El Teatro Renacentista PDF

Material de estudio. EL TEATRO RENACENTISTA. Hecho por: Irina Cámara, María Cano, Iván Iruela, Guillermo Campiñez y Esteban Culebras. Marco histórico. El teatro renacentista surge en el Renacimiento, un movimiento artístico y cultural que surgió en Italia en el siglo XIV y se...

Material de estudio. EL TEATRO RENACENTISTA. Hecho por: Irina Cámara, María Cano, Iván Iruela, Guillermo Campiñez y Esteban Culebras. Marco histórico. El teatro renacentista surge en el Renacimiento, un movimiento artístico y cultural que surgió en Italia en el siglo XIV y se extendió hasta principios del siglo XVII. Se caracteriza por la ruptura de las ideas de la Edad Media, donde la religión y Dios eran centrales. El foco se trasladó al ser humano (humanismo) y se dio importancia a la razón y la naturaleza, lo que redujo la influencia de la Iglesia. Esta transformación favoreció al teatro del Renacimiento, centrado en temas más humanos. La creación de la imprenta en 1440 permitió que las obras teatrales se difundieran ampliamente, haciendo así que la educación y cultura incrementase en las clases sociales más bajas. El Primer Renacimiento se originó en Italia, especialmente en ciudades como Florencia, Venecia y Roma, en el siglo XIV. La transición hacia el Renacimiento fue impulsada por varios factores: 1.​ Económicos y Sociales: El crecimiento del comercio y una clase alta poderosa apoyaron el arte y la cultura. 2.​ Políticos: La división política de Italia favoreció el desarrollo artístico. 3.​ Culturales: El interés por la cultura clásica creció por el estudio de textos antiguos, debido a la caída de Constantinopla en 1453 y a la llegada de intelectuales bizantinos. 4.​ Científicos y Tecnológicos: Los avances en impresión ayudaron a difundir ideas y acelerar el progreso cultural. Características principales. -​ Características lingüísticas: En el Quattrocento todavía seguía el uso de el Latín como lengua para las obras, predominaba el verso rimado y contaba con referencias a modelos medievales y religiosos. Ya en el Cinquecento simplemente utilizaban las lenguas vernáculas, el verso permaneció en la tragedia y se empezó a improvisar tras la aparición de la Commedia dell’arte.  -​ Recursos estilísticos: Durante el Quattrocento se presentan metáforas morales y religiosas, tópicos filosóficos y religiosos y un lenguaje elevado y con latinismos En el Cinquecento las metáforas son más filosóficas y complejas, mucha presencia de ironía y juegos de palabras en la comedia, el orden de palabras es más flexible y su lenguaje se adapta a los personajes, por último, los tópicos de esta etapa referencian al amor, la crítica social y la fama. -​ Contexto y propósito del teatro: Mientras que en el Quattrocento se inspiran en obras clásicas de origen griego y romano y su propósito era educativo, de entretenimiento y moral; durante el Cinquecento el teatro se profesionaliza, separándose de sus raíces religiosas e influenciados por el humanismo, además se desarrollan la comedia erudita y la tragedia renacentista. -​ Temas y géneros: En el Quattrocento destacan los temas religiosos y temas clásicos que imitan tragedias y comedias romanas. Más tarde en el Cinquecento surge la tragedia renacentista, y la comedia se populariza. Además estos dos temas se empiezan a mezclar. Géneros del teatro renacentista. Debido a que se buscaba imitar a los autores neoclásicos, los principales géneros que se trataron fueron la comedia, la tragedia y la tragicomedia. TRAGEDIA: La tragedia renacentista, influenciada por Sófocles, Eurípides y Aristóteles, se basa en el humanismo, destacando la razón y las emociones humanas. Los dramaturgos siguen las reglas clásicas, enfocándose en conflictos morales. El protagonista suele ser un noble y sufre por un error (hamartia) o fuerzas externas. La catarsis y el cristianismo son temas centrales. Algunos ejemplos son Hamlet, Macbeth de Shakespeare y Orlando Furioso de Ludovico Ariosto. COMEDIA: Durante el Renacimiento, la comedia resurgió con la inspiración en autores clásicos como Aristófanes y Plauto. Se caracterizó por una crítica social presentada con humor, utilizando personajes clásicos con un enfoque moderno y temas como enredos amorosos y situaciones cotidianas. Las comedias solían tener finales felices y utilizaban elementos como disfraces y equívocos. En el Primer Renacimiento, la comedia no solía mezclar géneros, pero en el Segundo Renacimiento se incorporaron elementos trágicos y cómicos en una misma obra. Ejemplos incluyen la Égloga de Cristino y Febea y la Égloga de Plácida y Victoriano. Tragicomedia: La tragicomedia mezcla elementos trágicos y cómicos, con finales generalmente felices. Los personajes son más complejos y enfrentan tanto conflictos internos como externos. Los géneros se combinan de manera fluida, lo que crea una obra dinámica. El Primer Renacimiento vio la tragicomedia como un género en transición, mientras que en el Segundo Renacimiento se consolidó con mayor libertad. Diferencias comunes entre Primer y Segundo Renacimiento de la comedia, la tragedia y la tragicomedia: 1.