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Apuntes Historia Arte 2º Bachillerato. Conchi Martínez EL ARTE GRIEGO. El arte clásico desarrollado en la antigua Grecia ha tenido una honda repercusión en la cultura occidental. Sus logros intelectuales y estéticos c...

Apuntes Historia Arte 2º Bachillerato. Conchi Martínez EL ARTE GRIEGO. El arte clásico desarrollado en la antigua Grecia ha tenido una honda repercusión en la cultura occidental. Sus logros intelectuales y estéticos conformaron el gusto de las sociedades de épocas posteriores, que vieron representados en él un modelo de belleza basado en la armonía, el equilibrio, la mímesis o la idealización. De este modo, la civilización romana, el Renacimiento, el Barroco o el Neoclasicismo volvieron la vista atrás y encontraron en el arte clásico o heleno un auténtico filón artístico en el que inspirarse. Según esto, parece ser que el ideal de belleza de la Grecia clásica resiste bien el paso del tiempo e influye en la cultura de diferentes épocas y lugares, e incluso es posible que continúe haciéndolo en la actualidad. 1. LA ARQUITECTURA GRIEGA Y SUS ÓRDENES. La arquitectura griega no se entiende sin tener en cuenta la relación con la polis. En los períodos de máximo esplendor de las ciudades-Estado fue cuando se produjo una mayor creatividad constructiva. Los dirigentes, para impresionar al pueblo, quisieron embellecer las ciudades construyendo espacios religiosos o civiles. Por ejemplo, Pericles, otorgó a Atenas la primacía económica, política y cultural del mundo griego tras las Guerras Médicas. La evolución de la arquitectura se basó en el dominio sobre los materiales. En el siglo VII a.C. comenzó a tallarse la piedra negra y fueron menos usados otros materiales perecederos, como el adobe, la madera o la arcilla. Este predominio de la piedra se hizo más intenso a raíz de los contactos con los talleres de escultura. Prueba de ello, es que el templo griego es la unión perfecta entre arquitectura y escultura. En la época clásica, se empleó sobre todo el mármol blanco. A rasgos generales, la arquitectura griega es arquitrabada, es decir, utiliza elementos de cubierta horizontales, lo cual no significa que no conocieran el arco y la bóveda. Los arquitectos griegos se preocuparon especialmente en el aspecto exterior del edificio, sobre todo en el caso de los templos. Las proporciones de los mismos estaban en armonía con el cuerpo humano; ello respondía al concepto de canon o búsqueda de las proporciones ideales. Esta belleza externa, se alcanzaba por medio del orden. 1.1. Los órdenes arquitectónicos. Una de las aportaciones más importantes del arte griego ha sido el orden arquitectónico, según el cual los elementos arquitectónicos del templo deben tener una organización y una estética concretas. En el arte griego se distinguen tres órdenes: dórico, jónico y corintio. Orden Dórico. Se trata del orden arquitectónico más antiguo y simple, de estilo sobrio y robusto, se convirtió en el más característico de la arquitectura griega. 1 Apuntes Historia Arte 2º Bachillerato. Conchi Martínez La columna dórica no tenía basa, se apoyaba directamente sobre el estilóbato. El fuste era grueso y estirado, y estaba compuesto de varios tambores con éntasis acusado. El capitel lo formaba un elemento curvo, el equino, rematado por el ábaco, una pieza rectangular. El entablamento se situaba encima del capitel y se componía de arquitrabe, friso y cornisa. El arquitrabe era liso. El friso estaba decorado por triglifos y metopas, lisas o esculpidas; y sobre este descansaba una cornisa sobresaliente que formaba la base del frontón triangular, decorado con esculturas en su propio interior (el tímpano). El tejado era a dos aguas y se decoraba en los laterales con acróteras. Algunos ejemplos son el Templo de Hera (s. VII