectores El vacío es imagen Tensión Conecta presente con el pasado cercano Recuperar la materialidad imperfecta de las imágenes Espacio íntimo capaz de crear intimidad Libro: campo de debate, ruptura, puesta en escena, aparición de voces, formas, materialidades y modos de circulación. Espacio expositivo, archivo y performance. Mediante imágenes se establece una narrativa visual con la finalidad de contar una historia, referirse a una sensación y diseccionar un tema. Mostrar trabajo y también experimentar y hacer uso de la creatividad. Las imágenes son el texto Cualidades narrativas El orden de las imágenes genera una sensación que introduce el concepto de tiempo con sólo pasar las páginas. Retorica visual Añade complejidad al relato Hace uso de símbolos para introducir conceptos que son más difíciles de visualizar y fotografías La narración no lineal Permite codificar mensajes más complejos que necesitan que el lector se esfuerce en comprender Un fotolibro no es un álbum de fotos familiar o un libro de fotografía porque, además de fotos tiene una narrativa visual que busca contar una historia a traves de imagenes.ç La estructura, el diseño y las fotografías evocan un sentimiento intencionado por el editor y fotografía, dando como resultado una obra de arte. No hay una sola manera de entender el fotolibro. Se trata de explorar las posibilidades. Es un espacio para experimentar y fabricar una narrativa a través de fotos. Pautas a tener en cuenta 1. Pensa en que queres contar: historia, tema central 2. Hilo conductor: ordenada para identificar los momentos claves (inicio, desarrollo y final) 3. Hace capítulos: para presentar varios temas 4. Escoge las imágenes: deben tener relación entre sí Ofrece una mirada auténtica y propia Es importante que haya una contundencia en la narrativa, la claridad y la economía de las imágenes para apuntar a lo que está buscando el autor. FOTOGRAFÍA DE AUTOR La firma, marca, autoría, impronta propia de cada autor. Cuestiones de iluminación, color, analógico. Busca interpelar al espectador, que le genere algo. Ensayo fotográfico: no es tan importante el tema pero si la autoria propia sobre ese tema. Suele tener entre 10 y 15 y 3 fotos principales. Cuando una foto no alcanza, fotografía narrativa, cercanía al audiovisual. Fotolibro: posterior al ensayo, hay una narrativa, plantear una pregunta, se exhibe como una obra de arte, imagen como palabra, juega con los tiempos, narrativa no lineal, va y viene en el tiempo, imágenes con coherencia. Libro de artista: objeto único, exhibido como obra de arte, viene de las artes plásticas.