​ Contexto Histórico: En el Primer Renacimiento, el enfoque estaba en la recuperación de los clásicos, mientras que en el Segundo Renacimiento el humanismo maduró y la tragedia se volvió más experimental. 2.​ Influencias Clásicas: El Primer Renacimiento se centraba en la imitación rígida de los modelos clásicos, especialmente Séneca, mientras que en el Segundo Renacimiento se profundizó en Aristóteles con más flexibilidad en la estructura dramática. 3.​ Personajes y Conflictos: Los personajes del Primer Renacimiento eran más arquetípicos y los conflictos más simples, mientras que en el Segundo Renacimiento los personajes eran más complejos y los conflictos más intrincados. 4.​ Temática y Estilo: Las obras del Primer Renacimiento eran más didácticas, mientras que las del Segundo Renacimiento se volvieron más flexibles, explorando temas humanos de manera menos dogmática. 5.​ Lenguaje y Estructura: El Primer Renacimiento usaba un lenguaje solemne y estructuras rígidas, mientras que el Segundo Renacimiento permitió mayor fluidez en el lenguaje y flexibilidad estructural, lo que permitió una mayor complejidad emocional y de personajes. Autores célebres. Juan de la Cueva: -​ (1543-1612).  -​ Sus obras suelen basarse en temas históricos y mitológicos. -​ Influenciado por el teatro barroco. -​ Buscaba revivir los principios clásicos y su relación con la cultura y educación. -​ Comedias importantes como La muerte del rey don Sancho y El Saco de Roma. Gil Vicente: -​ (1465-1536). -​ Padre del teatro portugués. -​ Crítica social, sátira y representación de las costumbres de la época. -​ Obras importantes como Auto da Visitação, Auto da Barca do Inferno o Farsa de Inês Pereira. Bartolomé Torres Naharro: -​ (1485-1530). -​ Uno de los introductores del Renacimiento en España y de los primeros dramaturgos profesionales de la península. -​ Uso de nuevas formas y géneros teatrales, estilo más elaborado en el diálogo y en las narrativas. -​ Obras de gran importancia como Soldadesca o Diálogo del Nacimiento. Lucas Fernández: -​ (1474-1542). -​ Transición entre la Edad Media y la modernidad del Renacimiento. -​ Obras importantes como Farsas y églogas al modo pastoril o El diálogo para cantar. Juan del Encina: -​ (1468-1529). -​ Influenciado por la tradición medieval, pero también integraba elementos renacentistas. -​ Uno de los primeros en escribir en español. Obras importantes como El Triunfo del Amor, El triunfo de la Fama o Égloga De Plácida y Vitoriano. Lope de Rueda: -​ (1510-1565). -​ Sus obras suelen estar divididas en dos tipos: Actos sacramentales (con temas religiosos y de la nobleza) y comedias (generalmente de carácter cómico). -​ Obras notables como Comedia de Eufemia y Comedia de los Engañados. Obras: El monólogo del vaqueiro (Gil Vicente). -​ Crítica social, humor y reflexión acerca de la existencia. -​ Fue escenificada en 1502 para celebrar el nacimiento del futuro Juan III. Auto da barca do inferno (Gil Vicente). -​ Esta obra fue publicada en 1517. -​ Incluye sátira y tragedia. -​ Una mirada crítica a la gravedad de nuestros actos. Comedia de la Muerte del Rey Don Sancho (Juan de la Cueva). -​ Fue publicada por la Universidad de León. Soldadesca (Torres Naharro). -​ Publicada en 1517. -​ Muestra la manera de sobrevivir de los personajes en un periodo de entreguerras. Elementos del teatro. 1. Espacio escénico: Las obras se representaban en plazas, calles, tabernas, cortes y universidades. En este periodo, los escenarios se hicieron más elaborados con decorados complejos y sistemas de poleas para cambios de escena. Se introdujeron técnicas de iluminación. 2. Perspectiva: La perspectiva arquitectónica se incorporó en el diseño escenográfico, utilizando técnicas que daban la ilusión de profundidad en el escenario, lo que ayudaba a crear un ambiente más realista. 3. Decorados Pintados: Los telones pintados eran comunes, representando paisajes o interiores que podían ser cambiados según la obra. 4. Uso del Espacio: El espacio escénico se aprovechaba al máximo, con la inclusión de niveles de plataformas (como balcones) que permitían movimientos verticales y dinámicos de los actores. 5. Elementos Naturales: Se incorporan elementos naturales como árboles, rocas y agua para crear ambientes exteriores. 6. Vestuario y Atrezzo: El vestuario era fundamental para definir a los personajes y su estatus social. Además, se utilizaban objetos específicos (atrezzo) que eran importantes para la trama y ayudaban a dar autenticidad a las escenas. 7. Iluminación: Aunque la iluminación era limitada, se utilizaban antorchas y velas para crear atmósferas específicas. La iluminación natural también jugaba un papel importante en las representaciones al aire libre. 8. Efectos Especiales: Se experimentaba con efectos especiales como humo o sonido para intensificar ciertas escenas y crear una experiencia más inmersiva para el público. 9. Elementos Simbólicos: Los decorados a menudo incluían elementos simbólicos que podrían transmitir significados más profundos sobre la trama o los personajes. 10. Música y Sonido: La música en vivo solía acompañar las representaciones teatrales, añadiendo una dimensión adicional a la experiencia escénica.