a.C) y El Templo de Zeus (470-476 a.C), ambos en Olimpia. Orden Jónico. Procedía de las islas del Egeo y de Asia menor; su mayor auge fue a mediados del siglo V a.C. y destacaba por su esbeltez y ornamentación. La columna de fuste más fino y alto, se apoyaba directamente sobre la basa, formada por una pieza cóncava (la escocia) y otra convexa (el toro). El fuste presentaba acanaladuras y ligero éntasis. El capitel estaba decorado con solo volutas rematadas por un ábaco ornamentado que sostenía el arquitrabe. El entablamento se componía de un friso corrido, generalmente decorado con relieves escultóricos, y la cornisa. Como ejemplo encontramos el Templo de Apolo en Dídima (hacia el 300 a.C.). Orden Corintio. Fue una variante del jónico. Se desarrolló en las arquitecturas helenísticas y romanas. Se diferencia del jónico por su capitel decorado por hojas de acanto y volutas en los ángulos. Como ejemplo encontramos el Templo de Zeus Olímpico en Atenas (174 a.C.-131 a.C.). 1.2. Los templos. El templo representa la máxima expresión del arte griego. Es el alma de las polis, construido en honor a la divinidad de la ciudad y situado en la parte más noble de la Acrópolis (ciudad en lo alto). Originalmente, la Acrópolis fue la residencia de los reyes, por ello estaba amurallada. Posteriormente, se convirtió en la morada de los dioses. La Acrópolis de Atenas es su máximo exponente. El templo griego era la casa de la divinidad y el culto se realizaba en el exterior, por ello esta parte era la que presentaba el máximo esplendor y grandeza, dándole incluso un carácter más escultórico que arquitectónico. El interior era más austero, ya que no acogía a los fieles y a él solo tenían acceso los sacerdotes y sacerdotisas que se encargaban del cuidado de la estatua y del tesoro de las divinidades. 2 Apuntes Historia Arte 2º Bachillerato. Conchi Martínez Los templos estaban policromados en algunas partes (el fondo de las metopas, los triglifos y el friso) en tonos azules, rojos o dorados; esto servía para resaltar diversas zonas del templo, dándole mayor armonía y efecto. La religión era un elemento cohesionador de las polis y cada ciudad tenía sus dioses protectores. Una prueba es el culto que se le rendía en los grandes santuarios (Olimpia, Delfos), que dio lugar a las celebraciones periódicas festivas (competiciones atléticas, representaciones teatrales…) que eran ofrecidas a los dioses. La religión era antropocéntrica, es decir el ser humano era la medida de todas las cosas. Esto se reflejó en las artes plásticas, puesto que tendían al realismo. Los dioses se humanizaron, no solo en lo físico, sino que presentaban vicios y virtudes propios de las personas. Tipologías de templos. El templo griego provenía de mégaron de los palacios micénicos, una sala rectangular precedida por un pórtico de columnas. Los templos formaban parte de un conjunto sagrado llamado témenos compuesto por propileos (entrada), altar, templo, tesoros, stoas (columnatas), estatuas votivas… La planta de los templos griegos era, generalmente, rectangular, aunque en algunos casos podía ser circular y entonces recibía el nombre de tholos. Constaba de las siguientes partes: Naos o cella, sala rectangular que albergaba la estatua de la divinidad. Pronaos o pórtico, conducía a la naos y normalmente tenía dos columnas. Epistodomo o pórtico, situado en la parte posterior del templo y simétrico al pronaos, donde se albergaba el tesoro de la divinidad. Según la disposición y número de columnas, los templos recibían distintos nombres: In antis, cuando tenía uno o dos pórticos de dos columnas. Próstilo, con cuatro o seis columnas en la fachada delantera. Anfripróstilo, con cuatro o seis columnas en la fachada principal y en e epistodomo. Períptero, cuando estaba rodeado por una hilera de columnas. Díptero, si