Animación 2D: Inercia, Aceleración y Principios

Técnicas de animación tradicional 2D

• Inercia: Un cuerpo en reposo o movimiento constante permanece en ese estado hasta que una fuerza externa lo afecte.
• Aceleración: La aceleración de un cuerpo es proporcional a la fuerza aplicada sobre él.
• Acción y reacción: A cada acción corresponde una reacción igual en magnitud, pero en dirección opuesta.
• Energía: Toda acción que implica movimiento requiere energía, la cual se prepara con una acción previa y se transforma al final.
• Centro de gravedad: El equilibrio depende de la ubicación del centro de gravedad. Colocarlo adecuadamente permite el movimiento y previene caídas.

Los 12 principios de la animación

• Creados por Frank Thomas, Ollie Johnston, Eric Larson, Wolfgang Reitherman, Les Clark, Milt Kahl, Marc Davis, John Lounsbery y Ward Kimball.
• Documentados en "The Animator's Survival Kit" (Richard Williams) y "Disney Animation: The Illusion of Life" (Frank Thomas y Ollie Johnston).

Squash and Stretch (Aplastamiento y Estiramiento):

• Consiste en exagerar la deformación de un objeto para crear un efecto cómico o dramático.
• El volumen del objeto debe permanecer constante, comprimiéndose en una dirección al estirarse en la otra.

Anticipación:

• Toda acción se divide en tres partes: anticipación, acción y reacción.
• La anticipación prepara al espectador para la acción que está por venir.

Puesta en escena (Staging):

• Presenta una idea clara e inequívoca enfocándose en un único punto de interés en cada momento.
• Aporta personalidad y ambiente a la escena.

Acción Directa y Pose a Pose (Straight Ahead Action y Pose to Pose):

• Acción directa: Animación lineal y espontánea creando cada fase de la acción una tras otra sin planificación previa.
• Pose a pose: El animador planifica la acción requiriendo una actuación controlada y un timing preciso.

Seguimiento y Superposición (Follow Through and Overlapping Action):

• Follow through: Es la terminación de la acción.
• Si la anticipación es el paso previo a la acción, es la continuación de la acción y casi siempre sobrepasa el punto de destino.
• Overlapping action: Variaciones en el tiempo y velocidad de apéndices que dan una interpretación más real del movimiento.

Entradas y Salidas Lentas (Slow In and Slow Out):

• Ajusta el espaciado entre las intercalaciones entre posiciones clave.
• Interpolación: Modificar los espaciados armónicamente crea efectos de aceleración o desaceleración.
• Slow in (ease in): Movimiento que comienza lentamente y acelera progresivamente.
• Slow out (ease out): Movimiento que comienza rápido y se desacelera gradualmente.

Arcos:

• La trayectoria visual de una acción describe un arco, la ruta más eficiente en la naturaleza.
• La rapidez de la acción afecta la forma del arco; a mayor velocidad, más rectilínea es la trayectoria.

Acción Secundaria:

• Aumentan el interés y añaden complejidad realista a un personaje o escena sin distraer del movimiento principal.

Timing:

• Se compone de tiempo, peso, escala, proporciones y emociones.
• Es el tiempo en el que se realiza la acción, está relacionado con el número de dibujos entre posiciones.
• El timing influye en la percepción del peso; mayor masa y peso requieren más cuadros para iniciar o detener el movimiento.

Exageración:

• Amplifica gestos y movimientos de manera creíble para transmitir mejor la emoción e intención de la escena.
• No distorsiona arbitrariamente las formas.

Dibujo Sólido (Solid Drawing):

• Implica dibujar teniendo en cuenta las tres dimensiones.
• Ayuda a transmitir el peso, la profundidad y el equilibrio del personaje.

Atractivo (Appeal):

• Busca crear personajes carismáticos y memorables con rasgos visuales únicos.
• El objetivo es que el espectador conecte y recuerde al personaje.

