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VANGUARDIAS HISTÓRICAS “Las formas que estamos creando no son abstractas, son absolutas.” „The shapes we are creating are not abstract, they are absolute.“ Naum Gabo El entorno social e...

VANGUARDIAS HISTÓRICAS “Las formas que estamos creando no son abstractas, son absolutas.” „The shapes we are creating are not abstract, they are absolute.“ Naum Gabo El entorno social e intelectual antes de 1900 La Revolución Industrial La idea de progreso. “La modernidad histórica se funda en la creencia de que la cultura y la sociedad tienen un desarrollo progresivo y evolutivo basado en el avance de la ciencia y el ejercicio de la razón humana” Sigmund Freud 1856 Příbor- 1939 Londres 1939 Sigmund Freud, fue un médico neurólogo austriaco de origen judío, padre del psicoanálisis y una de las mayores figuras intelectuales del siglo XX. Freud pensaba que las emociones y memorias del pasado, reprimidas en el subconsciente, se hacen conscientes durante los sueños. Y esta concepción de una realidad más allá de la realidad es uno de los pilares fundacionales del movimiento surrealista. “Freud introdujo conceptos como el inconsciente, los sueños y los deseos reprimidos. Estos resonaron con los artistas surrealistas, quienes buscaban explorar la mente humana y liberar su imaginación.”  El Marxismo y el Arte “La perspectiva marxista respecto al estudio del arte, es caracterizar toda expresión artística en tres aspectos básicos: “es un producto del trabajo humano, es un modo social de comunicación y es una expresión ideologica”. Partiendo de la premisa que existe arte visual (pinturas, esculturas, la literatura, etc.) y arte acústico (la música). Los marxistas podemos afirmar lo siguiente: Todo arte al ser un producto del trabajo humano posee un valor de uso y un valor de cambio, desde este punto se le puede ubicar dentro del desarrollo económico de la sociedad; al ser un modo social de comunicación es un canal de trasmisión de ideas, reflejos, sensaciones y reacciones del artista ante la realidad que le rodea; al ser una expresión ideológica contiene inevitablemente un contenido clasista, que dependerá de la posición de clase que el artista posea en la sociedad. Retrato de Karl Marx (1818–1883) Al esclarecer estos factores podemos deducir que el arte puede ser estudiado, analizado y comprendido por el carácter y la función social que cumple en cada lugar y tiempo de la historia.” Charles Baudelaire: “el pintor de la vida moderna” “Para Baudelaire la modernidad es «lo transitorio, lo fugitivo, lo contingente, la mitad del arte, cuya otra mitad es lo eterno y lo inmutable». Baudelaire nos dice, además, «todo pintor antiguo tuvo su modernidad». Cada época tiene un estilo que la define, una cualidad propia de cada tiempo, y ese estilo, según Baudelaire, es el que se debe representar en la pintura. Entonces, Baudelaire nos presenta dos tipos de pintores: aquel pintor que pinta lo que ve y aquel pintor que vive en la modernidad, que se nutre de ella.” “La fragmentación y la fugacidad son conceptos clave en la teoría de la modernidad defendida por Baudelaire. ¿Qué es la fragmentación? Diariamente, observamos a nuestro alrededor situaciones, movimientos de coches y de personas, al igual que un sinfín de ruidos, que, en cierto sentido, nos confunden, nos marean, nos dan la impresión de que vivimos en un mundo que no tiene sentido. Por el contrario, la sensación de totalidad, de plenitud, la vivimos en situaciones tranquilas, relajadas, o simplemente cuando estamos en compañía de alguien especial para nosotros. Pero en Charles Baudelaire ( París, 9 de abril de 1821-31 de agosto de 1867 ) el mundo moderno que nos toca vivir, ¿cuántas veces podemos alcanzar esa sensación de plenitud? Muy pocas, la verdad. Y cada vez menos.(2) Referencias: (1) https://revista.poemame.com/2018/09/12/baudelaire-la-belleza-de-la-modernidad/ (2) http://www.euskalnet.net/aspini/CHAP4.html  La filosofía existencialista y su relación con el Arte Moderno Para el existencialismo la libertad implica la plena conciencia de que las decisiones y acciones personales influyen en el entorno social, lo que nos hace corresponsables del bien y del mal. De allí la formulación de Jean-Paul Sartre, según la cual la libertad es responsabilidad total en soledad absoluta, es decir: "El hombre está condenado a ser libre". ¿Qué es el existencialismo en el arte? Los existencialistas valoran el talento del artista por el modo cómo éste trata, con cifras, de la existencia, de la originalidad del individuo y de sus situaciones límite”. Ven la misión principal del Friedrich Wilhelm Nietzsche arte en despertar las vivencias subconscientes del ser humano. (1844-1900)  EL LEGADO DE LAS VANGUARDIAS HISTÓRICAS SURREALISMO FAUVISMO EXPRESIONISMO IDEALES DE LO ABSURDO PROGRESO COMO INDUSTRIAL EXPERIENCIA ESTÉTICA IDEALISMO ESTÉTICO CRÍTICA SOCIAL EL ARTE AL RACIONALIDAD Y SOCIEDAD EL PODER DE LO SERVICIO DEL PURIFICACIÓN PLÁSTICA MORALMENTE IRRACIONAL PUEBLO DETERIORADA DADAISMO CONSTRUCTIVISMO CUBISMO FUTURISMO NEOPLASTICISMO PRIMACIA DE LA IDEA SUPREMATISMO ABSTRACCION ARTE CONCEPTUAL Los objetivos generales del arte de Vanguardia ❖ Concepción carismática y mesiánica del artista ❖ Búsqueda de la pureza (lo infantil, lo primitivo, el mundo de los sueños (el subconsciente) ❖ Búsqueda de la verdad en las formas: no a lo decorativo. ❖ Abolición del pasado ❖ Abolición de la falsa moral del pasado ❖ Creación de un mundo nuevo  HENRI MATISSE (31 DE DICIEMBRE DE 1869 – 3 DE NOVIEMBRE DE 1954) FRANCIA - BÚSQUEDA DE LA PUREZA SIGLO XX. VANGUARDIAS HISTÓRICAS/FAUVISMO Lujo, calma, voluptuosidad. 1904, Óleo sobre lienzo. Medidas: 98´5 x 118´5 cm. El estilo pictórico de la pintura fauvista se caracteriza por el uso intenso de color principalmente el verde. Utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo. El equilibrio cromático contrarresta, de modo perfecto, las manchas rojas SIGLO XX. VANGUARDIAS HISTÓRICAS/FAUVISMO con las verdes. El rostro se configura en torno a una línea verde que sustituye la nariz de la retratada. Es como si Matisse quisiera eliminar toda la psicología que podría transmitir el retrato para reconciliarse con el mero acto de pintar. Era sencillo el abstraerse de emotividades en géneros como el paisaje o el bodegón, pero en el retrato supone un reto difícil de conseguir. Henri Matisse, título: La raya verde, 1905, óleo sobre lienzo, 60 x 41 cm.  