dos hileras de columnas lo rodeaban totalmente. También tenían distintos nombres según el número de columnas en el frente. Dístilo, si tenía dos. Tetrástilo, si tenía cuatro. Hexástilo, si tenía seis. Es el más común. Octástilo, si tenía ocho. Se considera el Partenón de Atenas como el mejor ejemplo de templo dórico y el de mayor tamaño. Fue el primero en construirse en honor a la diosa Atenea. Junto con el 3 Apuntes Historia Arte 2º Bachillerato. Conchi Martínez Partenón destacan otros dos templos dentro de la Acrópolis ateniense, el de Atenea Niké y el Erecteion. 1.3. El teatro. Todas las polis tenían teatro, donde llevar a cabo las representaciones dramáticas en sus festividades. Los teatros no estaban cubiertos. Al principio no eran duraderos, simplemente se escalonaba un lugar y se colocaban asientos de madera. Hubo que esperar al siglo IV a.C. para ver la aparición de la gradería de piedra. El teatro estaba ideado para la representación y por ello elementos como la acústica o la visibilidad, entre otros, debían ser tenidos en cuenta. Constaban de cuatro partes principales: Orchestra, circular para la danza y el coro con un altar dedicado a Dionisio. Auditorio semicircular o cavea, sobre la falda de una colina. Era el graderío, el lugar destinado para el público y estaba dividido en dos niveles por una galería. Escenario o escena, donde se ubicaban los decorados. Más adelante, pasó a ser el lugar donde se realizaba la obra. Proscenio, donde en su origen se actuaba. El acceso se realizaba por dos rampas laterales. El teatro mejor conservado es el de Epidauro. 1.4. El urbanismo. Grecia estaba compuesta por diversas ciudades-Estados, que contaban con sus propios gobiernos, economía y legislación, y donde existía una jerarquía social. Suelen distinguirse dos lugares muy significativos: Acrópolis, donde se concentraban los edificios religiosos más importantes. Ágora, centro público y lugar de reunión en las ciudades griegas, donde se llevaban a cabo el comercio y el intercambio de ideas. A partir de las colonizaciones griegas por el Mediterráneo surgieron el plano ortogonal y el plano hipodámico. En el siglo IV a.C. el mundo griego se expandió gracias a las conquistas de Alejandro Magno. Egipto y ciudades de Asia Menor asimilaron la cultura griega. El arte renovó el estilo griego clásico. Por ello, este período se denomina helenístico, para diferenciarlo del arte puramente griego. Uno de los ejemplos lo encontramos en el Altar de Zeus en Pérgamo, así como el Mausoleo de Halicarnaso. 2. LA ESCULTURA GRIEGA: LA BÚSQUEDA DE LA BELLEZA. La escultura griega es la manifestación artística en la que más sobresalieron los griegos. Sus características más destacadas son las siguientes: Búsqueda de la belleza, que se basa en la proporción y el equilibrio de las partes (canon), como sucedía en la arquitectura. 4 Apuntes Historia Arte 2º Bachillerato. Conchi Martínez Naturalismo, desde el siglo VII a.C. intentan imitar en sus obras la realidad (mímesis). El realismo se alcanzaba por medio de la razón y la experiencia. Como consecuencia, se intenta reproducir la naturaleza, y en ella está incluida el ser humano. Posteriormente, este idealismo dio paso a una clara idealización. El estudio del cuerpo humano, que se relaciona con el antropocentrismo. Los materiales más utilizados fueron la piedra, sobre todo el mármol, y el bronce. Las esculturas de piedra estaban policromadas, aunque la mayor parte de los colores se han perdido. La escultura evolucionó desde una primera etapa donde predominaban las figuras esquemáticas, pasando por un realismo idealizado típico de la época clásica, hasta llegar al arte realista de la etapa helenística. 2.1. La escultura arcaica. (VII a.C.