Técnicas de animación tradicional 2D: Frames & Flexibility

• Animación: Procedimiento de diseñar una serie de imágenes que, al reproducirse en secuencia, crean la ilusión de movimiento.
• Animar: Dar vida a un objeto o personaje a través del movimiento, transmitiendo emociones e intenciones con cambios en su posición y expresión.
• Frame: Un fotograma o cuadro individual dentro de una animación
• Extremos: Los dibujos principales de la animación.

Intercalados:

• Son los dibujos entre extremos que definen el movimiento y aportan fluidez.

Breakdown:

• Posiciones de paso o intermedias.
• La clave para una buena animación reside en la precisión de los extremos, el uso efectivo de los breakdowns y el equilibrio de los intercalados.
• En un péndulo, los extremos están donde cambia la dirección y la posición intermedia genera un arco en la acción.
• Key pose: Dibujo que cuenta la historia y describe lo que sucede; también llamado keypose por algunos animadores.
• Flexibilidad: La flexibilidad da vida a los objetos y permite que tengan movimiento dentro del movimiento.
• Se debe cuidar de no exagerar la flexibilidad, evitar que la animación parezca saltarina y poco sólida.

Análisis de movimiento

Animación realista o convincente considerando:

• Características físicas del personaje (equilibrio, marcha).
• Escala del personaje (hormiga, humano, gigante).
• Personalidad y anatomía.
• Equilibrio: Andar es una caída constante y controlada.
• Balance: El cuerpo cambia su punto de gravedad según balance al andar
• Marcha: Patrón de movimiento al caminar, compuesto por las fases de apoyo y oscilación.
• Fase de apoyo: El pie de apoyo soporta el peso y el movimiento gira en torno a él.
• Fase de oscilación: La otra pierna se prepara para el siguiente paso.
• Ciclo de caminar: Repetición de la secuencia de pasos, incluyendo apoyo, oscilación y transferencia de peso.
• Arcos: Las partes del cuerpo describen arcos durante el movimiento para crear fluidez.

Historia de la animación

Los inicios (Siglo XIX):

• Marcado por cambios políticos (decadencia de la monarquía en Europa, guerras carlistas en España), económicos (revolución industrial, socialismo, ferrocarril, telégrafo) y sociales (clases sociales, iglesia).
• La burguesía y clase media tenían tiempo libre y buscaban entretenimiento.
• Reuniones literarias, teatro, romerías, juegos y deportes populares eran comunes.
• La animación surgió del teatro y la magia.

Peter Mark Roger:

• Médico, físico, matemático y filólogo, interesado en el funcionamiento de las ópticas y mejora del calidoscopio.
• Pionero en la ilusión del movimiento gracias a una persiana veneciana.
• En 1824 publicó un trabajo sobre la ilusión óptica al ver radios de una rueda a través de mirillas verticales.

Georges Méliès:

• Ilusionista, director de teatro, escenógrafo, humorista, actor y técnico introdujo los efectos especiales.

Teatro óptico (1892):

• Zootrope (1934) utiliza un tambor circular con cortes para ver dibujos en tiras que, al girar, simulan movimiento.

Praxinoscopio (1877):

• Emile Reynaud usa un tambor con espejos interiores para reflejar imágenes dibujadas en tiras de papel.
• Creaba secuencias nítidas con efecto animado

Siglo XX:

• El cine supuso adaptaciones, nuevas técnicas como la toma sucesiva de imágenes fijas con manivela.
• Aparecieron los principios de animación (Straight Ahead).
• La sorpresa y la magia eran importantes, pero sin narrativa, técnicas ni metodología establecida.
• Se trabajaba en grupos pequeños, en blanco y negro, mezclando lo real con lo ficticio.

Artistas destacados:

• George Méliès: Le Voyage dans la Lune (1902)
• James Stuart Blackton: Funny Faces (1906)
• Segundo de Chomón: The Electric Hotel (1908)
• Emile Cohl: Fantasmagories (1908)
• Winsor McCay: Gertie the Dinosaur (1914), The Sinking of the Lusitania (1918)
• Ladislaw Starewicz: La Venganza del Camarógrafo (1911), Pionero del stop motion.