SIGLO XX. VANGUARDIAS HISTÓRICAS/FAUVISMO “Lo que más me interesa no es la naturaleza muerta ni el paisaje: es la figura humana. Sólo ella me permite expresar bien el sentimiento, por así llamarlo, religioso que tengo de la vida. No me entretengo en detallar todos los pormenores de un rostro ni en pintarlos uno a uno en toda su exactitud anatómica (...) una obra debe llevar en sí misma todo su significado e imponerlo al observador antes de que éste conozca el tema." "(...) el artista debe ver todas las cosas como si las viera por primera vez: es necesario ver siempre como cuando éramos niños; la pérdida de esta posibilidad coarta la de expresarse de manera original, es decir, personal (...)" Marinero joven II', de 1906, fueron el primer acercamiento de Henri Matisse a la experimentación con la que abrió paso al fauvismo. La segunda pintura era tan radical que al principio el artista, inseguro de su propia obra, contó a sus amigos que la había pintado "un cartero local" Henri Matisse - ©  SIGLO XX. VANGUARDIAS HISTÓRICAS/FAUVISMO “Matisse combina aquí tres géneros en uno: bodegón, retrato y paisaje. En aquellos días lo normal era pintar siguiendo unas reglas básicas de naturalismo, sombras y perspectiva, como vemos aquí, el pintor no siguió estas pautas, una nueva revolución se avecinaba en el arte: el fauvismo. Para el artista lo importante era la fuerza de los colores. La mesa se confunde con la pared, el paisaje es casi abstracto, la perspectiva es, ya no rechazada, sino directamente deshecha. El cuadro es una pura decoración pictórica.” https://historia-arte.com/obras/armonia-en-rojo Título: Armonía en rojo (La desserte) Ubicación : Museo Hermitage, San Petersburgo, Rusia. Técnica: Óleo (180 x 221 cm.)  SIGLO XX. VANGUARDIAS HISTÓRICAS/FAUVISMO Título original: Odalisque (Odalisca) Museo: Stedelijk Museum, Amsterdam (Países Bajos) Técnica: Óleo (123 x 103.5 cm.) “Entre los años 1917 y 1930, inspirado por la estética norteafricana, con la que se familiarizó durante sus dos viajes a Marruecos en los inviernos de 1912 y 1913, Matisse tomó la figura de la mujer como la protagonista de sus obras. En este cuadro, el precursor del fauvismo muestra a la odalisca recostada en un diván sobre un fondo rosáceo. Los colores, vívidos y ligeros como si de acuarela se tratasen, fluyen por la tela del diván. El color blanco del lienzo todavía se vislumbra bajo el trazado rápido y despreocupado de los parches de colores. La mujer, creada por cientos de pinceladas que se entrecruzan y sobreponen, parece fundirse con el material ornamental del sofá. La influencia de Paul Cézanne se aprecia en esta obra en el aplanamiento del espacio y la permeabilidad que hay entre el primer plano y el fondo, los cuales parecen fundirse y atraer al espectador hacia el interior de la estancia. ” https://historia-arte.com/obras/odalisque-matisseb Escrito por: Alicia Derksen  SIGLO XX. VANGUARDIAS HISTÓRICAS/CUBISMO CUBISMO Es un movimiento artístico que ocurrió entre 1907 y 1914, teniendo como principales fundadores a pablo Picasso y Georges Braque. El cubismo trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. Es considerada la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. http://www.arteespana.com/cubismo.htm  “El Cubismo es un lenguaje pictórico que replantea las formas, el volumen, el espacio y la perspectiva dotando a las obras de un carácter psicológico en que el espectador reconstruye la imagen en su mente para comprenderla en su totalidad. Los volúmenes, las luces y las sombras se descomponen en planos que crean diferentes puntos de vista. No se puede decir que se trata de un lenguaje abstracto ya que los objetos y figuras están claramente representados y son, en la mayoría de las ocasiones, reconocibles. El espectador se convierte en el cubismo en el organizador de la obra es, por lo tanto, un lenguaje con una fuerte carga intelectual y racional. Seguramente, los descubrimientos psicoanalíticos de principios de siglo influyeron en la creación de este “arte mental”. Los colores utilizados en el cubismo tienen también ese componente psicológico ya que están llenos de azules, ocres, marrones, grises, verdes … pigmentos asociados al raciocinio según el psicoanálisis clásico.” https://www.artemiranda.es/blog/index.php/claves-para-entender-el-cubismo/ SIGLO XX. VANGUARDIAS HISTÓRICAS/CUBISMO “Aunque en realidad este cuadro es más bien proto-cubista, ya que el movimiento no existía aún. De hecho el cubismo se inicia a causa del terremoto provocado por esta obra. El cubismo y el arte de vanguardia en general. Tres influencias fueron fundamentales para el desarrollo de esta obra que cambió el curso de la historia del arte: Cezánne (sobre todo sus bañistas), El Greco (en concreto su obra Visión del Apocalipsis) y el arte primitivo expuesto en el Museo del Trocadero en París, con sus máscaras africanas (la escultura íbera también debió influir en el joven pintor).” https://historia-arte.com/obras/las- Les_demoiselles_d’Avignon (Las señoritas senoritas-de-avignon de Aviñón) 1906-1907. Técnica : óleo sobre lienzo. Dimensiones: 243,9 cm, 233,7 cm. Ubicación: Museum of Modern Art, New York La muchacha de la mandolina» Artista: Pablo Picasso Fecha de creación: 1910 Período: Cubismo Material: Pintura al óleo Tamaño: 1 m x 74 cm. “El cubismo es un movimiento vanguardista de inicios del siglo XX que se caracteriza por el uso dominante de figuras geométricas como los rectángulos, los triángulos y, especialmente, los cubos, de donde toma su nombre. Su objetivo es romper con la representación naturalista y plasmar varios planos de modo simultáneo sobre la superficie de un cuadro. Convencionalmente se establece su inicio en el año 1907, cuando Pablo Picasso (1881-1973) presentó por primera vez la pintura Les Demoiselles d' Avignon ("Las damas de Avignon"). En este primer intento, Picasso incorpora influencias del arte africano primitivo y del postimpresionismo, especialmente del pintor francés Paul Cézanne (1839-1906). Además de encontrar inspiración en las formas del arte exótico, el cubismo intentó representar la cuarta dimensión a través de hiperpoliedros, cuyas ideas de espacio-tiempo se inspiran en la teoría de la relatividad de Albert Einstein de 1905. Todas sus características llevaron al cubismo a ser considerado una