-480 a.C.). En esta etapa las esculturas y los relieves presentan unas características que recuerdan a la estatuaria oriental y, especialmente a la egipcia: Las figuras son hieráticas, se presentan de pie con la pierna izquierda adelantada, en posición de marcha y los brazos pegados al cuerpo. La anatomía es estilizada, espaldas anchas, pliegue inguinal muy marcado, pómulos salientes, grandes ojos almendrados, sonrisa arcaica, cabellos largos y rizados. Kurós y Koré. El Kurós (Kuroi en plural) es la estatua masculina más característica de esta época, representa jóvenes atletas desnudos, que siguen fielmente las características mencionadas anteriormente. Estas esculturas podrían ser votivas o funerarias. Algunos ejemplos son Kurós de Anavyssos, Cleobis y Bitón, El Moscóforo, y el Jinete Rampín. La Koré (Korai en plural) es la estatua femenina vestida bien con el peplo, o bien con el jitón (vestimenta interior tanto corta como larga), en ella se mantiene una actitud rígida, la sonrisa enigmática y el geometrismo en los cabellos, pero algunas insinúan un cierto movimiento, como el intentar recogerse el vestido con una mano, como en los pliegues de los mismos. Presentaban rica policromía e incrustaciones que embellecían la figura. Algunos ejemplos son La Dama de Auxerre, La Koré del Peplo, y la Koré número 264. Ambos tipos de estatua eran de bulto redondo y se realizaban en piedra o mármol. 2.2. La escultura clásica. En la etapa clásica, la escultura vive un avance hacia el naturalismo: 5 Apuntes Historia Arte 2º Bachillerato. Conchi Martínez Se abandona la frontalidad. Se consigue un movimiento más natural, se elimina la rigidez arcaica y se dota a la figura de mayor equilibrio y armonía. Los rostros presentan una expresión más serena, y los cabellos y ropajes son más realistas, dando apariencia de vida y libertad. La anatomía humana se conoce mejor y se trata de llegar a la máxima perfección, a la belleza ideal. Obras representativas de la transición hacia el clasicismo son el Aúriga de Delfos, Poseidón o Zeus de Artemisión, y el Trono de Ludovisi. La escultura griega clásica está ligada a la evolución cultural de la sociedad ateniense en el siglo V a.C. se pueden distinguir dos etapas: Alto clasicismo (siglo V a.C.), representado por los escultores Mirón, Policleto y Fidias, su máximo representante. Clasicismo tardío (finales del siglo V a.C. – siglo IV a.C.), periodo en el que destacan Praxíteles, Scopas y Lisipo. Mirón (480 a.C. – 440 a.C.). Escultor que rompió con las convenciones de la época arcaica y otorgó sensación de movimiento a las figuras, aunque aún faltaba dotarlas de expresión y estudio psicológico. Su principal mérito consistió en representar el cuerpo humano en tensión, con posturas forzadas en un equilibrio inestable, por lo que el tratamiento de la anatomía humana es exquisito. Fue conocido como broncista. Entre sus obras destacan el Discóbolo y el grupo de Atenea y el sátiro Marsias. Ambas obras las conocemos en la actualidad gracias a copias realizadas en la época romana. Policleto (480 a.C. – 420 a.C.). Fue un escultor griego conocido por el tratado teórico que escribió acerca de la belleza y las proporciones humanas llamado Canon. En este tratado elaboró una serie de reglas para representar el cuerpo humano de forma perfecta: este debía tener una altura igual a 7 cabezas y 2/3. Dividió el rostro en 3 partes iguales: frente nariz y de la nariz al mentón. Otra de sus aportaciones fue introducir el contrapposto, que producía un movimiento armónico en el cuerpo. Entre sus obras conservadas destaca: Diadumeno, y el Doríforo. Ambas esculturas son el mejor ejemplo del canon y del contrapposto. En la actitud de ambas, como dando un paso, pero en equilibrio estático, descubrimos el llamado “ritmo de ambulatorio”, es decir, como si se encontrasen entre un paso y el siguiente. 