Doce Principios de Animación

Introducción a la Animación

• La animación puede explicar cualquier cosa que la mente humana pueda concebir.

12 Principios de Animación

1. Estirar y Encoger (Squash and Stretch)

• Permite a un personaje cambiar de forma de manera continua.
• Se aplica a la animación 2D y 3D.

2. Anticipación (Anticipation)

• Permite a la audiencia anticipar la acción principal en la escena.
• La posición de "resorte" es la más utilizada para correr o saltar.

3. Puesta en Escena (Staging)

• Concepto extraído del teatro y del cine.
• Debe llamar la atención y dejar clara una situación.

4. Acción Directa y Pose a Pose (Straight Ahead Action and Pose to Pose)

• Corresponden a dos técnicas de animación:
  • Animación cuadro a cuadro o directa de principio a fin.
  • Dibujo de "keyframes" o "claves" donde luego se insertan los dibujos o "frames" intermedios.

5. Acción Continuada y Acción Superpuesta (Follow Through and Overlapping Action)

• Simula las leyes de la física, como la caída de un elemento a diferente velocidad con respecto a otro.
• Funciona en conjunción con:
  • Follow through: pluma y sombrero, mangas (atuendo/telas).
  • Overlapping: patas, pata con espada, cabeza y cuerpo.

6. Entradas Lentas y Salidas Lentas (Slow In and Slow Out)

• Todo movimiento necesita un tiempo de aceleración y desaceleración.
• Una velocidad continua en los movimientos de un personaje no es creíble.

7. Arcos (Arcs)

• Una postura doblada añade dramatismo.
• Indica la postura de un cuerpo en la acción, un torso en movimiento no es rígido.

8. Acción Secundaria (Secondary Action)

• Se trata de la acción que realiza el personaje (como hablar y silbar), mientras camina o se mueve.

9. Timing (Ritmo)

• Ayuda a simular la física de fuerza y gravedad.
• Las diferentes velocidades crean un efecto más realista.

10. Exageración (Exaggeration)

• Se trata de conectar al espectador con el personaje al producir una conducta más emotiva, más profunda y cómica.

11. Dibujos Sólidos (Solid Drawings)

• El estudio anatómico es esencial para desarrollar habilidades en el dibujo.
• Las vistas principales en el diseño de un personaje para animación son el dibujo sólido o "dibujo base".

12. Apariencia (La Apariencia o Carisma)

• La apariencia denota personalidad, pero no explica comportamiento.
• Se trata del atractivo del personaje.

Términos y Conceptos

Antropomorfismo

• Objeto o animal que presenta características o comportamiento humanos.

Hero's Journey

• Según Joseph Campbell, las etapas del Hero's Journey (Viaje del Héroe) son: Introducción del Héroe, el héroe tiene un defecto, el evento inesperado, el llamado a la aventura, la búsqueda, el retorno, la crisis, el momento decisivo y la resolución.

Sujeto Alfa

• Se le denomina así al personaje que recibe el rol protagónico.
• El héroe es a través de quién se cuenta la historia.

Mapa de Interpolación (Inbetween Chart/X-sheet)

• Se utiliza para indicar los números de dibujo específicos de:
  • Poses clave (keyframes) o extremos.
  • Posiciones de paso (breakdowns) y.
  • Intercalados/interpolación o inbetweens.

GAP

• Dejar un enorme espacio entre dibujos funciona bien para acciones "impactantes".

Smear Animation

• Se presenta de tres maneras:
  • Straight o elongado.
  • Separated o por separación.
  • Blur o difuso.

Overshoot

• Es uno (A veces varios), keyframes de rebote que se dan al final de una acción rápida.

"Mouth Chart" o "Lip Sync"

• El mapa de bocas complementa la guía que debe recibir el animador.
• Debe realizarse un diseño de bocas para el rostro del personaje en vista frontal y ¾.

"Action Model Sheet" o mapa del modelo en acción

• Consiste en el conjunto de expresiones faciales y expresión corporal del personaje.
• Muestra variedad de poses y emociones.

