Escultura Renacimiento Cinquecento PDF

Verrocchio desarrolla en esta obra una nueva poética a la hora de definir la jefatura del general o la idealización del jefe, ya que presenta a un guerrero con sus atributos: (yelmo, lanza, etc.) El Colleoni, de colosales proporciones, es un personaje rígido que, apoyado en sus estribos, se...

Verrocchio desarrolla en esta obra una nueva poética a la hora de definir la jefatura del general o la idealización del jefe, ya que presenta a un guerrero con sus atributos: (yelmo, lanza, etc.) El Colleoni, de colosales proporciones, es un personaje rígido que, apoyado en sus estribos, se encarama erguido sobre la silla de su caballo. Verrocchio idealiza la figura del condottiero a través de tres elementos: las colosales proporciones, los En 1475 el Condottiero (Comandante) Bartolomeo Colleoni símbolos militares y la actitud de dominio sobre el entorno. Arte Renacentista La obra está hecha en bronce, mediante la técnica del vaciado, (Utilizada en el renacimiento). El naturalismo típico del Renacimiento es en esta obra muy evidente, tanto en el caballo, al que intenta dotarse de un gran parecido con la realidad, con una musculatura muy bien trabajada, marcándose los tendones y captando muy bien el movimiento, gracias al gesto de levantar la pata, que Donatello no había podido realizar en su Gatamallata. El condotiero presenta un naturalismo idealizado, al mostrar una imagen ideal del guerrero, sino bello, sí fuerte y arrogante en el gesto Arte Renacentista Arte Renacentista El Cinquecento o pleno Renacimiento se desarrolló a lo largo del siglo XVI con características diferentes en cada una de las dos mitades del siglo, dominando el clasicismo en la primera y el manierismo en la segunda. Supuso el triunfo de las experiencias del Quattrocento. Una de sus características principales es el gusto por la grandiosidad monumental, teniendo siempre presente el hallazgo del Laocoonte y sus hijos clásico, descubierto en 1506. Mientras los artistas del Quattrocento crearon escuela en Florencia, los artistas del Cinquecento crearon sus obras y desarrollaron su arte principalmente en la ciudad de Roma, que pasó a ser el centro artístico del nuevo siglo. Arte Renacentista  Se busca u n a comparación directa con la naturaleza Nueva intensidad d e los Estilo figurativo, sentimientos elocuente y Características enfático de la escultura del Cinquecento Movimiento Con violencia o Super hombres serenidad (formas heroicas e En posturas idealizadas) sobrehumanas Arte Renacentista Miguel Ángel Buonarotti (1475- 1564) es, sin duda, el genio máximo de la escultura, arte que consideraba el suyo, aunque cultivara también la pintura y la arquitectura. Su calidad excepcional, su amplitud de concepción, casi gigantesca, y su extraordinaria sabiduría frente a las formas del cuerpo y las complejidades del espíritu, hacen de Miguel Ángel el prototipo universal del escultor, capaz de expresar en mármol cualquier concepto, idea o propósito, aun el más complejo. En su tiempo fue ya casi divinizado y sus obras, incluso las inacabadas, han sido durante siglos, modelos fervorosamente estudiados. Florentino de nacimiento y de educación, discípulo de Bertoldo de Giovanni, que a su vez lo había sido de Donatello, inicia su formación en la línea donateliana, consiguiendo en la Madonna de la Escalera (1491) un exquisito relieve de carácter pictórico. Un viaje a Bolonia le pone en contacto con las obras de Jacopo della Quercia lo cual marcará fuertemente su estilo futuro, y una estancia en Roma enriquece definitivamente su concepto grandioso de la forma, en contacto con las colecciones de mármoles romanos, mucho más ricas y variadas que las mediceas. Arte Renacentista  Lorenzo el Magnífico lo toma bajo su protección y lo introduce en su círculo