Años 20:

• Se crea el PRECARTOON, el primer estilo de animación predeterminado.
• Boom del diseño de Nueva York, utilización de gags y el cómic.
• Creación de Merchandising y Appeal.
• Se aprende sobre la marcha debido a la falta de educación en la animación.
• Mucha producción en cortos períodos de tiempo conduce a mala calidad y ausencia de técnicas estandarizadas.

Artistas destacados:

• John Randolph: Bray Bobby Bumps' Forth (1917)
• Pat Sullivan: Felix the Cat (1919)
• Fleischer Studios: Fundado en 1921, competidores de Walt Disney, absorbidos por Paramount Pictures y despedidos en 1942, crearon personajes con Appeal e idearon la rotoscopia.

Años dorados de la animación (1928-1929):

• Steamboat Willie fue la primera película con sonido sincrónico y aparición de Mickey Mouse.
• Industrialización del proceso de producción con departamentos y etapas.
• Nuevas "estrellas" con dibujos animados como actores y actrices.
• Auge del Merchandising y del Appeal.
• Storytelling del cine y nuevos conceptos como Pose to pose.
• Diferentes cámaras y la creación de la técnica Cel Animation.
• Énfasis en la preproducción, el entorno y la creación de roles dentro de los animadores.

Estudios:

• Disney: Silly Symphonies
• Warner Bros: Looney Tunes y Merrie Melodies

Animaciones comerciales:

Silly Symphonies (1929-1939) Disney:

• Walter Elias Disney fue pionero en la animación estadounidense.
• Tiene el récord de más premios Óscar (22 estatuas y 59 nominaciones).
• Serie de cortometrajes animados sin personajes continuos.
• El Pato Donald y Pluto aparecieron en estos cortos.
• Cortos más simbólicos: The Skeleton Dance (1929), Three Little Pigs (1933), La cigarra y la hormiga (1934), El Viejo Molino (1937).

Looney Tunes (1930 - Actualidad) Warner Bros:

• Looney Tunes -> melodías locas / Silly Symphonies -> sinfonías tontas.
• Sinkin' in the Bathrub (1930) fue el primer cortometraje estrenado en cines.
• Frederick Bean Avery entró en el estudio en 1935 y caricaturizó a los personajes.

Charles Martin Jones:

• Contribuyó en Warner Bros con Looney Tunes y Merrie Melodies (Coyote y Correcaminos).
• En 1935, Porky salió en los Looney Tunes.
• En 1940, Bugs Bunny surgió; al igual que Porky, salió primero en Merrie Melodies.
• Entre 1938 y 1946, Porky decía "eso es to..., eso es todo, amigos!"
• 1996, Space Jam, película mixta de imagen real y animación.
• Nuevas series modernizándose.
• Merrie Melodies (1931-1964) de Leon Schlesinger Productions (Warner de 1944).
• Tras el éxito de Silly Symphonies.
• Lady, Play Your Mandolin! (1931) fue el primer dibujo animado de la serie.

Animadores relevantes:

Walter Elias Disney (1901-1966):

• Empresario, animador, guionista, actor de voz y productor de cine.
• Pionero de la industria de la animación estadounidense.
• Asistió a clases de arte desde niño.
• Fundó Disney Brothers Studio en California con su hermano Roy en la década de 1920.
• Oswald The Lucky Rabbit fue su primer corto, creado en 1927.
• El Animador Id Iwerks recreó un personaje basado en Oswald, aprobado por Walt Disney quien le dio sonido y personalidad, ese era Mickey Mouse..
• Introdujo el tecnicolor.
• Blancanieves y los siete enanitos (1937), Pinocho (1940), Fantasía (1940), Dumbo (1941) y Bambi (1942).
• En los años 50 expandió el negocio a los parques de atracciones.

Leon Schlesinger (1884-1949):

• Principal productor de Warner Bros.
• Trabajó creando títulos de crédito para películas.
• Looney Tones y Merrie Melodies cuando las películas sonoras ganaron popularidad.
• Relacionado con las producciones de Porky, el Pato Lucas y Bugs Bunny.
• Tuvo desavenencias con los premios Óscar alegando que Disney tenía trato preferencial.
• Tex Avery (1908-1980)
• Entró en Warner Bros en 1935.
• Ayudó a la marca caricaturesca de la empresa.
• Rompió moldes del realismo establecido por Walt Disney, jugando con el timing y la exageración.
• Bugs Bunny, Droopy, La Ardilla Loca, Porky o Chilly Willy surgieron de él.

