Les normes du réalisme et expressionnisme

Un mouvement cinématographique français qui a émergé en 1959, caractérisé par son rejet des normes du cinéma classique et sa recherche de nouvelles formes d'expression.

Une pratique filmique qui s'éloigne des conventions du cinéma classique, explorant de nouveaux modes de narration, de mise en scène et d'esthétique.

Une esthétique qui s'inspire de différents courants artistiques et culturels, créant une variété de styles et de techniques.

Des thèmes qui reflètent les préoccupations et l'esprit de l'époque, en s'adressant aux réalités contemporaines.

Une volonté de ne pas se conformer aux règles établies, en transgressant les conventions du cinéma classique.

Une influence notable du néo-réalisme italien, notamment dans l'utilisation des tournages en extérieur, de la lumière naturelle et des acteurs non-professionnels.

Une rupture radicale avec les conventions du cinéma classique, en explorant des formes de narration et d'esthétique plus audacieuses et expérimentales.

Un style qui se rapproche des conventions du cinéma classique, tout en y apportant des innovations et des subtilités.

Mouvement cinématographique qui se caractérise par l'utilisation de décors naturels, d'acteurs non-professionnels et de plans larges pour créer une image plus authentique et réaliste.

Style de réalisation qui utilise des techniques comme les raccords, le montage et le découpage pour créer une impression de continuité et de cohérence, ce qui renforce l'effet de réalité. Il favorise le plan moyen et le plan rapproché.

Type de montage qui respecte la continuité narrative et l'ordre chronologique des événements, donnant l'impression d'une réalité ininterrompue.

Type de montage qui brise la continuité narrative et l'ordre chronologique, créant ainsi un effet expressif pour mettre en valeur des émotions ou des idées.

Une image authentique et non-construite capturée directement dans la réalité.

Films qui utilisent des décors artificiels, des acteurs professionnels et des dialogues écrits pour créer un effet plus artificiel et divertissant.

Tendance cinématographique qui se caractérise par un style réaliste et une exploration profonde des états psychologiques des personnages.

Style de réalisation qui utilise des techniques comme les plans larges, les décors naturels, et les acteurs non-professionnels pour créer un sentiment d'authenticité.

La Nouvelle Vague encourage le réalisateur à devenir auteur, avec une vision personnelle unique.

La Nouvelle Vague utilise des techniques de tournage, d'écriture et de montage qui rompent avec les conventions du cinéma traditionnel, comme la narration linéaire, les décors naturels et l'improvisation.

La Nouvelle Vague valorise le désordre, la complexité et l'écriture non-linéaire, encourageant le spectateur à réfléchir et à analyser les films.

La Nouvelle Vague explore les liens entre le cinéma et d'autres formes d'art comme la peinture, la littérature et le pop-art.

Le réalisateur emblématique François Truffaut a marqué la Nouvelle Vague avec des films comme "Les 400 coups", privilégiant la simplicité et l'authenticité.

Jean-Luc Godard, figure incontournable de la Nouvelle Vague, a réalisé des films comme "À bout de souffle" et "Pierrot le fou", reconnus pour leur style chaotique et leurs innovations.

Agnès Varda, précurseure de la Nouvelle Vague, a réalisé "La Pointe courte", un film novateur pour son style et son point de vue.

Un mouvement cinématographique américain des années 1960 et 1970 caractérisé par son style audacieux, ses thèmes provocateurs et ses personnages complexes.

Des réalisateurs comme Scorsese, Coppola et Polanski ont révolutionné le cinéma américain en explorant des thèmes profonds et en utilisant des techniques innovantes.

Des films comme Bonnie and Clyde (1967), Easy Rider (1969), et Taxi Driver (1976) ont marqué le Nouvel Hollywood par leur audace, leur style et leurs personnages anti-héros.

Une période de transition et de remise en question du Nouvel Hollywood due à l'augmentation des coûts de production et au succès des blockbusters.

L'évolution du cinéma américain du Nouvel Hollywood aux blockbusters s'est accompagnée d'un passage du mode primitif de narration au cinéma classique, marqué par une articulation entre réalisme et expressivité.

Un style cinématographique combinant des éléments documentaires et fictionnels, ainsi qu'une mise en scène réflexive et une exploration visuelle.

Réalisateur français connu pour ses films utilisant des références à la littérature, la peinture et la photographie, et pour son approche réflexive et expérimentale.

Un courant cinématographique qui s'opposait au cinéma traditionnel français des années 1950, considéré comme élitiste et trop focalisé sur les adaptations littéraires.

Un concept majeur dans le cinéma de Godard, impliquant l'intégration d'éléments d'autres formes artistiques comme la peinture, la photographie, la musique et la publicité.

Godard intègre des œuvres d'art picturales dans ses films, soit en les utilisant directement, soit en les recréant au sein du film. Il explore ainsi la notion de réalité et de représentation.

Godard traite le cinéma comme un art visuel, s'intéressant à la composition des plans, aux couleurs et aux textures. Il s'inspire de la peinture pour donner une dimension artistique à son cinéma.

Godard utilise le collage pour juxtaposer des images issues de la culture populaire, comme la publicité ou les bandes dessinées, afin de les recontextualiser et d'interroger leurs messages.

Ingmar Bergman était influencé par l'existentialisme de Sartre. Ses films explorent la responsabilité individuelle, la solitude et la dualité de l'être.

Bergman dépeint les personnages comme portant des masques, explorant la différence entre leur apparence et leur vraie nature. Son film Persona illustre cette thématique.

Le style de Tarkovski est marqué par une lenteur contemplative et une recherche de transcendance. L'image est un outil pour exprimer le mystère du monde.

Les films de Tarkovski se caractérisent souvent par une réflexion profonde et une recherche de sens. Ils fonctionnent comme des miroirs de la mémoire ou des pensées philosophiques.

Duras rejette les conventions narratives du cinéma traditionnel. Elle dissocie l'image du son, donnant une importance à une voix autonome. Ses narrations sont souvent ambiguës et mettent en avant l'incertitude identitaire.

Tarkovski utilise l'image comme un langage universel qui transmet des émotions et des idées complexes. L'image est une fenêtre ouverte sur le monde, en partie inatteignable et énigmatique.

Le dysnarratif, inspiré de la littérature moderne, rejette la logique et la vraisemblance narratives. Le ciné-roman, quant à lui, intègre des éléments narratifs complexes et non conventionnels dans le cinéma.

Le Nouvel Hollywood a émergé dans un contexte de contre-culture et d'évolution des standards sociaux. Les jeunes réalisateurs ont bénéficié d'une nouvelle liberté artistique et ont exploré des thèmes sociétaux et psychologiques plus audacieux.