neoplatónico de filósofos y escritores. La fundamentación de su cultura es neoplatónica pero se une a una intensa vida Principales religiosa. mecenas: Médicis (Florencia) y Papado Autodidacta y solitario. (Roma). Es arquitecto, pintor y Madonna de la Escalera sobre todo escultor. Gran conocimiento y dominio sobre la piedra, va a las canteras de Carrara para seleccionar su material. “Yo sólo quito lo que sobra, la estatua ya está ahí”. Pero su lucha (materia y forma) es agotadora. Arte Renacentista  Fue capaz de plasmar en sus esculturas todo tipo de sentimientos, que derivaron La “terribilitá”, el carácter en poderosas figuras terrible, amenazador, de sus completamente gigantes que adoptan gestos manieristas. dramáticos, es una característica fundamental de su obra, sin importar la Prototipo de temática. escultor de todos los tiempos Estudia los Para realizar sus obras problemas de utiliza casi siempre mármol movimiento y blanco de Carrara, por composición, así estimar que este noble como la anatomía material es el más humana. adecuado para acercarse a la belleza que siempre Sus figuras encierran un buscaba movimiento en potencia que se convertirá en acto al llegar la generación del barroco. Arte Renacentista En Miguel Ángel el Arte es síntesis: el arte lo abarca todo, por lo que se verá obligado a mantener una constante búsqueda de valores plásticos, de sentimientos interiores y de lucha por la salvación. Entre 1489 y 1492, estudia escultura en el “Jardín de los Médicis”, en contacto directo con los mármoles antiguos que la familia había reunido, Lorenzo de Médicis le acoge como a un hijo. Resultado de esta estancia es la vinculación aprende las leyes de la anatomía a través de la escultura de los clásicos y a través de la investigación directa del cuerpo humano: sabemos que disecciona cuerpos y colecciona una serie de dibujos de modelos que tratan de captar los secretos de la figura humana. Arte Renacentista La Virgen de la Escalera (55x40cm.) Obra en mármol. Superpone planos de diferente grosor para conseguir una gran perspectiva, pero prácticamente no hay relieve: las figuras aparecen más dibujadas que modeladas. Jesús, María y San Juan parece que emergen del bloque marmóreo. La figura de la virgen muestra una gran serenidad. Arte Renacentista  Miguel Ángel. Virgen de la escalera. Una de las ideas claves de Miguel Ángel es que Tema religioso se asocia no le interesa la relación entre figuras y espacio con simbología e ideas neoplatónicas sino formas en sí mismas en cuanto (subida al mundo superior) elementos volumétricos. a) Virgen como b) Asociación de la Concepción neoplatónica Ángeles mediadora para Virgen y la iglesia de subida de peldaños que suben y bajan ascender al cielo hacia la virtud o de la según pasaje del belleza sensible a la Sueño de Jacob c) Iglesia asociada al cubo inteligible. (Génesis) ( Jerusalén cuadrada del Apocalipsis) y símbolo de estabilidad. Al no interesarle el espacio, Destaca monumentalidad de la Madonna, no hay un desarrollo en realizada con contornos sencillos, perspectiva (las escaleras apenas desarrollada en un espacio esbozan profundidad) estrecho (enmarcada por escalera y cubo) donde se acumulan Técnica del shiacciato los elementos Contorsión muy exagerada Ondulados pliegues crean del niño. Está ya preanunciando ritmo vibrante por el cuerpo las líneas serpentinatas que surgirán en sus obras de madurez y el desarrollo Manos anchas y carnosas. de figuras retorcidas en planos virtuales Desarrollará más adelante cúbicos muy estrechos. un modelo de mujer de proporciones amplias Este relieve sobre mármol lo y musculosas realizó con 16 años Arte Renacentista - Su primera etapa corresponde al Clasicismo (Alto Renacimiento) entre 1490-1505. - Búsqueda de la belleza ideal de la forma (recoge clasicismo griego e