expresión plástica más racional y analítica, que contrastaba con otros movimientos inspirados en la subjetividad o la emocionalidad.” https://www.significados.com/cubismo/ Ruptura y disolución de los lenguajes artísticos A diferencia de los pintores conocidos como «orientalistas» que buscaban un supuesto escenario exótico, Picasso nace en el lado sur de Europa, donde la luz se convierte en una gran protagonista. Cuando el pintor decide convertir su estudio y su casa en una dependencia situada entre pinos y amaneceres en la costa azul francesa, su pintura y sus cerámicas se tornan más felices, y sus campos simbólicos se pueblan de faunos, ninfas, sátiros que miran sonrientes a los viejos cuentos que los marinos de siglos antiguos contaban al regreso de sus viajes por las islas clásicas. «El papel de la pintura —dice Picasso—, para mí, no es pintar el movimiento, poner la realidad en movimiento. Su papel, para mí, es más bien detener el movimiento. Hay que ir más lejos que el movimiento para detener la imagen. Si no, se corre detrás de ella. Tan sólo en ese momento, para mí, está la realidad»*. Cita de Picasso en: Hélène Parmelin, Habla Picasso, Barcelona, Gustavo Gili, 1968, p. 37. Jacqueline sentada Artista: Pablo Picasso París, 7 de octubre de 1954 Óleo sobre lienzo 146 x 114 cm Museo Picasso Málaga. Pablo Picasso Guitarra Medio: Periódico cortado y pegado, papel tapiz, papel, tinta, tiza, carboncillo y lápiz sobre papel de color Dimensiones: 66,4 x 49,6 cm.  El Cubismo es un lenguaje pictórico que replantea las formas, el volumen, el espacio y la perspectiva dotando a las obras de un carácter psicológico en que el espectador reconstruye la imagen en su mente para comprenderla en su totalidad. Los volúmenes, las luces y las sombras se descomponen en planos que crean diferentes puntos de vista. No se puede decir que se trata de un lenguaje abstracto ya que los objetos y figuras están claramente representados y son, en la mayoría de las ocasiones, reconocibles. El espectador se convierte en el cubismo en el organizador de la obra es, por lo tanto, un lenguaje con una fuerte carga intelectual y racional. Seguramente, los descubrimientos psicoanalíticos de principios de siglo influyeron en la creación de este “arte mental”. Los colores utilizados en el cubismo tienen también ese componente psicológico ya que están llenos de azules, ocres, marrones, grises, verdes … pigmentos asociados al raciocinio según el psicoanálisis clásico. https://www.artemiranda.es/blog/index.php/claves-para-entender-el- Violín (1915), Pablo Picasso. cubismo/#:~:text=Los%20colores%20utilizados%20en%20el,figura%20humana%20y%20el%20retrato. Escultura realizada con chapa pintada y alambre de hierro. Tomado de: Zimmermann B.. (2000). Picasso. Alemania: Könemann. Los Tres músicos de Picasso presenta tres figuras pintadas en un estilo cubista sintético decorativo y de colores brillantes. Es una de las dos pinturas muy grandes del mismo tema que pintó Picasso en 1921, ambas interpretadas como retratos grupales simbólicos del artista y dos viejos amigos. En esta versión, Picasso es la figura de Arlequín que viste el brillante traje estampado de diamantes en el centro. Se cree que la figura blanca de Pierrot a la izquierda es el poeta Guillaume Apollinaire, mientras que la figura oscura de un monje a la derecha representa al poeta Max Jacob. Pablo Picasso, The Three Musicians Pablo Picasso, Three Musicians, 1921, oil on canvas, 200.7 x 222.9 cm (MoMA)  Picasso: Guitarras 1912–1914 Hacia finales de 1911 y comienzos de 1912, Picasso realiza la maqueta «Guitarra», que para muchos autores marca el inicio de un nuevo tipo de construcción-escultura, que determinará la evolución de las propuestas escultóricas de la época. Esta «Guitarra», no fue concebida como un volumen, sino como un relieve, una superposición de superficies planas en un espacio tridimensional, unas construcciones huecas de planos y líneas que van en busca de la transparencia. Su fuerza radica principalmente en ese aspecto frágil. El trabajo a partir de esta construcción- escultura desembocará en los papiers collés, básicamente por la nueva manera de superponer en la concepción de la obra de arte. Ya Braque había iniciado por la misma época esta práctica, pero es Picasso quien la lleva a su máxima expresión, y quien encuentra en los papiers collés una manera de expresar sus ideas. Guitarra, Assemblage. 1912. Cartón, papel pegado, tela, cuerdas, óleo y crayola. 33 x 18 x 9,5 cm. Museo Picasso, París. Page 2. Hacia finales de 1911  SIGLO XX. VANGUARDIAS HISTÓRICAS/CUBISMO Esta es la primera escultura cubista de Picasso y una de las más de sesenta pinturas, esculturas y dibujos cubistas que el artista hizo de su compañera Fernande Olivier en 1909. Picasso modeló el busto en París después de que la pareja regresara de un viaje de verano a España. Como en sus primeras pinturas cubistas, la cabeza de Fernande se describe en facetas y vacíos. Diseñado para ser visto en redondo, la composición cambia cuando se ve desde diferentes ángulos. La torsión del cuello contrarresta la inclinación hacia abajo de la cabeza y sugiere movimiento, como si Fernande estuviera a punto de mirar por encima del hombro. Woman's head, 1909 Pablo Picasso (1881–1973) escultura de bronce; 41.3 × 24.8 × 26.7 cm. The Metropolitan Museum of Art, NY  SIGLO XX. VANGUARDIAS HISTÓRICAS/CUBISMO Georges Braque, Argenteuil-Sur-Seine, 1882 - París, 1963) Comparando las piezas de uno y otro en este terreno también pueden confrontarse las distintas personalidades artísticas de Braque y Picasso, la sensibilidad de Braque para una armonía de composición fundamental y penetrante ha transformado su repertorio de objetos humildes en un diseño de rara elegancia. Por su parte, Picasso, que observaba intensamente las cosas reales, podía ignorar las consideraciones decorativas, a fin de comunicar la experiencia inmediata que sacaba de Aria de Bach, 1912-1913 ellas. La sobria construcción de este “papier collé”(collage), busca establecer una correspondencia visual con la música de Bach. Las características del cubismo más destacadas son las siguientes: SIGLO XX. VANGUARDIAS HISTÓRICAS/CUBISMO Los artistas cubistas recibieron influencias de pintores como Gauguin o Cézanne, la escultura ibérica y el arte africano. Dejan de lado la perspectiva. No tratan de copiar la naturaleza. Representan los