"Action Model Sheet" como guía

• Puede contener datos puntuales sobre lo que debe o no puede hacerse en el movimiento de un personaje.
• Es una guía para el animador.### Pre-producción
• El diseño del Mouth Chart o mapa de bocas siempre va acompañado de un Action Model Sheet, un Turnaround y un Size comparison chart.

Estilo de Animación

• El surrealismo licencia creativa permite a los artistas experimentar con formas y colores, y valorar la estética de lo ilógico.

Técnicas de Animación

• Pixilation: técnica de stop motion que integra una persona dentro de los fotogramas, o dibujos dentro de una secuencia de fotogramas.
• Animación Tradicional:
  • Rotoscopia: utiliza una mesa de luz o Animation Desk / Light table.
  • Tipos de animación tradicional:
    • Full animation (24 f/s, cada fotograma es diferente).
    • Limited animation (8 a 12 f/s, con menos fotogramas y reciclaje de animaciones).
    • Live action/animation (animación integrada en películas de acción real).

Animación por Computadora

• CGI (Computer-generated imagery): utiliza gráficos de mapa de bits, animación vectorial 2D y animación 3D.
• Motion Graphics: animación de tipografías para títulos, intros y créditos, no considerada animación artísticamente compleja.
• Stop-Motion: técnica de fotografías puestas en secuencia para crear la ilusión de movimiento, incluye Claymation (Plastimación) y Puppet animation/ Puppetoon.

Squash y Stretch

• La habilidad de exagerar y distorsionar los movimientos y cuerpos de los personajes para crear efectos cómicos o transmitir emociones
• Permite crear movimientos más dramáticos y dinámicos
• Se puede utilizar para crear una sensación de peso, flexibilidad y fluidez
• Ejemplos:
  • El rostro de un personaje que se estira en una expresión de sorpresa
  • El cuerpo de un personaje que se esquila para caber en un espacio pequeño

Anticipación

• El movimiento o acción que precede a una acción principal
• Se utiliza para crear una sensación de expectativa y construir energía
• Se puede utilizar para agregar humor, drama o tensión a una escena
• Ejemplos:
  • Un personaje que se acopla antes de lanzar un puñetazo
  • Un personaje que toma un respiro profundo antes de saltar de un acantilado

Escenario

• La presentación y colocación de los personajes dentro de una escena
• Implica el uso de perspectiva, ángulos de cámara y colocación de personajes para crear un sentido de drama y enfoque
• Se utiliza para guiar la atención del espectador y crear un estado de ánimo
• Ejemplos:
  • Un personaje que se encuentra en el centro del marco, con otros personajes dispuestos alrededor
  • Un personaje que se encuentra en primer plano, con un fondo dramático

Acción Directa y Pose a Pose

• Dos enfoques diferentes para animar una escena
• Acción Directa:
  • Animar una escena desde el principio hasta el final, sin planificar poses o keyframes específicos
  • Puede crear una sensación de espontaneidad y fluidez
• Pose a Pose:
  • Planificar poses o keyframes específicos y luego llenar la animación faltante
  • Puede crear una sensación de control y precisión
• Ejemplos:
  • Un personaje que camina por una habitación, con el animador enfocado en el movimiento y flujo (Acción Directa)
  • Un personaje que realiza una serie de movimientos precisos y coreografiados (Pose a Pose)

Seguimiento y Acción Overlapping

• Seguimiento:
  • La continuación de un movimiento o acción después de que la acción principal es completa
  • Se utiliza para crear una sensación de fluidez y continuidad
  • Ejemplos:
    • El brazo de un personaje que sigue moviéndose después de lanzar una pelota
    • El cabello de un personaje que sigue botando después de detenerse
• Acción Overlapping:
  • La superposición de dos o más acciones o movimientos
  • Se utiliza para crear una sensación de complejidad y realismo
  • Ejemplos:
    • Un personaje que camina mientras habla y gesticula simultáneamente
    • Un personaje que salta y hace un flip mientras su cabello y ropa siguen detrás de él