investigaciones de Donatello). - Temas: básicamente religiosos, pero empiezan a cobrar importancia los retratos, los temas mitológicos y los alegóricos. - Llega a un perfecto equilibrio entre la forma y el contenido, armonizando la Antigüedad clásica pagana con el cristianismo (neoplatonismo). - Sus esculturas serenas y majestuosas, con amplios ropajes y robustas anatomías, suelen presentar un perfecto pulimento (acabado del mármol). - Las composiciones son simples, reducidas a esquemas geométricos, generalmente el piramidal. - Busca la perfección anatómica y la belleza ideal. - El movimiento es pausado y contenido. Arte Renacentista Su segunda etapa (1505-1534) es la de su madurez, en la que se inicia la disolución del ideal estético del Alto Renacimiento y el inicio del manierismo. - Pintura: acepta el encargo de Julio II de pintar la bóveda de la Capilla Sixtina, 1508- 1512. - Escultura: 1512: esculturas para el sepulcro de Julio II. Realiza El Moisés y los Esclavos. - Arquitectura: La sala y vestíbulo de la Biblioteca Laurenziana (1524-1527). Arte Renacentista Su tercer y último periodo (1534-1564): se consuma la ruptura con el clasicismo. Su arte se desliga de la concepción de armonía y belleza y se hace cada vez más expresión de una idea, entrando de lleno en el Manierismo. - Tiene contactos con círculos reformistas católicos y su inquietud espiritual le llevan a una grave crisis. - Pintura: El Juicio Final, en el ábside de la Capilla Sixtina. 1534 - Escultura: Piedad de Florencia (1550)y Piedad Rondanini (1554) - Arquitectura: Plaza del Capitolio(1546), Cúpula de la Basílica de San Pedro (1547-1564). Arte Renacentista  Esta obra de 1490-94 puede ilustrar la imagen de la batalla de los Lapitas con los Centauros. Se trataría de un ensayo con el que Miguel Ángel mostraba que compartía las preocupaciones artísticas de los artistas innovadores de su época. La unidad global se consigue mediante el entrelazamiento de todas las figuras, armoniosamente dispuestas en tensión física. El relieve resultaría difícilmente legible si las figuras estuvieran vestidas; necesitamos poder reconocer un brazo en tensión, más allá un torso La Batalla entre los Lapitas y los centauros. crispado en el esfuerzo de la Relieve, bloque de mármol blanco de Carrara, lucha, el perfil de una caída 90 x 90 cm. Bloque cuadrado de mármol 1490-94 de 90x90 cm. Arte Renacentista  Ángel con candelabro San Doménico, Bolonia San Petronio San Próculo San Doménico, Bolonia San Doménico, Bolonia Arte Renacentista  Sátiro: instinto irracionalidad, bestialidad Racimo de uva: vida, sensualidad Piel de león: decadencia, muerte Baco, 203 cm. 1496-98 Bargello (Florencia) Arte Renacentista  En las obras de juventud Miguel Ángel. respeta el ideal de belleza Temática mitológica Baco. dios Báco con Sátiro basado en la proporción de las partes, pero consiguiendo (se inspiró en la a partir de modulaciones estatua helenística geométricas las movimientos del Apolo de Belvedere) y gestos humanos Con su mano adelantada y el cuerpo girado ha sido concebida Sutil equilibrio entre para ser rodeada, abandonando estudio anatómico y la disposición frontal formas algo blandas que refuerzan carácter andrógino de figura. Ritmo ondulante: rodillas hacia delante, tronco hacia atrás y El volumen presenta cabeza levemente caída hacia líneas fluidas y superficies delante muy pulimentadas sobre las que resbala la luz Contrapposto pero algo desequilibrado: pie derecho levantado con la Sátiro, construido pierna en movimiento y pie izquierdo a base de formas inseguramente asentado con cierta angulosas desviación Arte Renacentista Miguel Ángel: La Piedad 1498-1499, La figura está llena de contrastes de Mármol, 1.74 m de altura y 1.95 m de luz y sombra, de llenos y vacíos, de base. perfectos acabados (pulido