objeto desde múltiples puntos de vista, dividiéndolos en facetas y uniéndolos para presentar una forma abstracta. Las formas son geométricas. El dibujo presenta líneas duras. Son vanguardistas, pero se decantaron por continuar con géneros clásicos como paisajes, retratos, bodegones, etcétera. Autor: George Braque(1882 -1963) 1914 - Bodegón con mesa: gillette Material: papier collé(collage) Medidas: 48 x 62 cm. Ubicación: Centre Georges Pompidou, Paris. Juan Gris: (Madrid,1887 – Boulogne-sur-Seine, , 11 de SIGLO XX. VANGUARDIAS HISTÓRICAS/CUBISMO mayo de 1927) La composición no “re-presenta” los objetos: “un violín y una guitarra”. construye formas geométricas (como arquitectura), relaciones y colores puros. “Un cuadro es una síntesis…”, lo mismo que una síntesis química. Ninguno de los elementos compositivos, ni su expresión, ni su ritmo mantienen una relación con el objeto. No hay objeto. el objeto es sustituido por la síntesis de formas puras a partir de datos sensibles previamente esquematizados o simplificados analíticamente. Análisis y síntesis. Autor: Juan Gris, Título: Violín y guitarra, 1913, medidas: 81 x 60 cm. Óleo sobre lienzo. Ubicación: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid. Vanguardia : Abstracción “El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones”. Kandinsky, Wassily ( 1866, Russia--1944, Fr.ancia) Título: Composition IV -1911. Óleo sobre lienzo, medidas: 159.5 x 250.5 cm ; Ubicación: Kunstsammlung Nordrhein-Westfallen, Dusseldorf “El alcance del color y las formas de sus composiciones e improvisaciones, fue reconocido como genial por sus contemporáneos. Los cuadros de Kandinsky muestran grandes explosiones de color y siluetas que constantemente se transforman ante el espectador. Las influencias artísticas principales de este pintor fueron Monet, Fauves y Matisse. Se considera que las pinturas de Kandinsky funden la percepción del oído y la vista. Él visualizaba sonidos como parches de color (arte sinestésico), era amante de la música de Wagner, y esta emergía en sus más abstractas creaciones. El entendimiento del papel que juegan: matices, música e iconografía en las obras de este maestro, nos puede abrir nuevos caminos en la apreciación de su arte y del ideal que lo guió durante su vida por su camino de abstracción y asombrosas imágenes.” Fuente: https://www.todocuadros.com.pe/pintores-famosos/kandinsky/  Kandinsky, Wassily ( 1866, Russia--1944, Fr.ancia) “A un toque de batuta estamos para que la sinfonía pictórica de Kandinsky empiece a sonar y tan sólo a unas pinceladas para que los armónicos del músico ruso Prokofiev se traduzcan en vibrantes, saturados y puros colores. Kandinsky, abogado con inclinaciones artísticas, sufrió una revelación sensorial, sucedió en una visita al museo Hermitage durante la contemplación de la obra de Rembrandt, ante la que sintió que la pintura vibraba y sonaba, una experiencia sinestésica donde la vista oía la pintura. Y algo de eso debe de haber, de música en la pintura, cuando hablamos de colores vibrantes, de tonos cromáticos o de la armonía de la composición, términos comunes a la música”. Escrito por: Sandra Afonso Tabares Prokofiev - Danza de los Caballeros Orquestación EWQL https://soundcloud.com/dvxm/prokofiev-dance-of-the- Colección particular knights-ewql- Técnica: Óleo (77.8 × 100.4 cm.) orchestration?utm_source=clipboard&utm_medium=text&ut m_campaign=social_sharing Autor: Wassily Kandinsky Título (inglés): Composition VIII Estilo: Abstracción lírica Tipo: Cuadro Técnica: Óleo Soporte: Tela Año: 1923 Se encuentra en: Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York Diferencias entre el suprematismo y la abstracción Las dos obras pictóricas son abstractas, lo que las diferencia es que mientras Kandinsky busca un nuevo lenguaje, un lenguaje universal para sustituir el mundo material, mediante el uso de la línea, el punto y el plano, el color; Nikolái Suetin, dentro del suprematismo tiene por objetivo buscar diferentes formas de usar la abstracción para liberarse de las expectativas y limitaciones del mundo físico y conectarse con algo más puro. Artista: Wassily Kandinsky Artista: Nikolái Suetin, Suprematismo Líneas que se cruzan, 1923 1920 – 1921. Óleo sobre lienzo. 70,5 x 53 cm Abstracción. Óleo sobre lienzo Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid  ¿Qué es el arte abstracto según Kandinsky? El pintor Wassily Kandinsky fue el gran teórico (y práctico) del arte abstracto, es decir, este arte en el que la representación del objeto es secundaria e incluso perjudicial: la belleza del arte reside en la riqueza cromática y la simplificación formal. https://historia-arte.com/artistas/wassily kandinsky#:~:text=Ruso%2C%20alem%C3%A1n%20y%20despu%C3%A9s%20franc%C3% A9s,crom%C3%A1tica%20y%20la%20simplificaci%C3%B3n%20formal. Autor: Wassily Kandinsky Título (inglés): Yellow-Red-Blue Estilo: Abstracción lírica Tipo: Cuadro Técnica: Óleo Soporte: Lienzo Año: 1925 Se encuentra en: Centro Pompidou, París Autor: Wassily Kandinsky Título (inglés): Arch and Point Estilo: Abstracción lírica Tipo: Cuadro Técnica: Tinta, acuarela y lápiz https://www.lofficielmexico.com/arte-y-cultura/pintor-wassily- Soporte: Papel kandinsky Año: 1929  NEOPLASTICISMO “Corriente artística promulgada por Piet Mondrian en 1917 que proponía despojar al arte de todo elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal. junto con Theo van Doesburg fundó la revista de Stijl, principal órgano de difusión del movimiento, en cuyo primer número apareció publicado el manifiesto Neoplasticista.” Neoplasticismo. (2019, 30 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta: 16:23, noviembre 11, 2019 desde https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Neoplasticismo&oldid=118728382.  LA AGONIA DEL OBJETO: Piet Mondrian(n. Amersfoort, 7marzo 1872. m. 1 febrero n.y, 1944) fue un pintor vanguardista holandés, miembro de Die Stijl y miembro fundador del Neoplasticismo. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción de la cual es el principal representante inaugural junto a Wassily Kandinsky y Kasimir Malevich. Título de la obra : Composición con amarillo, negro, azul, rojo y gris, 1921 “La intención del Neoplasticismo es representar la totalidad de lo real, expresar la unidad de la naturaleza, que nos ofrece apariencias cambiantes y caprichosas, pero que, sin embargo, es de una regularidad absoluta. Sus principales características son: Búsqueda de la renovación estética. Lenguaje plástico universal.” https://wwwutopicosanimicos.blogspot.com/2010/08/piet- mondrian-y-el-neoplasticismo-la.html Composición con Rojo, Amarillo y Azul(1930) Autor: Piet Mondrian Técnica: óleo sobre lienzo. Medidas:.73cm.X 69cm. “La intención del Neoplasticismo, también es, la exclusión de lo individual y del objeto (limitado temporal y localmente). Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento de llegar a la esencia. Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos. Planteamiento totalmente racionalista. Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos.” https://wwwutopicosanimicos.blogspot.com/2010/08/piet-mondrian-y-el- neoplasticismo-la.html Broadway Boogie-Woogie, 1943 Autor: Piet Mondrian Técnica: Óleo sobre lienzo. Vanguardias Históricas : SUPREMATISMO SUPREMATISMO El suprematismo es el nombre dado por Kasimir Malevich aun estilo de vanguardia artística. Teorizado primero en el manifiesto de 1915, escrito por el pintor en colaboración con el poeta Vladímir Maiakovski, y más tarde en su ensayo de 1920 : el Suprematismo o el mundo de la no representación. Consiste en una tendencia artística, derivada del cubismo, en la que los elementos formales se reducen al triangulo, el cuadrado, la cruz y el círculo; los elementos cromáticos se circunscriben al rojo, negro, azul, blanco y verde.. Kazimir Malevich, 1878, 1935, San Petesburgo. Kazimir Malevich Traje "Hombre nuevo" Técnica: Pintura, 1913, 26×21 cm. Vanguardias Históricas : SUPREMATISMO “Eliminación de Objetos: Los cuadros suprematistas no representaban objetos ni transmitían mensajes sociales. Se centraban en la forma y la expresión visual.” Autor: Kazimir Malevich Título de la Obra: COMPOSITION, 1914. Óleo sobre lienzo. Medidas; 80x80 cm. Ubicación: SVERDLOVSK ART GALLERY. “Los rusos fueron pioneros en arte en los primeros años del siglo XX. Y uno de los creadores más vanguardistas de esos primeros años fue el pintor Kazimir Malévich, que promovía nada menos que la abstracción. Un universo sin objetos. Sin indicio visual posible. Arte no descriptivo. Quizás conseguir representar «la nada», que viene a ser representarlo todo. Pero… ¿cómo representar la nada?. Pues sencillamente no se puede, pero sí se puede crear arte centrado sólo en las propiedades físicas de la propia obra. De esa manera quizás el espectador podría llegar a la pura y simple sensación. Los suprematistas simplifican, ordenan todo, reducen los colores y, así, quizás los espectadores de una obra nos olvidemos que estamos ante una representación, sino ante todo el universo reducido en un cuadrado.” https://historia-arte.com/movimientos/suprematismo Composición Suprematista, 1916. Autor, Kazimir Malévich ; Técnica, Óleo sobre tela ; Tamaño, 88,5 cm × 71 cm ; Localización, Colección privada  El Legado de las lo absurdo como La exaltación de Vanguardias lo erótico y experiencia estética Históricas sensual Expresionismo ideales de progreso Fauvismo Surrealismo industrial -ruptura y crítica social disolución de creación a el arte al servicio el poder de lo signos partir de la sociedad del pueblo irracional -agonía del objeto nada moralmente deteriorada Dadaismo Constructivismo Cubismo idealismo estético Neoplasticismo racionalidad y purificación plástica primacía de la Suprematismo Futurismo idea Abstracción ARTE CONCEPTUAL Vanguardias Históricas : SUPREMATISMO En diciembre de 1915 muestra se celebra en la galería Nadiejda Dobichina de San Petersburgo la última exposición futurista, denominada “0.10”. Malevich expone 39 obras distribuidas en los muros de la habitación siguiendo una secuencia de recorrido que traza relaciones entre las pinturas expuestas. El “cuadrado negro” se exhibe en el ángulo superior de una de las esquinas, inclinado hacia la vista del espectador. En esta acción, Malevich rompe la perspectiva con la planitud de la figura, generando un estado de ingravidez en el resto de las obras que parecen “flotar” en la habitación. https://www.bloc.tecnne.com/kazimir-malevich/ EL FUTURISMO El futurismo es un movimiento artístico y literario que surgió a principios del siglo XX con el objetivo de romper con las tradiciones del pasado y celebrar la innovación, la velocidad y la modernidad. Busca exaltar la energía y la vitalidad de la vida contemporánea, así como explorar las posibilidades del futuro. Este movimiento, impulsado por el poeta italiano Filippo Marinetti, se manifestó en diversas formas de expresión, como la pintura, la arquitectura y la literatura. La Risa, año 1911, autor: Umberto Boccioni Técnica: óleo sobre lienzo. Dimensiones: 110.2×145.4 cm. Localización: Museo de Arte Moderno, Nueva York, (MOMA) Manifiesto Futurista Queremos cantar el amor al peligro, al hábito de la energía y a la temeridad. El coraje, la audacia y la rebeldía serán elementos esenciales de nuestra poesía. La pintura y el arte ha magnificado hasta hoy la inmovilidad del pensamiento, el éxtasis y el sueño, nosotros queremos exaltar el movimiento agresivo, el insomnio febril, la carrera, el salto mortal, la bofetada y el puñetazo. Afirmamos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un coche de carreras con su capó adornado con grandes tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo... un automóvil rugiente que parece que corre sobre la metralla es más bello que la Victoria de Samotracia. Queremos alabar al hombre que tiene el volante, cuya lanza ideal atraviesa la Tierra, lanzada ella misma por el circuito de su órbita. Hace falta que el poeta se prodigue con ardor, fausto y esplendor para aumentar el entusiástico fervor de los elementos primordiales. No hay belleza sino en la lucha. Ninguna obra de arte sin carácter agresivo puede ser considerada una obra maestra. La pintura ha de ser concebida como un asalto violento contra las fuerzas desconocidas, para reducirlas a postrarse delante del hombre. ¡Estamos sobre el promontorio más elevado de los siglos! ¿Por qué deberíamos protegernos si pretendemos derribar las misteriosas puertas del Imposible? El Tiempo y el Espacio morirán mañana. Vivimos ya en lo absoluto porque ya hemos creado la eterna velocidad omnipresente. Giacomo Balla, julio de 1871, Turín, marzo de 1958, Roma Lo decía Marinetti en su Manifiesto: “Ya lo decían los futuristas en su Manifiesto técnico