Chuck Jones (1912-2002):

• Trabajó en Warner Bros. y Walt Disney.
• Participó en cortometrajes de Looney Tunes y Merrie Melodies.
• Inspirado por Charles Chaplin utilizaba la tensión, la ironía y la comedia.
• Creó contenido considerado para adultos.
• El Coyote y El Correcaminos, Marvin el Marciano o Tom y Jerry son algunos personajes ayudados a crear.
• Ganó un Óscar en 1965 por El punto y la línea.
• Al terminar la segunda guerra mundial los estudios de animación fueron cerrados, sobreviviendo las grandes productoras como Disney o Warner.
• Con la llegada de la TV la animación fue usada como propaganda electoral.

Resultó en

• Pérdida de la credibilidad debido a la intensa propaganda política.
• Un arte muy poco valorado.
• Reducción de la cantidad de producciones y/o de calidad debido a la poca inversión en el sector.
• Auge de la animación independiente.
• UPA (United Productions of America, 1940-70)

La UPA trabajaba principalmente para Columbia Pictures:

• Surgió tras la huelga de 1941 por las horribles condiciones laborales establecidas por el equipo directivo, fundada por exdirectivos de Disney.
• Promovían la idea de que la animación no necesitaba imitar la realidad, si no que podía expresarse de maneras más artísticas.
• Mr.Magoo o Gerald McBoing Boing son algunos de sus personajes míticos.

La llegada de la TV en casa:

• Al estar en la televisión para todo el mundo hubo un creciente volumen de producción y programación.
• Disney se une a la pequeña pantalla a partir de 1954.
• Con esto empiezan a promocionar los parques temáticos creando nuevos largometrajes probando nuevos personajes (antes de sacarlos en la gran pantalla)
• Con esto los Saturdays Morning Cartoons a partir de 1966 cambiaron por completo la manera de ver la televisión.

Hanna-Barbera Productions:

• William Hanna y Josep Barbera eran hijos de inmigrantes en EE. UU.
• En 1940 Hanna y Barbera crearon su productora como subcontrata de MGM Cartoon Studio (Metro-Goldwyn-Mayer) crearon Tom y Jerry.
• En esa época creaban animaciones muy trabajadas y muy realistas, con mucha antelación (principio de animación).
• En 1957 MGM Cartoon Studio cerró el departamento de animación y Hanna y Barbera crearon su propio estudio independiente.
• Crearon un nuevo concepto de dibujo animado: más industrial, con animación económica (repetición de segmentos, con personajes muy parecidos entre sí, compartiendo partes corporales como el lip sync. Muy funcionales.
• La gran productora del momento.
• Son piezas que aguantas el paso del tiempo y los dibujos son universales. Funcionan
• Algunas de sus creaciones: Los Picapiedra, Pixi y Dixi, Scooby-Doo, where are you!, El Oso Yogi... Creación de personajes antropomórficos.
• Agarrar el problema y convertirlo en virtud.
• En los años 90 Hanna Barbera pasó a ser de Warner Bros y se convirtió en una productora más seria.
• Peanuts – Charles M. Schulz. De tira cómica a dibujos animados - 1950-2000.
• The Pink Phink – Friz Freleng. Inicialmente personaje creado para unos títulos de crédito iniciales - 1964. Hizo tanta gracia que crearon una serie animada entera llamada La Pantera Rosa.
• Yellow Submarine (The Beatles) – George Dunning - 1968
• Fritz the Cat - Ralph Bakshi. Película basada en la tira cómica - 1972.
• Poco después, aparecieron productoras reconocidas como Cartoon Network (1992) reemitiendo los cartoons de Hana-Barbera, Nickelodeon (1991), Disney Channel (finales de los 90s)