del mármol. El cadáver de Cristo está en brazos de María, descansa sobre sus rodillas dobladas transmitiendo una sensación de pesadez, como si estuviera dormido. María es una figura llena de juventud, que contrasta con la mayor edad de su hijo, lo que quizá pueda ser interpretado como un recurso formal para hablarnos de la “niñez de Cristo”, o, quizá, queriendo indicar la pureza inmaculada. “La madre tenía que ser más joven que el Hijo, para demostrarse eternamente Virgen; mientras que el Hijo, incorporado a nuestra naturaleza humana, debía aparecer como otro hombre cualquiera en sus despojos mortales. El conjunto está concebido como una estructura piramidal que se cierra con la caída oblicua del brazo de Jesús. Se agranda el volumen y amplitud de las piernas para poder acoger la figura de Jesús. Arte Renacentista En Roma labra la Piedad del Vaticano (1495) soberbia obra de perfecto equilibrio entre una concepción monumental, de volúmenes puros y cerrados, y un acabado refinadísimo y delicado. Sorprende la extremada juventud de la Virgen en la que quiso, sin duda, expresar no la Virgen real, madre doliente y madura, sino la Virginidad eterna y sin edad. Arte Renacentista  Temática religiosa con elementos simbólicos La obra encargada por el embajador francés tiene Idea neoplatónica de El tema gótico del norte representar virginidad de un trasfondo ideológico: La Virgen=Iglesia romana de Europa de la madre destrozada sobre la roca del Gólgota se convierte en legítima María con rostro joven por el dolor se transforma en la heredera y el monarca galo Carlos VIII está dispuesto a apoyar al Papado actitud serena de la Virgen y el aspecto de estar dormido de Jesús Para expresar el orgullo por su obra, el autor cinceló su nombre Composición cerrada inscrita en en la cinta que cae del hombro triángulo equilátero (cumple de la Virgen con principios racionales y de simetría del Renacimiento) Desnudez de Cristo frente a profundos y plegados ropajes de la Virgen, Equilibrios de rostros: Contrastes hacia delante y hacia atrás Liviandad de Jesús que 1`75 m. apenas apoya un pie y amplia base de sustentación de la Madre Desarticulación del cuerpo mediante zig-zags Obra brillante y pulimentada para que resbale la luz, pero sin dorados Cristo realizado a menor Miguel Ángel Piedad del Vaticano. escala para que no sobresalga (para disimular cuerpo amplio de virgen su cabeza es más pequeña) Arte Renacentista Análisis técnico FORMA: Escultura en bulto redondo. 4,34 metros de altura. MÉTODO: Obra realizada sobre mármol, mediante cincel. Para su realización Miguel Ángel recibió un bloque de mármol, estrecho y muy alto, que llevaba abandonado muchos años en la catedral de Florencia. DESCRIPCIÓN GENERAL: El David de Miguel Ángel representa a gran tamaño a este rey bíblico, al estilo clásico: completamente desnudo y como atleta, que porta en su mano izquierda una honda (apoyada sobre su hombro) y, en la derecha, una piedra. Son claramente apreciables los rasgos del rostro, el cabello rizado, la musculatura y el contrapposto de la figura. Arte Renacentista Análisis simbólico Miguel Ángel representa al rey David como atleta, pero no como joven atleta, sino como un hombre en la plenitud de su vida. El artista eligió, como motivo para la obra, el momento previo al enfrentamiento de David con el gigante Goliat (cuya cabeza no aparece derrotada a sus pies, como era usual en otras representaciones). Por ello, el aspecto contenido y expectante que nos muestra la figura, con los rasgos típicos de un luchador que se apresta al combate. Esa expectación se traduce en la mirada, enormemente penetrante, y se expresa también mediante la tensión corporal: la musculatura (e incluso los tendones y las venas) son claramente perceptibles. En definitiva, podemos hablar de un movimiento