de la pintura futurista: «un caballo no tiene cuatro patas, sino veinte». “Hoy este cuadro parece una tontería nada original, un lenguaje visual que hasta fue absorbido por los dibujos animados. Pero en 1912 fue un auténtico hallazgo creativo. Algo futurista.” Título: Dinamismo de perro con correa Autor: Giacomo Balla Cronología: 1912 Estilo: Futurismo Materiales: óleo sobre lienzo Ubicación: Albright-knox Art Gallery (EEUU) Dimensiones: 89 x 109cm Giacomo Balla, julio de 1871, Turín, marzo de 1958, Roma Giacomo Balla, en Chica Corriendo en el Balcón nos muestra una joven en movimiento, con impaciencia. Contemplamos un ejemplo de Futurismo mediante la técnica del Puntillismo, o, como lo denominaban los futuristas italianos, División. Esta obra parece una suerte de efecto Doppler, lógicamente no en sonido, si no en imagen. El cambio de frecuencia es claramente destacable. En la izquierda el movimiento es laxo, pero en el centro podemos ver como cambia, se apresura, se emborrona, el pincel extiende la pintura y el punto desaparece para convertirse en un trazo largo de nuevo, para volver a relajarse a medida que se desplaza hacia la derecha del espectador. La muchacha corretea intranquila, se puede percibir la forma de sus piernas, el doblar de sus rodillas e incluso sus botas de color negro. También se percibe con claridad el perfil de la chica, su pelo recogido, e incluso la baranda del balcón. Chica Corriendo en el Balcón, 1912 Museo: Galleria d’Arte Moderna, Milán (Italia) Técnica: Óleo (125 x 125 cm.)  El Lissitzky (Lazar Markovich Lissitzky) (n. Smolensko, Rusia, 1890 - † Moscú, 1941) Movimiento artístico: Constructivismo El constructivismo ruso fue un influyente movimiento artístico que surgió en Rusia durante el siglo XX, especialmente después de la Revolución bolchevique de 19171. Algunos aspectos clave son: Enfoque en la construcción: Los artistas constructivistas buscaban reemplazar la preocupación tradicional por la composición con un enfoque en la “construcción”. Esto implicaba un análisis técnico cuidadoso de los materiales modernos y la creación de objetos útiles para la producción en masa al servicio de una sociedad comunista. Influencia de otras corrientes: El constructivismo ruso tomó ideas del cubismo, suprematismo y futurismo. Artistas-ingenieros: Los constructivistas se consideraban “artistas-ingenieros” y abogaban por el arte utilitario y El constructor, autorretrato (1925) propagandístico. El Manifiesto Realista, publicado el 5 de marzo de 1920 por Naum Gabo y su hermano Antoine Pevsner, es un texto en el que se explican las ideas del constructivismo. “El Lissitzky fue uno de los artistas más comprometidos con el Gran Experimento y uno de los más polifacéticos y cosmopolitas de la Rusia revolucionaria. Llegó al arte abstracto bajo la influencia de las ideas suprematistas de Malévich, aunque pronto las abandonó por considerarlas excesivamente místicas. Su afán por integrar la pintura y la arquitectura le llevó, hacia 1919, a crear sus primeros Proun, un tipo de obras con una marcada impronta geométrica que constituyen su aportación principal al mundo del arte. La palabra Proun, sin significado aparente, es un acrónimo de las palabras rusas «PROyect Utverzhdenia Novogo» (Proyecto para la Afirmación de lo Nuevo, se trata de composiciones de tipo geométrico con acusados efectos espaciales y arquitectónicos en los que se han abolido todas las leyes tradicionales de la perspectiva. Las formas están trazadas con regla y compás, lo que produce un dibujo de geometría muy sobria, pero cada uno de los elementos compositivos se representan con diferentes ángulos de visión, lo que crea un juego espacial muy dinámico, dominado por la asimetría.” https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/lissitzky/proun-1-c Título de la obra: Proun 19d Material: técnica mixta sobre lámina de madera. Medidas: 97.5 x 97.2 cm. Museo: MOMA. Nueva York.  EL CONSTRUCTIVISMO El constructivismo surge como una respuesta a las transformaciones sociales y tecnológicas de la época, buscando fusionar el arte con la función y la ingeniería. El constructivismo implica que la obra de arte sea una construcción, que se articule como un edificio y se realice siguiendo métodos análogos. 1920 - El Lissitzky Sin título , Técnica: óleo sobre lienzo. Medidas: 79,6 x 49,6 cm. Museo: colección Peggy Guggenheim. Venecia  ) Vladimir Tatlin (Rusia, 1885-1953 Monumento a la 3ª internacional Material: maqueta. Medidas: 400 m. no construida Vladimir Tatlin Corner Counter-Relief, 1914 Iron, copper, wood, and strings. 71 x 118 cm State Russian Museum, St. Petersburg  El Constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la revolución de octubre. Es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte "puro" del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista. El término “construction art” (construcción artística) fue utilizado por primera vez en forma despectiva por Kazimir Malevich para describir el Naum Gabo trabajo de Alexander Rodchenko en 1917. Modem for Constructed Head No. Constructivismo aparece por primera vez como 3 (Head in a corner niche), 1917 un término positivo en “Realistic Manifesto” de Cardboard. 61 x 48.5 x 34.5 cm Collection annely juda fine art, Naum Gabo en 1920. London  Ludwig Kirchner. Alemania. (1880- Siglo XX Vanguardias Históricas/Expresionismo-Ernst Ludwig Kirchner 1938). “Lo grande del hombre es que es un puente y no una meta…”Nietzsche: “Así hablaba Zaratustra” Alemania. (1880-1938) Fundador y principal impulsor del grupo expresionista alemán die brücke (el puente)- 1905, en Dresde, en los que también participaron Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff-. De ideas revolucionarias y una intensa actividad en común, aunque sus exposiciones y publicaciones no tuvieron un reconocimiento inmediato.  ¡El futuro será de los artistas! El Expresionismo surge en Alemania a principios del siglo XX, en un contexto de numerosos cambios políticos, sociales y culturales, previo a la Primera Guerra Mundial, hasta el final de la Segunda Guerra Mundial (1945). El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica. Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos, lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, … Fuente: https://fido.palermo.edu/servicios_dyc/blog/docentes/trabajos/42013_158824.pdf  El Expresionismo surge en Alemania a principios del siglo XX, en un contexto de numerosos cambios políticos, sociales y culturales, previo a la Primera Guerra Mundial, hasta el final de la Segunda Guerra Mundial (1945). El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica. Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. Fränzi ante una silla tallada, 1910 Óleo sobre lienzo. 71 x 49,5 cm Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid  Abolición de la falsa moral del pasado, creación de un mundo nuevo. Devuelto a su pueblo natal después de tener varios episodios nerviosos en el campo de batalla, la búsqueda estética del artista encontró un nuevo interés: ése de mostrar los ángulos incómodos del horror, impresos en las esquinas polvosas de todos los días. Escrito por: Andrea Fischer Donne in Postdamer Platz Museo: Kunstmuseum, Berna (Suíza) Técnica: Grabado (51 x 37.5 cm.)  Kirchner creó esta pintura en un período de soledad e inseguridad poco después de la disolución del grupo Brücke en 1913. Muestra a dos prostitutas bien vestidas paseando por las calles, rodeadas de hombres que miran furtivamente. Para Kirchner, la prostituta era un símbolo de la ciudad moderna, donde el glamour y el peligro, la intimidad y la alienación coexistían necesariamente, y todo estaba a la venta. Los colores intensos y chocantes aumentan la emoción y la ansiedad, y el horizonte inclinado desestabiliza la escena. Ernst Ludwig Kirchner (1880–1938) Street, Berlin Fecha:1913 Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones: 120.6 x 91.1 cm.  Muy pronto, desarrollando los expansivos paisajes de color de contornos acentuados propios de Die Brücke(1), con su extraordinaria simplificación formal, comenzaron a surgir sus jeroglíficos nerviosos, sus cambios de perspectiva bruscos, encabalgamientos inesperados y audacias compositivas en forma de disposiciones en V, N y X. Esos rasgos se aprecian perfectamente en las cocottes(2) de su Postdamer Platz (1914). Sus escenas callejeras revelan que Kirchner fue un preciso observador de la vida urbana: estas obras, incluyendo la impresionante La Torre Roja de Halle (1915), se hallan entre lo mejor de su carrera, al mismo nivel que obras maestras como Desnudo femenino de medio cuerpo con sombrero (1911), Jinete de circo, genialmente inserto en un óvalo ornamental y el irónico autorretrato El bebedor (1915), en el que hay quien aprecia los rastros de Heckel. 1. Die Brücke (El Puente) es la tendencia artística de un grupo de pintores Kirchner. Potsdamer Platz, 1914. Neue alemanes expresionistas reunidos en Dresde entre 1905 y 1913. En 1913 Nationalgalerie, Berlin. "La crónica" de Kirchner provoca la disolución de este grupo de artistas. 2. Cocottes, era una denominación para prostitutas de lujo o cortesanas en Francia durante el Segundo Imperio y la Belle Époque. La critica señaló a éste tipo de arte como “arte degenerado”. Esto obligó al artista a renunciar a la academia de bellas artes de Berlín, en 1933. Se confiscó su obra (mas de 600 cuadros) de todos los museos alemanes para ser destruidas o vendidas; la autoridad llegó incluso a quitarle su nacionalidad, elementos que contribuyeron al suicidio del artista en 1938. Calle con buscona de rojo 1914 - 1925 Óleo sobre lienzo. 125 x 90,5 cm Museo Nacional Thyssen- Bornemisza, Madrid Ernst Ludwig Kirchner Alemania. (1880-1938). 1926 - 46 años Autorretrato con una modelo Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 150,4 x 100 cm. Museo: Kunsthalle. Hamburgo Vanguardias Históricas lo absurdo como La exaltación de experiencia lo erótico y estética sensual Expresionismo ideales de progreso Fauvismo Surrealismo industrial -ruptura y crítica social disolución de creación a el arte al servicio el poder de lo signos partir de la sociedad del pueblo irracional -agonía del objeto nada moralmente deteriorada Dadaismo Constructivismo Cubismo idealismo estético Neoplasticismo racionalidad y purificación plástica primacía de la Suprematismo Futurismo idea Abstracción ARTE CONCEPTUAL El Surrealismo El surrealismo fue un importante movimiento artístico surgido en Francia a finales de la década de 19101. Su objetivo era explorar de forma artística la mente humana y la dinámica de los sueños. Inspirado por el dadaísmo y las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud, los surrealistas crearon imágenes desconcertantes e ilógicas, a menudo con precisión fotográfica, para expresar el funcionamiento real del pensamiento y desafiar los límites de la lógica. Utilizaron técnicas como la escritura automática y las visiones poéticas oníricas para liberar la mente de las restricciones de la razón y la lógica1. El término “surrealismo” fue acuñado por Guillaume Apollinaire en 1917, y el movimiento se expandió por todo el mundo, influyendo en las artes visuales, la literatura, el cine y la música. En resumen, el surrealismo busca expresar la imaginación y el inconsciente mediante imágenes que no siguen las normas sociales ni la lógica común Primer manifiesto del surrealismo es un texto publicado el 15 de octubre en 1924 por André Breton.  Surrealismo Salvador Dalí, nacido en Figueras en 1904, es uno de los Siglo XX Vanguadias Históricas/ Surrealismo pintores más influyentes y emblemáticos del Surrealismo. Aunque comenzó junto a sus contemporáneos, Dalí se esforzó por distanciarse y excluirse de cualquier movimiento artístico. Su aportación más importante fue el método crítico paranoico, que aún inspira a muchos artistas al explorar el subconsciente. Utilizó la teoría freudiana para crear un lenguaje visual poderoso, plasmando sueños, pesadillas y alucinaciones en su obra Su estilo único y su imaginación lo convirtieron en un maestro del surrealismo, aplicando su ideario a todo lo que creaba. A través de su arte, Dalí exploró el subconsciente, el simbolismo y la irracionalidad, creando imágenes sorprendentes y perturbadoras. Su legado sigue siendo relevante en la historia del arte contemporáneo. Salvador Dalí, mayo de 1904 Figueras (España) - enero de 1989 Figueras (España)  Desintegración de la persistencia de la memoria (1952-1954) Museo Dalí en San Petesburgo) Siglo XX Vanguadias Históricas/ Surrealismo Reloj Blando La persistencia de la memoria (1931) Museo de Arte Moderno(MOMA) - Nueva York. Siglo XX Vanguadias Históricas/ Surrealismo Niño geopolítico mirando el nacimiento del Galatea de las esferas (1952) hombre nuevo (1943) Fundación Gala-Salvador Dalí – Figueres. Museo Dalí - St. Petersburg. “El ojo del tiempo” simboliza dos de las grandes preocupaciones dalinianas: el ojo como la más perfecta y gelatinosa máquina de retratar, incuestionablemente superior a la fotografía, y el escurridizo tiempo, devorador de instantes vitales, flexible pero inapelable guadaña del destino. Dalí juega aquí con la idéntica forma circular del tiempo y la visión para instalar un auténtico reloj en las entrañas de un ojo de diamantes, cuyo “pathos” –o tragedia interior– queda en evidencia por un irritado lagrimal de rubí del que se desprende un solo llanto de platino.  