6 Apuntes Historia Arte 2º Bachillerato. Conchi Martínez Fidias (490 a.C. – 430 a.C.). Se le considera el escultor que encarna de manera más clara el ideal de belleza clásico. Fue también arquitecto y director de las obras de reconstrucción de la acrópolis de Atenas, además de orfebre. Consiguió plasmar la belleza ideal en todas sus creaciones. Podemos dividir sus obras en dos grupos: Obras exentas. Realizó varias estatuas de la diosa Atenea (Atenea Lemnia, Atenea Prómacos…), las cuáles conocemos por copias. Pero es la estatua criselenfantina de Atenea Pártenos la más relevante. Otra obra conocida es la estatua sedente del Zeus Olímpico, que tampoco se conserva. Relieves del Partenón. Fidias es el responsable de la decoración escultórica del Partenón de Atenas. - En los frontones oriental y occidental representó el nacimiento de Atenea y la lucha entre Atenea y Poseidón. Introduce una nueva técnica: los “paños mojados” o transparencias de ropajes que muestran un mejor estudio de la anatomía femenina y un mayor naturalismo. - En las metopas de la parte norte representa la destrucción de Troya; en el sur la centauromaquia; en la parte oriental la gigantomaquia; y en la occidental la amazonomaquia. Personajes, todos ellos, que se agita en variados escorzos, de gran dinamismo. - En los frisos del interior de la cella se sitúa el relieve que representa la procesión de las Panateneas. Praxíteles (395 a.C. – 330 a.C.). Se caracteriza por lo sutil y refinado de sus formas. En sus obras hay sensualidad y delicadeza que pone de manifiesto en los cuerpos de doncellas y efebos que tienen una forma sinuosa, marcando la curva praxiteliana. Las figuras arquean suavemente su cuerpo buscando un punto de apoyo ajeno, lo que les obliga a doblar una pierna para apoyarse en la otra y arquear la cadera. Además, las figuras tienen expresión en los rostros y giran la cabeza buscando con la mirada objetos u otros personajes de la escena. Entre sus obras destacan el Hermes con el niño Dionisio, Apolo Sauróctono, y La Afrodita o Venus de Cnido. Scopas (380 a.C. – 330 a.C.). Desapareció la serenidad clásica para dar paso a temas trágicos y personajes atormentados y pasionales que se acercan a la época helenística. El patetismo lo consigue gracias al tratamiento de los rostros: la disposición del entrecejo y de los ojos, profundamente tallados y con las pupilas dirigidas a lo alto, y las caras redondas y rotundas. 7 Apuntes Historia Arte 2º Bachillerato. Conchi Martínez Entre sus obras destaca la cabeza de la Diosa fortuna, la Ménade, donde podemos observar la expresión de los sentimientos, el pathos (pasión) y el ethos (ausencia de emoción), de la etapa anterior; los relieves del frontón del templo de Atenea Alea y la decoración del friso este del Mausoleo de Halicarnaso. En este último se narra la lucha entre griegos y Amazonas coma y aparecen figuras agitadas y de gran dramatismo que dejan al descubierto la parte de los cuerpos. Lisipo (390 a.C. – 300 a.C.). Era el escultor preferido de Alejandro magno, y el único que tenía el honor de esculpir sus retratos. Modificó el canon de Policleto: la cabeza era la octava parte del cuerpo y, por tanto, sus figuras eran más esbeltas, perdiendo la robustez de épocas anteriores. Consiguió que las figuras se independizaran mostrando al espectador una visión múltiple, desde varios puntos de vista. Trató la obra con gran precisión y detallismo, sin dejar de lado lo violento y agitado. Entre sus obras más importantes, destaca el Apoxiómeno, joven atleta que se asea limpiándose el polvo después del ejercicio. Otra obra destacada es Ares Ludovisi, en la que muestra al dios guerrero sentado, con la espalda levemente inclinada hacia atrás y las manos apoyadas sobre la rodilla izquierda. Un amorcillo juega entre sus piernas coma haciendo una alusión a la inclinación de Ares por el amor. Representa