claramente contenido, que se convierte en pura tensión corporal. Arte Renacentista Análisis simbólico Además, para que la tensión no pueda confundirse con un absoluto equilibrio, Miguel Ángel emplea el contrapposto y aumenta los volúmenes de ciertas partes del cuerpo, que vienen a simbolizar la fortaleza (no sólo ni mayormente física) del rey David. Tales rasgos son claramente perceptibles en el tamaño de la cabeza (cuyo canon corresponde a 1/8 del total del cuerpo) y en la potencia y tamaño de la mano derecha, que sujeta la piedra, arma que el rey empleará para derrotar a Goliat. Todo ello conduce al concepto de terribilitá que caracteriza otras obras del autor. Todos estos rasgos convierten a la figura escultórica del rey David en un símbolo de la libertad, y representan a la perfección los ideales renacentistas de belleza masculina. Arte Renacentista Arte Renacentista Análisis sociológico El David fue encargado a Miguel Ángel, originariamente, por los canónigos de la catedral de Florencia (lugar donde se encontraba el bloque de mármol en el que se talló la obra). pero, una vez concluida ésta, y a la vista del resultado, el gremio de mercaderes de lana de la ciudad decidió adquirirla para situarla frente al Palacio de la Señoría, sede del gobierno de la ciudad, en la plaza del mismo nombre, de manera que sirviese como una clara representación de la libertad de la república florentina. En este sentido, la escultura es fiel reflejo de la mentalidad existente en Florencia, ciudad en la que los planteamientos de la burguesía dedicada al comercio y la banca se encontraban ampliamente extendidos. Arte Renacentista OTRAS CUESTIONES Miguel Ángel concluye la elaboración de esta escultura en 1504, cuando contaba 29 años de edad. Unos años antes había ya realizado la Piedad del Vaticano, en la que los rasgos de la terribilitá no son aún perceptibles. En este sentido, el David precede a la realización de las obras de la tumba del Papa Julio II y, de manera especial, a la escultura de Moisés, en la que tales rasgos son aún más destacados Arte Renacentista Con esta obra Miguel Ángel rompe con el Clasicismo, al La expresión de la escultura colocar dos miembros del es estudiando a su rival, mismo lado en movimiento máxima concentración, preparando las fuerzas para el asalto. Para modelar la estatua, Miguel Ángel utiliza un gran bloque de No representa la acción, mármol de cual hace emerger sino la intención la forma como agua vertida de un jarrón. La figura es tallada de Se representa el forma musculosa, la gusto por el máxima expresión del desnudo, propio de naturalismo florentino. los antiguos el cual caracteriza a este Con esta obra Miguel Ángel período. también anuncia su sentido de grandiosidad, resuelta a veces con el súbito agigantamiento de algunas partes respecto al todo: La estatua ya está en el bloque pies, manos, dedos, etc. de mármol yo solo quito lo que sobra Miguel Ángel Arte Renacentista  OTROS DETALLES David representará los ideales republicanos, por lo que al final, en lugar de en la catedral, se Musculatura vigorosa, Giro de cabeza colocó ante la entrada del palacio de rostro concentrado y elementos rompe frontalidad la Signoria contrapuestos reflejan fuerza y dinamismo en potencia Contraposición de El bloque de mármol muy alto tamaño desproporcionado 4`35 m. y estrecho planteaba problemas del brazo caído y pequeño técnicos para su ejecución del doblado Exaltación de la En torno a un eje (cabeza- fuerza física como pie derecho) los miembros “virtus” fusionada con del cuerpo cierran la belleza y formas clásicas composición en actitudes contrapuestas, en zig-zag Tema religioso presentado como Profundidad de figura desnudo anatómico Frente no supera anchura Miguel Ángel. Va abandonando contrapposto Pies excesivamente David clásico: brazos muy tensionados, grandes piernas demasiado abiertas. Arte Renacentista Virgen de Brujas: es la primera vez que un escultor aborda el bloque de mármol desde su cara estrecha, por lo que la estatua es más profunda que ancha, característica que se repetirá en su obra y será peculiar de su estilo. El Niño aparece como el plano frontal y la mirada se inscribe en el paralelípedo de mármol. La composición es más compacta y más dinámica que la de los tondos. Los detalles del modelado están simplificados; no encontramos los pliegues profundos y la agitación de líneas de la Piedad vaticana. La mayor novedad reside en la figura del Niño. Miguel Ángel lo representa en la acción de descender del regazo de su Madre para dar los primeros pasos en el camino que le llevará a morir por los hombres. La figura en movimiento, suavemente torsionada del Redentor, se ofrece a la mirada integrada armoniosamente en el volumen de la Madre. Una dulzura y gravedad que son nuevos impregnan la obra. Arte Renacentista El ambicioso proyecto, un vasto monumento con más de 40 estatuas al que Miguel Ángel se refería como la "tragedia de una sepultura", no estuvo terminado a la muerte del papa; sus sucesores se opusieron a que el artista continuara las obras - no le tenían mucho aprecio- y los restos de Julio II terminaron en la Basílica de San Pedro. Las tres estatuas de Miguel Ángel fueron colocadas sin respetar la ubicación del proyecto inicial. Las otras dos estatuas destinadas a decorar la tumba del papa Julio II representan a las dos mujeres de Jacobo: Raquel, que simboliza la vida activa; y Lía, que simboliza la vida contemplativa. La representación de la personalidad del Papa. MAUSOLEO DE JULIO II en San Pedro in Vincoli (Tumba mural, adosada al muro) Arte Renacentista Es un posible autorretrato de Miguel Ángel. La barba fluida representa el agua, mientras que el cabello representaría el fuego. La fiereza de la mirada subraya la indignación del gesto. Esta irritación puede corresponderse con el momento representado: momentos antes de que Moisés destruya las Tablas de la Ley, cuando descubre que su pueblo ha traicionado a Dios; o, tal vez, cuando Dios le profetiza que no pisará la Tierra Prometida. Arte Renacentista  Raquel y Lía, 1545; iniciadas por M. Ángel, pero terminadas por sus colaboradores. Arte Renacentista  San Mateo (Florencia, Accademia delle Belle Arti, 1530-33) atlante Prisionero, 208 cm. Arte Renacentista  Tumba de los Médicis. Lorenzo de Médici. Mármol blanco. 1519. En el siglo XVI, Lorenzo recibió el apodo de Il Pensieroso; la enfermedad mental que el duque de Nemours sufrió durante los últimos años de su vida pudo fomentar esta asociación. Se lleva la mano a la barbilla y el dedo que cruza los labios es una invocación al silencio. El codo que apoya sobre el cofrecillo cerrado es signo de avaricia. Su figura, según Panofsky, sería la plasmación de la vida contemplativa. Está acompañado por El Crepúsculo y La Aurora. Arte Renacentista Tumba de los Médicis Miguel Ángel Arte Renacentista  LA AURORA EL CREPÚSCULO Arte Renacentista  Lorenzo, el pensador, y las alegorías de la Aurora y el Crepúsculo Arte Renacentista Giuliano y las alegorías del Día y la Noche. Arte Renacentista Miguel Ángel trata de captar dos temperamentos distintos. Giuliano, con el torso erguido y con todos los rasgos de un hombre orgulloso que se muestra seguro de sí mismo, encarna el ideal de la vida activa, el espíritu de Júpiter. Lorenzo, representado en actitud intensa de reflexión (de hecho se le conoce como "el Pensador"), aparece ensimismado y encarna el ideal de la vida contemplativa, el espíritu de Saturno. Arte Renacentista Las figuras a los pies de los Medicis que aparecen recostadas sobre las urnas funerarias simbolizan momentos del día: La Aurora, representada como