EL DADAISMO El dadá o dadaísmo fue un movimiento antiarte que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916, que se caracterizó por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían SIGLO XX. VANGUARDIASHISTÓRICAS/ DADAISMO destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando una especie de anti-arte o rebelión contra el orden establecido. Con Tristan Tzara como su fundador. Fue una oposición al pasado violento de la guerra mundial. El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil encontrarle lógica. Se distingue por: la inclinación hacia lo dudoso, terrorismo, muerte y nihilismo, lo fantasioso, busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables y tiene una tónica general de rebeldía o destrucción. NIHILISMO: DEL LATÍN: NADA. NEGACION DE TODA CREENCIA SIGLO XX. VANGUARDIASHISTÓRICAS/ DADAISMO Dadá se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo entendiendo por humanismo la tradición anterior, tanto filosófica como artística o literaria. No por casualidad en una de sus primeras publicaciones había escrito como cabecera la siguiente frase de descartes: «no quiero ni siquiera saber si antes de mí hubo otro hombre.» LLÉVENME, RETRATO AL ACEITE DE RICINO 1919-1920. ÓLEO SOBRE TELA. 142,5 X 102,9 CM. THE MUSEUM OF MODERN ART. NUEVA YORK. USA.  MANIFIESTO DADAISTA Fueron tiempos de revoluciones y efervescencia política. el "movimiento" dadá emite su propio "manifiesto": "...NO ESTOY NI EN PRO NI EN CONTRA, Y ADEMÁS, NO LO EXPLICO, PORQUE DETESTO EL IGLO XX. VANGUARDIASHISTÓRICAS/ DADAISMO SENTIDO COMÚN... "ASCO DADAÍSTA. "ABOLICIÓN DE LA MEMORIA: DADÁ "ABOLICIÓN DE LA ARQUEOLOGÍA: DADÁ "ABOLICIÓN DE LOS PROFETAS: DADÁ "ABOLICIÓN DEL FUTURO: DADÁ "CREENCIA ABSOLUTA INDISCUTIBLE EN CADA DIOS PRODUCTO INMEDIATO DE LA ESPONTANEIDAD: DADÁ..."  MARCEL DUCHAMP (FRANCIA, 1887-1968) Marcel Duchamp nació en Blainville-Crevon, cerca de Rouen, y en 1906, antes de cumplir los veinte años, ya está Desnudo bajando una escalera, 1912. en Montmartre, en pleno meollo del París artístico. al Retirado de los independientes de 1912 y tiempo que empieza a pintar, publica caricaturas y dibujos aclamado el año siguiente en Nueva York, este humorísticos en la prensa, avanzando así una veta decisiva cuadro establece ya claras distancias entre en toda su insólita obra posterior: el humor, la ironía y la Duchamp y el cubismo. parodia. 1914 - 27 años Red de Paraderos Hay millones de artistas que crean; sólo unos Material: Óleo y lápiz sobre lienzo. cuantos miles son aceptados o, siquiera, Medidas: 148,9 x 197,7 cm. discutidos por el espectador; y de ellos, Museo: MOMA. NuevaYork muchos menos todavía llegan a ser consagrados por la posteridad. Artistas contra toda opinión, no son los pintores sino los espectadores quienes hacen los cuadros. Los dadaistas consideraban el arte como el apoyo de una sociedad burguesa destinada al fracaso y le daban la culpa por no haberla llevado a mejor fin. Es fácil suponer la repercusión de estas afirmaciones en una sociedad que, heredera de los conceptos románticos, consideraba al artista como un ser singular, privilegiado y dotado de facultades poco comunes. Para el dadaismo, el artista era un hombre sin ningún tipo de aptitud especial. Duchamp quiso elevar a la dignidad de arte a objetos simples y cotidianos, los famosos ready-made (objetos manufacturados), como prueba de que el arte era, sobre todo, una actitud mental que residía en el espectador y que, mediante la representación de estos objetos en una sala de exposiciones, se apreciaban las calidades estéticas y no las utilitarias que normalmente sugerían. La fuente (1917) fotografía de Alfred Stieglitz Comentario aparecido en la época de la exposición como editorial de la revista The blind man: "el asunto Richard Mutt Dicen que cualquier artista que pague seis dólares puede exponer. el señor Richard Mutt envió una fuente. Sin discusión este artículo desapareció y nunca fue expuesto. He aquí las razones para rechazar la fuente del señor Mutt: 1. algunos arguyeron que era inmoral, vulgar. 2. otros que era un plagio, una simple pieza de fontanería, pero la fuente del señor Mutt, al igual que una bañera, no es inmoral, eso es absurdo. Se trata de un accesorio que se ve a diario en los escaparates de los fontaneros. Si el señor Mutt hizo o no hizo la fuente con sus propias manos carece de importancia. Él la eligió, cogió un El concepto artístico que Duchamp postula con obras como fuente es artículo de la vida diaria y lo colocó de tal manera que su el del ready-made, es decir "lo ya hecho" u "objeto encontrado". Es significado habitual desapareció bajo el nuevo título y decir que encuentra objetos manufacturados que descontextualiza punto de vista: creó un pensamiento nuevo para ese de su entorno común y a los que les otorga una nueva identidad. Con objeto. ello, Duchamp ubica la esencia del acto artístico en la idea y En cuanto a la fontanería, eso es absurdo. la únicas obras selección del objeto, no en la creación ni en la imagen visual de la de arte que ha producido américa han sido sus obra. de este modo, el artista se libera de la manualidad y, por ende, productos de fontanería y sus puentes." de la técnica, que la tradición artística entendía como indisolubles del acto creador.  MARCEL DUCHAMP CON ROTORELIEFS, 1947 Duchamp había producido sus obras desde 1913, pero cuando convirtió su fuente en una pieza de museo, borró la distinción entre alta y baja cultura. Bordeó siempre los límites de la concepción tradicional del arte hasta tal punto que incluso hoy en día todavía algunos se preguntan si su aportación fue realmente genial o, sencillamente, se mofó del “mundo del arte” y abrió las puertas al “todo vale”.