cierta expresión de melancolía en el rostro, humanizando al dios. 2.3. La escultura helenística. La escultura helenística se caracteriza por un naturalismo pleno. Se representa la realidad en su estado más puro; de ahí el realismo de las escenas que recogen todos los aspectos de la vida: pathos, dolor, violencia, fealdad, patetismo y cuerpos decrépitos… Aparecen nuevos temas como el retrato. Los artistas se centran en la anatomía, con representaciones de fuerte claroscuro y gran dramatismo y belleza. En la escultura helenística podemos distinguir dos tendencias: - Realismo con predisposición al idealismo. Venus de Milo, y la Victoria de Samotracia. En esta última, la fuerza del viento pega las telas al cuerpo y deja ver la anatomía gracias a la técnica de los paños mojados. - Realismo naturalista, donde niños, ancianos y mujeres son representados en su entorno cotidiano. El niño de la Oca, y El Espinario. En esta época se desarrollan las escuelas artísticas con estilos diferenciados. Cómo las escuelas de Antioquía, Atenas, Alejandría, Rodas y Pérgamo, surgen como centros escultóricos que acogen diversos talleres. La escuela de Rodas. 8 Apuntes Historia Arte 2º Bachillerato. Conchi Martínez Agesandro de Rodas trabajó junto con sus hijos, Polidoro y Atenodoro, en el grupo escultórico de Laocoonte y sus hijos. En el Toro de Farnesio o Suplicio de Dirce, realizado por Apolonio y Taurisco de Tralles coma el espectador no puede quedar impasible ante la gigantesca composición, de clara estructura piramidal. Los escultores incluyeron varias figuras humanas, elementos paisajísticos y animales secundarios. La Escuela de Pérgamo. Las contiendas y victorias de la ciudad de Pérgamo fueron el tema principal en la escultura. Mandaron esculpir grupos de galos vencidos, cómo el Gálata moribundo, y el Gálata Ludovisi. La temática es típica del Helenismo: dolor y sufrimiento, agonía y muerte, que se expresan en lo físico y en los psicológico, quedando patente en los rostros de los personajes. La pérdida de la vida humana se trata con honor y nobleza. El arte de esta escuela culminó con el altar de Zeus. 3. La cerámica y la pintura. 3.1. La cerámica griega. La cerámica es un arte antiguo practicado en Grecia desde el Neolítico, pero fue en el 1800 a. C. cuándo adquirió cierta importancia gracias a los talleres minoicos y micénicos. Estas obras se decoraban con motivos de fauna y flora marinas. En los siglos X y IX a.C., empezó el diseño geométrico. El semicírculo, los triángulos, las formas en zigzag, la línea ondulante y la esvástica fueron los motivos más repetidos. Hacia el siglo VI a.C., se introducen la figura humana y los animales. Son figuras muy estilizadas, de contornos rectilíneos y vistas de frente. Se pintaron en un tono negro sobre fondo rojo. Es la cerámica de figuras negras. Con el paso del tiempo, las escenas se complicaron y aparecieron temas cotidianos y mitológicos. A finales del siglo V a.C. surgió la técnica de las figuras rojas. Las figuras se pintaban en rojo sobre un fondo negro. Hubo una mayor variedad de temas en piezas de cerámica de formas variadas: ánforas, cráteras, hidrias…cada una de ellas se utilizaba para un uso. 3.2. La pintura griega. Los antiguos griegos utilizaban la pintura para decorar las obras arquitectónicas y escultóricas. También se tiene conocimiento de que pintaron sobre las tablas de madera. Los temas que representaban eran sobre todo paisajes, escenas de guerra y mitologías, ir ceremonias religiosas o cortesanas. Los restos que nos han llegado de pintura griega son muy pocos, algunos pintores destacables son: Apeles, Zeuxis y Helena de Egipto. Sin embargo, gracias a la cerámica y los mosaicos es posible conocer cómo fueron las representaciones pictóricas griegas. 9 Apuntes Historia Arte 2º Bachillerato. Conchi Martínez 10