una mujer bellas desperezándose; El Día es un joven lleno de vigor y de abultados músculos; el viejo con carnes flácidas es el símbolo decadente de La Tarde (Crepúsculo); y, finalmente, otra mujer representa La Noche, figura pletórica de fuerzas que anuncia nuevas auroras. Arte Renacentista Alegoría del Día. Figura inacabada. Arte Renacentista  El crepúsculo , 1524 (tumba del duque Lorenzo) Esta escultura, junto con El Día, se asocia con un estado de transición e incertidumbre y, por tanto, con la Vida contemplativa encarnada en Lorenzo. Arte Renacentista Giambolognia (1529-1608). En realidad su nombre era Jehan Boulogne de Douai, originario de Flandes. Es un virtuoso que aúna estilo y técnica. No debemos olvidar que ahora los artistas trabajan dando mayor relevancia a la técnica y al diseño que al tema. Por lo demás, sus formas están dotadas de un plasticismo ondulante que se fuga en mil direcciones y de un vigor miguelangelesco que anticipan la fantasía del barroco. Sin duda el escultor más prolífico del alto Renacimiento , con obras que tienen marcado carácter monumental, como la Fuente de Neptuno, en Bolonia, y otras de carácter menor y el rapto de las sabinas. Arte Renacentista Mercurio: Giambologna Arte Renacentista Es un tema inspirado en la mitología acerca de la fundación de Roma, que el artista toma como excusa. Presenta un conjunto de tres figuras de mármol, formando un todo, múltiples perspectivas, cambiantes a medida que giramos en su entorno, perfectamente visibles desde todo los ángulos. Los brazos y las piernas vuelan en el aire, mostrando la habilidad del autor para trabajar el mármol. Juan de Bolonia (Giambologna): Rapto de las Sabinas, 1582. Mármol, 3.98 m. Arte Renacentista Fuente de Neptuno Fue construida en mármol y bronce, por el escultor flamenco Giambologna en el siglo XVl. Es el símbolo del poder papal; al iqual que Neptuno domina las aguas el Papa domina el mundo. A los pies del Dios están cuatro criaturas que representan el Río Gange, el Nilo, el Rio Amazonas y el Danubio, es decir los ríos de los continentes entonces conocidos. Arte Renacentista  Benvenuto Cellini (1500-1571): había trabajado de platero, y orfebre en Florencia, Bolonia y Pisa. Esta actividad deja sentir su influencia en el particularismo descriptivo de sus obras, es un escultor de formas refinadas que se manifiestan en desnudos anti naturalistas y perfiles finos, alargados y siluetas sinuosas, acompaña a sus figuras de motivos ornamentales, especialmente animales. Es un luneto en Bronce que estaba destinado a la puerta del castillo de Fontainebleau, Cellini: La ninfa de Fontainebleau destaca por la estilización del (1543-1544) Museo del Louvre, Paris desnudo, presentando una figura de formas alargadas y redondas. Hay decorativismo presente en las figuras de los animales, las volutas en forma de rizos para marcar el agua, los cabellos de la ninfa y el pelo de los animales, en clara fusión al naturalismo campestre y a una voluntad decorativa propia del manierismo. Arte Renacentista Perseo Cellini Arte Renacentista Salero de oro de Francisco I de Francia. Benvenuto Cellini. 1540-3. Museo de Arte, Viena. En la descripción que su autor hace de esta bella pieza de orfebrería nos habla de que los personajes simbolizan el Agua y la Tierra entrelazadas, como reflejan la posición de las piernas de ambos. La figura masculina con el tridente en la mano y los caballos de mar en la base permiten la identificación con Poseidón, dios del mar. La figura femenina está asentada sobre un cojín con la flor de lis, homenaje al rey francés que le encarga la pieza. Sobresale en su base un elefante blanco, también una preferencia del monarca. Está rodeado de figuras alegóricas, cuyas posturas copian las esculturas de Miguel Ángel. Arte Renacentista Arte Renacentista